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25 de mayo de 2012

My Week with Marilyn (2011) @ Habitación 101

A través de sus más de 100 años de historia, el cine como expresión artística ha creado sus propias leyendas, sus propios mitos. Dadas sus característica como medio audiovisual, lo que el cine nos deja son imágenes íconicas que se vuelven parte de nuestra cultura. Así, actores como Charlie Chaplin, John Wayne y Louise Brooks, han dejado para siempre una huella imborrable dentro del imaginario colectivo. Pero ninguno de estos íconos iguala a Marilyn Monroe. El sex symbol por excelencia, Monroe representa una época de glamour y de cambio en el cine norteamericano. Es a la vez ícono de la era del oro y heraldo de los cambios que vendrían. Y esto no sólo por sus películas, sino por su historia personal. Norma Jean Mortensen se volvió Marilyn Monroe y cambió para siempre el concepto de "estrella de cine". Y sin embargo, dentro de esa figura de exhuberante sexualidad y fuerte presencia se encontraba una mujer insegura e incluso frágil que buscaba la aceptación del mundo. Su complicada (y pública) vida) y temprana muerte la volvieron un ícono inmortal que continúa ligado a la industria fílmica norteamericana. Este mito es nuevamente explorado por el cineasta británico Simon Curtis en "My Week with Marilyn", que presenta la historia del viaje de Marilyn al Reino Unido para actuar en "The Prince and the Showgirl" junto a Sir Laurence Olivier. En Habitación 101 se ha publicado mi reseña de la película, y aquí los invito a leerla en sus páginas, donde además hay información relativa a la cultura y las artes.
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23 de mayo de 2012

Morgiana (1972)

Aunque a menudo considerado como separado de la Nueva Ola Checoslovaca, el director Juraj Herz comenzó su carrera justo en el centro del movimiento que redefiniría a la industria fílmica Checoslovaca. El hecho de que no fuera un estudiante de la Escuela de Cine y TV de la Academia de las Artes de Praga (Herz era de la Facultad de Teatro) lo distanciaron del movimiento, pero también le permitió dar forma a su propio estilo, el cual era un poco más tradicional, aunque no menos subversivo. De hecho, la voluntad de Herz a trabajar alrededor de géneros definidos le permitieron mantener su excéntrica e idiosincrática visión intacta aún durante los años de la Normalización, cuando la liberalización de la Primavera de Praga terminó y una nueva era de censura llegó. El film de horror "Morgiana", lanzado en 1972, muestra una vez más ese gusto por lo horroroso ya mostrado en su clásico "Spalovac mrtvol" (1969), aunque en este caso, su lucha contra la censura no fue tan exitosa.

"Morgiana" es una historia de dos hermanas, Klára y Viktorie (ambas interpretadas por Iva Janzurová), quienes viven en una gran mansión tras la muerte de su padre. Viktorie se vuelve celosa por el hecho de que Klára ha heredado la mayoría de sus propiedades, incluyendo la casa. La popularidad de Klára con los hombres es otra fuente de molestia para Viktorie, sentimiento que se vuelve odio puro cuando descubre que el hombre que ama, Marek (Josef Abrhám) está enamorado de Klára. Llena de rabia, Viktorie decide envenenar a su hermana, por lo que compra un veneno letal de la misteriosa Otylie (Nina Divísková). Sin embargo, el plan de Viktorie no va exactamente como planeó, pues el veneno que obtuvo de Otylie tiene un efecto muy lento. Debido al envenenamiento, Klára comienza a sufrir de alucinaciones, mientras que la impaciencia de Viktorie crece cada segundo. Para empeorar las cosas, Otylie intenta chantajear a Viktorie, mientras que el gato Morgiana es testigo mudo del drama en casa de las hermanas.

Ubicada en un mundo decadente que parece atorado en el siglo IX, "Morgiana" está basada en la historia "Jessie y Morgiana" del autor ruso Alexander Grin. El guión, de Vladimir Bor y el director Juraj Herz, narra una historia que es en esencia un cuento de hadas sonde la hermana "buena" se enfrenta a las maquinaciones de la hermana "mala". Sin embargo, es un cuento de hadas con un giro oscuro: está narrado desde la perspectiva de la hermana "mala", explorando el crecimiento del odio de Viktorie por su hermana, enraizado en su rivalidad de hermanas y su envidia por la belleza, popularidad y fortuna de Klára. Todo hecho con un tono exagerado de melodrama que ultimadamente hace de "Morgiana" una parodia gótica de los elementos clásicos de la literatura Romántica. Y esto es totalmente intencional pues hay un innegable toque de humor negro en la exagerada trama de "Morgiana". La exageración es la clave de la historia, y esto va del guión al cuidadosamente orquestado diseño visual del filme.

Tomando como base las convenciones del tradicional drama de época, el director Juraj Herz los exagera para darle a "Morgiana" una altamente estilizada atmósfera de grotesca decadencia. Instrumental para esto es el trabajo del cinefotógrafo Jaroslav Kucera (famoso por su trabajo en clásicos de la Nueva Ola Checoslovaca como "Perlicky na dne" y "Sedmikrásky"), quien usa su talento para dar vida a la delirantemente surrealista visión que tiene Herz del mundo gótico de las hermanas. La cámara de Kucera es bastante dinámica, vagando libremente por la mansión mientras sigue el drama (de gran interés son las tomas donde se toma el punto de vista de Morgiana el gato). Jugando con el color y la luz, Kucera crea una atmósfera de ensueño que aumenta el tono de cuento de hadas oscuro que tiene "Morgiana". Como había hecho previamente en "Spalovac mrtvol", el director Juraj Herz hace extenso uso de lentes angulares, no sólo para el ya mencionado punto de vista gatuno, sino para reflejar la distorsionada mente de sus personajes.

Como se mencionó anteriormente, "Morgiana" funciona como un melodrama exagerado, así que una cierta cantidad de sobreactuación es de esperarse, sin embargo, este tipo de sobreactuación requiere gran habilidad y sutileza para que funcione correctamente y evite lucir artificial, y afortunadamente, la actriz Iva Janzurová logra este reto. Interpretando a Klára y a Viktorie a la vez, Janzurová realiza dos muy diferentes aunque igualmente admirables actuaciones. Como Klára, luce dulce y frágil, y logra conjurar esa mezcla de ingenuidad juvenil y tediosa indiferencia de la personalidad de niña mimada. Lo opuesto es su interpretación de Viktoria, la cual es vibrante y llena de energía, haciendo un creíble retrato de una mujer movida por el odio. A través de capas de maquillaje, Janzurová disfraza su belleza para darle al personaje una identidad propia. Dos actuaciones brillantes en verdad. El resto del elenco es menos afortunado, y aunque su trabajo no llega al punto de ser realmente malo, si hay una diferencia notoria en calidad.

Inquietantemente atmosférica y deliciosamente grotesca, "Morgiana" de Juraj Herz es un filme de horror que es más desconcertante que impactante, pues está basado en una sutil distorsión de un ambiente familiar. Desafortunadamente, a pesar de sus múltiples elementos interesantes, "Morgiana" está lejos de ser perfecta, pues el último tercio de cinta es un problemático y apresurado clímax que se siente forzado y fuera de lugar. Como si los escritores no hubiera sido capaces de encontrarle un final. De hecho, hay una razón para este final insatisfactorio, pues originalmente "Morgiana" incluiría la revelación de que las dos hermanas son en realidad dos personalidades de la misma mujer (un giro primordial de la novela de Alexander Grin). Ciertamente suena como un final más apropiado pero tristemente la administración se entrometió y Herz fue forzado a desarrollar una segunda mitad diferente para el filme. Un residuo de esta idea original es el hecho de que Iva Janzurová interpretó a ambas hermanas.

Quizás este cambio en el guión hubiera resultado en un filme más coherente y completo, pero desafortunadamente, esto es de esas cosas que nunca se sabrán. Sin embargo, a pesar de sus problemas "Morgiana" permanece como un gran ejemplo de horror surrealista; y aunque está lejos de ser de los mejores trabajos de Juraj Herz, es una buena demostración del estilo y talento de este a menudo tan olvidado miembro de la Nueva Ola Checoslovaca. Peculiar y grotesca, "Morgiana" quizás no haya envejecido tan bien (incluso podría lucir kitsch a ojos modernos), pero es una muy interesante película de horror surrealista que combina el terror y el melodrama para crear algo único. En cierta forma, "Morgiana" es una tristemente imperfecta obra maestra.

7/10
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22 de mayo de 2012

Spalovac mrtvol (1969)

Concebida en el seno de la Escuela de CIne y TV de la Academia de las Artes de Praga (FAMU) a principios de la década de los 1960s, la Nueva Ola Checoslovaca fue un importante movimiento artístico que trajo a la luz las sensibilidades artísticas de una nueva generación de cineastas del bloque comunista. Una generación que incluyó entre sus filas a Miloš Forman, Jirí Menzel y Jaromil Jireš, directores que se volverían las figuras principales de la industria Checoslovaca. Sin embargo, también hubo otros cineastas que, aunque menos famosos, dejaron una igualmente interesante contribución al movimiento, y uno de ellos fue Juraj Herz. La razón de su aparente exclusión dentro de la Nueva Ola Checoslovaca es simple: él no era estudiante de cine, sino de teatro, específicamente un titiritero. Sin embargo, este titiritero traería uno de los estilos más interesantes dentro del movimiento, uno basado en los horrible y lo grotesco, del cual "Spalovac mrtvol", "El Cremador", es quizás el mejor ejemplo.

Ubicada al inicio de la ocupación por parte de la Alemania Nazi, "Spalovac mrtvol" es la historia de Karl Kopfrkingl (Rudolf Hrusínský), el hombre a cargo de un crematorio en Praga. Aunque amigable y sociable, Karl tiene una fascinación mórbida con los muertos que alienta con sus lecturas del libro Tibetano de los Muertos. Para Karl, la cremación de un cuerpo es necesaria para la correcta liberación del alma. Sin embargo, a pesar de lo mórbido de sus obsesiones, Karl es un padre amoroso con sus hijos Zina (Jana Stehnová) y Mili (Milos Vognic); y aunque le atraen otras mujeres, mantiene una cordial aunque distante relación con su esposa Lakmé (Vlasta Chramostová). Karl siente que su vida está en correcto balance, sin embargo, cuando los Nazis llegan a la frontera Checa, es invitado a unirse al partido por tener ancestros Alemanes. Los agentes Nazis jugarán con sus obsesiones, despertando las manías que Karl ha ocultado en el lado más oscuro de su alma.

"Spalovac mrtvol" está basada en la novela del autor Checo Ladislav Fuks, cuya obra entera gira en torno de la opucación Alemana a Checoslovaquia. El guion fue adaptado por el mismo Fuks junto al director Juraj Herz, quienes usan la historia del perturbado cremador como una alegoría de la progresiva intromisión de las ideologías Nazi a la sociedad Checoslovaca. Aprovechando las ambiciones y delirios de grandeza de Karl, la influencia Nazi completa la transformación que hace que este mórbido aunque inofensivo hombre decida transformar sus más oscuras fantasías en una realidad. Así pues, movido por sus nuevas creencias, Kopfrkingl es ahora capaz de volverse contra sus amigos y familia, totalmente convencido que sus acciones son por "el bien común". Y lo que es quizás lo más interesante de "Spalovac mrtvol" es que este oscuro y perturbador cuento de horror psicológico es contado con una fuerte dosis de humor negro que, extrañamente, le da un apropiado tono de ironía.

Sin embargo, lo más llamativo de "Spalovac mrtvol" es su narrativa visual, la cual fue concebida por el director Juraj Herz como una altamente estilizada pesadilla Gótica donde la desorientación es la norma. Una desorientación diseñada para reflejar la torcida mente de su personaje principal, cuyo tren de pensamiento se mueve de lo mórbidamente macabro a lo completamente grotesco. Y para hacer esto, Herz da buen uso a la bellísima fotografía expresionista de Stanislav Milota y al frenético trabajo de edición de Jaromír Janácek. "Jump cuts", montajes, y una narrativa que va de lineal a no lineal y de regreso, son algunas de las herramientas que Herz emplea para desorientar, pero más que lucir como clichés, se sienten apropiadas para el tono de la trama. El cinefotógrafo Milota emplea la distorción del lente de ojo de pescado para evocar la distoriconada visión de la vida que tiene Karl, y jugando con luces y sombras, crea una perturbadora atmósfera Gótica muy acrode con el diseño visual de Herz.

Como el personaje principal, el actor Rudolf Hrusínský brilla en el papel de Karl Kopfrkingl, el cremador con deseos torcidos que lo llevaran a un descenso a la locura. Aunque en cierta forma Karl es una caricatura exagerada de un loco, la brilante interpretación de Rudolf Hrusínský descubre los muchos lados que tiene el personaje y muestra una figura muy compleja y de algún modo incluso trágica. Empleando sutiles pero notorios manerismos y su poderosa presencia escénica, Hrusínský se transforma completamente en este perturbado individuo, capaz de ser simpático y horrible al mismo tiempo. Ciertamente, "Spalovac mrtvol" es totalmente el show de Hrusínský, pero aunque los actores de soporte tienen considerablemtne menos espacio para desarrollar sus roles (después de todo, la cinta es narrada desde la perspectiva de Karl), hay quienes hacen trabajos más que efectivos, particularmente Vlasta Chramostová hace una buena interpretación como la tímida y dedicada esposa de Karl, Lakmé.

Quizás el horror más perturbador de entre lo muchos conjurados por la "Spalovac mrtvol" de Juraj Herz es el hecho de que aunque este es un cuento exagerado, muy probablemente algo así ocurrió en la vida real. Al inicio del filme, Karl conoce y respeta a muchos judíos, sin embargo, después que la ideología Nazi ha hechado raíces en su mente, el mórbido cremador es incapaz de conciliar sus pensamientos y comienza a ver a los judíos negativamente. Detrás de los horrores desatados por el maníaco Karl, el verdadero horror de como la ideología Nazi se infiltró lentamente y cambió la mente de una sociedad es quizás el elemento más perturbador de "Spalovac mrtvol". En la pesadilla Gótica de Herz, el mórbido cremador es ciertamente un monstruo, pero aun más monstruosos son quienes juegan con su mente. Karl está convencido de que sus acciones ayudan a una buena causa, de que está limpiando a las almas contaminadas del mundo, ayudándolos a encontrar la paz. Las acciones de Karl nos recuerdan que el camino al infierno esta hecho de buenas intenciones.

Aunque su pertenencia a la Nueva Ola Checoslovaca es a menudo ignorada, el trabajo del director Juraj Herz tiene muchas de las características del movimiento, aunque con una perspectiva a menuda más perversa y cínica, y "Spalovac mrtvol" es quizás el mejor ejemplo de ello. Desconcertante y grotesca, y al mismo tiempo absurda y oscuramente cómica, "Spalovac mrtvol" ó "El Cremador", es una gema única del cine Checoslovaco que emplea el género del horror para ilustrar los muy reales horrores de la ocupación Nazi. Aunque más que ser un filme acusatorio, "Spalovac mrtvol" es en realidad uno catártico, un filme en el que través de sus grotescas imágenes se pudiera entender la locura que volvió a un país contra sí mismo.

8/10
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18 de mayo de 2012

The Best Exotic Marigold Hotel (2011) @ Habitación 101

Nuevamente he publicado un artículo en Habitación 101, una revista digital para la que ocasionalmente colaboro con reseñas de cine reciente. En esta ocasión, la película en cuestión es "The Best Exotic Marigold Hotel" (llamada en México como "El Exótico Hotel Marigold"), una cinta dirigida por John Madden quien tras haber realizado el thriller "The Debt" regresa a la comedia con una entretenida historia que trata sobre una situación que eventualmente todos enfrentamos: envejecer. Reuniendo a un elenco de gran calidad, Madden presenta la vida de un grupo de ancianos Británicos que se encuentran en un viaje al Hotel Marigold, una casa de reposo en la India en la que pretenden pasar sus últimos años. Las razones que los llevan ahí son diferentes, y es en esas diferencias entre los diversosn personajes donde se encuentra la magia de "The Best Exotic Hotel Marigold", pues más que tratarse de un viaje a la India es simplemente una comedia sobre las relaciones humanas. Con una gran habilidad, Madden logra hilar explorar este tema al ir hilando las vidas de este particular grupo de ancianos, aunque en sí lo interesante de la cinta es ver a Judi Dench, Bill Nighy, Tom Wilkinson y demás figuras clave del cine Británico, compartir la escena y divertirse. Mayores detalles, en la reseña, y no olviden revisar Habitación 101, siempre llena de contenido interesante respecto del cine y las artes. Y por cierto, vienen grandes cambios en el sitio de la revista, así que hay que estar atentos.
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16 de mayo de 2012

Sky High (2003)

Tras pasar algunos años realizando proyectos independientes con mínimo presupuesto, el director japonés Ryûhei Kitamura se volvió conocido tras el éxito internacional de su mezcla épica de accion y horror llamada "Versus" allá por el año 2000. El reconocimiento obtenido por "Versus" le permitió a Kitamura el continuar mostrando su talento en filmes de acción como "Alive" y "Aragami", películas donde continuó demostrando su estilo fresco y dinámico, claramente influenciado por el comic japonés (los mangas). El estilo de Kitamura llegaría a su punto cumbre en "Azumi", una cinta de artes marciales basada en el manga del mismo nombre, la cual podría considerarse como la obra maestra de su estilo tan particular. Después de realizar "Azumi", Kitamura dirigiría varios capítulos de la popular serie de TV "Sukai hai", una historia de fantasía y horror también basada en un manga. A la vez, Kitamura dirigiría una película como precuela para "Sukai hai": una cinta de acción llamada "Sky High".

"Sky High" es la historia del detective Kohei Kanzaki (Shosuke Tanihara) y su novia Mina Saeki (Yumiko Shaku), y como sus vidas son destruidas cuando en el día de su boda, Mina es brutalmente asesinada por el misterioso asesino serial que Kanzaki había estado tratando de arrestar: un criminal que arranca el corazón de sus víctimas. Ahora, Mina ha llegado a la Puerta de la Furia, el lugar donde las almas de los asesinados llegan para tomar una importante decisión: ir al Cielo a esperar la próxima reencarnación, o regresar a la Tierra como un fantasma para maldecir a su asesino y seguirlo al Infierno. Mina tiene 12 días para decidir, y mientras tanto, decide ayudar a Kanzaki a recuperar la cordura, pues ahora Kanzaki está decidido a matar al asesino aún si eso significara ir al Infierno. Kanzaki continua su investigación, y no sólo descubre la identidad del asesino, sino también su propósito: debe juntar seis corazones de los Guardianes de la Puerta del Más Allá para poder abrir la Puerta de la Furia.

Como se mencionó anteriormente, "Sky High" fue concebida como una precuela para la serie de TV "Sukai hai" (transliteración de "SKy High"), por lo que el "Sky High" de Kitamura es básicamente una introducción a la extensa trama de "Sky High", el manga de Tsutomu Takahashi. El guión, del colaborador regular de Kitamura, Isao Kiriyama, comienza con el intento de Kanzaki de vengar la muerte de Mina, pero también se enfoca en la historia de Mina al llegar a las Puertas de la Furia donde contempla su futuro. De esta forma se definen los dos géneros que forman "Sky High", con el lado de Mina siendo más una historia de horror y fantasía, mientras que la de Kanzaki opera como un thriller de crimen. Para lograr esto, el guión de Kiriyama está bastante detallado y se toma su tiempo en desarrollar a sus personajes y establecer los conceptos que luego serán familiares en la serie de TV. Sin embargo, detrás de la violencia y el horror, "Sky High" es una historia de amor, y este importante aspecto emocional es finalmente lo que la distingue.

Como es de esperar, una vez más Kitamura despliega su maestría en el estilo visual del filme, lleno de su usual trabajo de cámara tan dinámico, y lleno de acción. Kitamura da vida al guión de Kiriyama de la misma manera como si estuvidera dibujando una historieta, dejando a su imaginación volar pero manteniéndose fiel a la escencia de la historia de "Sky High". Aunque "Sky High" es considerablemente menos violenta gráficamente que los filmes previos de Kitamura (como "Versus"), esta elección le va bien al estilizado concepto del filme, pues a pesar de todo el preciosismo visual, no deja de estar enfocado en la relación entre sus dos protagonistas, por lo que el exceso de gore podría haber estado fuera de lugar. De hecho, este enfoque en sus personajes es el elemento más fuerte del filme, pues permite dar mayor consistencia a las situaciones fantásticas que los personajes viven, dándo más sentido a sus acciones. En "Sky High", Kitamura logra balancear la acción y el romance en una forma natural y creíble.

El elenco va de regular a muy bueno, y esta divergencia en la calidad de las actuaciones es ciertamente una de las cosas que disminuye el impacto de "Sky High". Sin embargo, a pesar de esto en general se puede concluir que "SKy High" tiene un elenco efectivo. Al frente del elenco, Yumiko Shaku realiza un buen trabajo como Mina, provando ser una actriz dramática, más que solo una cara bonita.Sin embargo, sus escenas de acción lucen inferiores comparadas con las de otros actores en el filme. Shosuke Tanihara, quien interpreta al torturado detective Kanzaki realiza la mejor actuación de la película, llevando el peso del filme con una buena actitud y una representación creíble de su papel. No sería equivocado decir que el trabajo de Tanihara es el corazón de la cinta. Finalmente, el colaborador regular de Kitamura, Takao Osawa, está excelente como el misterioso Tatsuya Kudo. Como se mencionó anteriormente, el resto del elenco es bueno, aunque nada espectacular.

Aunque ciertamente "SKy High" tiene muchos elementos clásicos de Kitamura, desafortunadamente no es una de sus obras maestras, pues también contiene una buena cantidad de los defectos típicos del cine de Kitamura. Tan bella como es en terminos visuales, "Sky High" es también demasiado larga, debido principalmente al excesivo detalle que el escritor Kiriyama da a la historia. A diferencia de "Azumi" (guión también de Kiriyama), donde lo épico de la historia le iba bien al largo y detallado guión, "Sky High" es una historia relativamente más íntima y se siente inecesariamente larga y lenta. Quizás un mejor trabajo de edición o un guión más consciso pudieran haber mejorado la cinta un poco, pues parece que el filme se pierde en la creación de su propia mitología. Quizás es que "Sky High" se toma a si misma demasiado en serio en ocasiones, o quizás Kiriyama intento sintetizas demasiado el mundo de "Sukai hai" en la cinta. De cualquier forma, a pesar de los problemas, "Sky High" no es una mala película, quizás sólamente es una que pudo haber estado mejor.

Al final, el "Sky High" de Ryûhei Kitamura es una película muy recomendable, no sólo para los seguidores acérrimos de Kitamura, sino para quien esté interesado en una película de acción con inteligencia. Los toques de horror y fantasía dan a la historia una mayor profundidad y la hacen sobresalir de entre las muchas cintas de artes marciales que existen. Ciertamente ofrece una interesante visión de la otra vida, y contiene varias secuencias que demuestran el admirable talento para lo visual que tiene el director Ryûhei Kitamura. Aunque un poco larga, "Sky High" es realmente una buena, aunque defectuosa cinta que brinda buen entretenimiento. Realmente es una buena introducción a "Sukai hai", lo cual es probablemente la meta que sus creadores tenían en primer lugar.

7/10
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14 de mayo de 2012

Muerte al Invasor (1961)

En 1961, un grupo de exiliados Cubanos entrenados por la CIA lanzó un intento de derrocar al recientemente instaurado gobierno de Fidel Castro. La operación, llamada Operación Zapara, estaba apoyada por el gobierno de los Estados Unidos e incluía un desembarco en las playas de Bahía de Cochinos, al este de la península Zapata en Cuba. La invasión fue un fracaso, pues las fuerzas armadas Cubanas derrotaron a los invasores en un lapso de tres días. La fallida invasión tuvo como consecuencia principal un mayor nacionalismo y un mayor apoyo al régimen cubano en Cuba. Este conflicto sería conocido en Cuba como la Batalla de Playa Girón, y en los Estados Unidos como la Invasión a Bahía de Cochinos. Dada la gran importancia que le dió el gobierno Cubano al cine, el Instituto Cubano del Arte y la Industria Cinematográficos (ICAIC) envió a un equipo de corresponsales de guerra a cubrir el evento. Entre ellos estaba Tomás Gutiérrez Aleam quien construyó un documental para el noticiero de Santiago Álvarez: "Muerte al Invasor".

"Muerte al Invasor" está compuesta de imágenes capturadas por Gutiérrez Alea y su equipó de camarógrados: Mario Ferrer, Pablo Martínez y Julio Simoneau. La narración, probablemente escrita por el director del ICAIC Alfredo Guevara, es interpretada por Batista y detalla los eventos de la invasión, describiendo los tres días de batalla a la par que glorifica los esfuerzos del pueblo Cubano y sus líderes. Dada la naturaleza como un documental destinado a formar parte del noticiero, la cinta tiene una meta propagandista más que evidente, con los invsaroes vencidos constantemente denominados como traidores u opresores partidarios del gobierno anterior. El apoyo Estadounidense a los invasores también es un punto discutido extensamente, haciendo hincapié en el esfuerzo Norteamericano por derrocar al gobierno Socialista de Cuba, y describiendo la naturaleza encubierta de la operación como ejemplo de traición imperialista. "Muerte al Invasor" tiene una agenda definida, y la sutileza no es para nada su fuerte.

Ha habido mucho debate sobre quien estuvo realmente detrás de la creación de "Muerte al Invasor", con arugmentos tanto para Tomás Gutiérrez Alea como para Santiago Álvarez dandoles el crédito. La película realmente muestra signos tempranos de los estilos de ambos directores: por un lado, elementos del inovador "montaje nervioso" de Álvarez pueden sentirse en el filme, mientras que por el otro, las imágenes que forman el documental tienen ya el estilo de Gutiérrez Alea. Y hablando de las imágenes, la serie de escenas capturadas en el filme no son sólo de gran valor histórico, sino que cuentan con una cierta belleza en bruto que realmente retratan el espíritu de una nación que se defiende. Dejando de lado la patriotista narración y sin tomar algún lado político, estas imágenes hablan mucho de una joven nación que aún creía en un ideal y luchó por él. La elocuencia de las imágenes de "Muerte al Invasor" da fuerza a quienes apoyan a Gutiérrez Alea como director único, aunque al final, hay suficientes elementos que establecen el filme como una contribución entre él, Álvarez e incluso Guevara.

Como se mencionó anteriormente, "Muerte al Invasor" fue claramente concebido como una pieza de propaganda, con su latente glorificación de la nación Cubana y su demonización sin piedad que hace de los invasores. Y este es quizás el lado más débil del filme, pues a pesar del poder de sus imágenes, la narrativa es lenta e incluso torpe. El narrador Julio Batista carece de emoción al declamar, permaneciendo siempre calmado y monótono en su discurso, más parecido al narrador de algún documental escolar que a un historiador. Como pieza de propaganda, el filme cumple su propósito, aunque carece de la vibrante energía del cine Soviético o del filme Cubanos posteriores. La fuerza del filme esta claramente en sus imagenes yedición, las cuales muestran los talentos de sus realizadores y ofrece un vistazo hacia donde irían sus carreras. El contraste de calidad entre las imágenes del filme y la narración escrita es tan grande que la cinta incluso funciona mejor sin narración. El ojo del joven cine Cubano es suficiente para contar la historia de su victoria, sin necesidad de agregar glorificación artificiosa.

"Muerte al Invasor" tal vez no sea el mejor ejemplo del cine de Tomás Gutiérrez Alea y Santiago Álvarez, aunque es ciertamente un filme bastante interesante para observar el desarrollo que sostuvieron ambos cineastas, quienes se volverían celebradas luminarias de la Época de Oro del Cine Cubano. En un filme como "Muerte al Invasor", el cual claramente tiene una meta definida y una agenda política específica, es siempre difícil separar la política del cine, pero en este caso, el que uno esté de acuerdo o no con sus argumentos es secundario, lo que está claro es que con sus imágenes y montaje, los cineastas Tomás Gutiérrez Alea y Santiago Álvarez han realmente capturado la cara y espíritu de una joven nación que se está buscando a sí misma.

6/10
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