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26 de abril de 2012

Intruders (2011) @ Habitación 101

En el año 1996, el director Español Juan Carlos Fresnadillo presentó un cortometraje que tituló "Esposados" y lo llevó a estar nominado a un premio de la Academia. Muchos años después (y tras haber realizado para Danny Boyle "28 Weeks Later" en el 2007), Fresnadillo continua su desarrollo en el género de horror con "Intruders". Titulada en México como "Intrusos", esta cinta de manufactura Española toma a un elenco Británico (encabezado por Clive Owen) para desarrollar una trama basada en uno los miedos más antiguos: el miedo a la oscuridad. Al respecto escribí una nueva colaboración para la revista digital Habitación 101, quienes ya me habían invitado conanterioridad a sumar textos respecto a cine (principalmente de horror). Aunque no del todo lograda, "Intruders" presenta a un Fresnadillo más maduro, y con ganas de explorar un horror más sutil. Su paso por el Reino Unido sin duda lo ha nutrido de influencias pero en cierta forma, "Intruders" está más en línea con esa escuela Española de hacer cine de horror que se ha venido gestando desde los 90s (yo personalmente la llamo afectuosamente "Nueva Ola de Horror Español") y que involucra a directores como De la Iglesia, Balagueró, Plaza, Serra y otros cineastas que han venido imprimiendo una estética muy particular de hacer cine. Más basada en la atmósfera y en el humor negro que en el susto barato. En fin, mayores detalles hay en esta reseña, y además los invito a ver que más hay en Habitación 101, sin duda habrá algo de su interés.
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Nueve reinas (2000)

El abrupto fin de una vida es siempre una tragedia, particularmente de alguien joven, pues deja siempre la pregunta de que harían si estuvieran vivos. En el caso de un artista, esto es especialmente significativo, aún más si el fallecido estaba apenas comenzando a obtener reconocimiento. Este es el desafortunado caso del cineasta Argentino Fabián Bielinsky, quien tras haber hecho dos filmes aclamados por la crítica, falleció de un ataque al corazón apenas con 47 años. Testamento de su talento es el hecho de que en tan sólo dos cintas, Bielinsky había logrado ya desarrollar un sello propio, diferente a lo que podía verse en el cine Argentino de su tiempo. El primero y más popular de estos filmes, "Nueve reinas", fue un thriller de crímen con un particular tono de comedia e ironía que resultó ganador de multiples premios nacionales e internacionales. Y no sin una razón, pues la cuidadosa hechura de "Nueve reinas" realmente demuestra cuan grande es la pérdida que dejó la muerte de Bielinsky.

"Nueve reinas" comienza en una pequeña tienda de conveniencia donde Juan (Gastón Pauls), un joven estafador, logra timar a la cajera, solo para ser atrapado al intentar el mismo truco dos veces. Marcos (Ricardo Darín) finge ser un oficial de policía y se lleva a Juan. En un callejón, Marcos explica a un sorprendido Juan que no es policía, sino otro estafador. Marcos le ofrece a Juan la oportunidad de ser su compañero durante ese día, y aunque Juan lo duda, acepta pues necesita reunir dinero para sacar a su padre de prisión. Tras varios embustes juntos, Marcos recibe la llamada de un viejo socio, Sandler (Óscar Nulez), quien pide a Marcos ayuda en una estafa: Sandler ha hecho copias perfectas de un raro juego de estampillas llamado "Las Nueve Reinas", e intentaba venderlo a un rico Español (Ignasi Abadal) quien será deportado al día siguiente (y por ende incapaz de revisar bien la autenticidad de las copias). Sandler no logra hacerlo solo por su mala salud, así que el duo de Juan y Marcos deciden tomar parte en la estafa.

Inteligente, ingeniosa, y con una buena dosis de humor, "Nueve reinas" es un sólido thriller en el que el director Fabián Bielinsky (autor también del guión) juega con el subgénero del heist para brindar una entretenida historia de dos estafadores. A medida que el filme se desarrolla, Bielinsky incrementa las apuestas, poniendo a sus personajes en situaciones cada vez más complicadas con cada giro de la trama. Sin embargo, aunque ciertamente la trama que Bielinsky desarrolla es emocionante, la estafa resulta ser meramente un MacGuffin al más puro estilo Hitchcock, pues la verdadera magia de "Nuebve reinas" viene de la forma en que se han desarrollado los dos personajes y su relación. Pues dado que como ambos son estafadores, la confianza entre ellos no será moneda de cambio, y la desconfianza estará a la orden del día. Sin embargo, la necesidad y la casualidad los obliga, al maestro experimentado y al joven talentoso, a arriesgarse para lograr esta estafa magnífica.

Aunque ciertamente el guión de Bielinsky es maravilloso, su talento como director bien vale reconocimiento también, pues realiza su filme con estilo simple pero muy pulido que le va muy bien al tono casual del filme. Con una cierta gracia y elegancia, Bielinsky deja a la trama develarse suavemente, y envolver a la audiencia con su cautivante hechizo, no muy diferente a los trucos que sus personajes realizan, funcionando como una precisa máquinaria con un sincronía perfecta, con tono perfecto. Aunque trabajando con un muy bajo presupuesto, Bielinsky logra dar a su filme un muy bien definido estilo visual, un poco tradicional pero muy atractuvo. El cinefotógrafo Marcelo Camorino captura el escenario urbano con una belleza elegante, su cámara adentrándose a las calles que forman el ambiente natural de los personajes. Sin embargo Bielinsky no usa un estilo visual flamboyante, sabiendo (cual David Mamet) que la fuerza de su cinta está en el lenguaje de sus personajes, en su habla.

Así que, dado que el guión es lo que importa, los actores recitando las líneas se vuelven de vital importancia para el éxito del filme. Y afortunadamente, la actuación es uno de los elementos más fuertes de "Nueve reinas". Al frente del elenco como el talentoso aunque inexperto Juan, Gastón Pauls muestra un carisma natural en su trabajo, interpretando al joven aprendiz con gran versoimilitud. Sin embargo, "Nueve reinas" le pertenece a la soberbia interpretación de Ricardo Darín, quien es Marcos. Como el estafador de palabra fácil, Marcos, Ricardo Darín comanda la pantalla con poder, mistrandose como un actor con recursos, habilidoso en la creación de personajes multidimensionales. Pues sin importar que tan bueno sea el guión, un mal actor podría haber realizado el rol de manera estereotipada. Uno talentoso, como Darín, se adentra en el personaje y saca a una persona real del mismo. El resto del elenco, aunque con menos tiempo en pantalla, hacen todos un trabajo eficiente, especialmente Leticia Bréndice, como Valeria, la hermana de Marcos.

La verdadera estrella de "Nueve reinas" es sin duda su director, Fabián Bielinsky, quien demuestra su talento como narrador al dar forma a esta historia con gran habilidad. Aunque la trama es relativamente simple (el ya mencionado Mamet ha producido historias de mayor complejidad), la forma en que Bielinsky la ha transformado en un rompecabezas es simplemente cautivante. "Nueve reinas" es un soberbio ejemplo de como dar forma a una historia: al agregar la cantidad necesaria de detalles para hacerla interesante y única, Bielinsky construye su cinta de crimen con el mismo cuidado que se orquestaría una estafa: con la perfecta sincronía y el tono apropiado, el ritmo adecuado y la cadencia exacta. Hay pocas cosas malas en "Nueve reinas", pues cada elemento juega su papel en el rompecabezas con buenos resultados. Quizás hay momentos en que lo absurdo de las estafas se vuelva demasiado, pero el seco e impasible humor que Bielinsky emplea mantiene todo en el humor adecuado.

Astuta, ingeniosa y dueña de un delicioso humor negro, "Nueve reinas" mostró el talento de un cineasta que, sin grandes pretenciones, logró crear un thriller entretenido con gran astucia e inteligencia. Porque es esta inteligencia lo que separa a "Nueve reinas" de otros thrilles similares aunque banales, pues permite al filme desenvolver su historia con un estilo y gracia que pocos tienen. Después de "Nueve reinas", Bielinsky obtuvo la oportunidad para desarrollar un remake Americano, oportunidad que rechazó para poder realizar "El Aura" (El remake se vino realizando con el título de "Criminal" y con Gregory Jacobs al timón). Tristemente, Bielinsky murió justo cuando su carrera iba en ascenso. Mirar el triunfo que es "Nueve reinas" hace a uno darse cuenta de la gran pérdida para el cine que fué la muerte temprana de Fabián Bielinsky.

9/10
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25 de abril de 2012

The Haunting (1963)

Desde el comienzo de la civilización, la historias de fantasmas y espíritus han existido en muchas culturas a nivel mundial, pues la fascinación con la muerte y lo que viene después está enraizada profundamente en nuestra naturaleza. Esta fascinación se refleja mucho en el género narrativo del horror, volviéndose elemento clave de la literatura Gótica y romántica del siglo 18; pues siendo expresión del antiguo miedo a lo desconocido, era natural que fuera inspiración a muchos tipos de historias pesadillescas. Por supuesto, las historias de fantasmas harían la transición al cinema donde pronto se volverían inspiración clásica de películas macabras. Siendo entonces un importante subgénero del horror, muchas cintas de fantasmas se han realziado a través de los años, sin embargo, si hay una que haya capturado perfectamente la escencia de lo que realmente hace a una historia decasas embrujadas, elevando el subgénero a un nuevo nivel de arte, esa es definitivamente "The Haunting" de Robert Wise.

"The Haunting" (Literalmente "El Embrujo", pero conocida en México como "La mansión de los espíritus") es una historia de una casa, una casa que "nació mala", una vieja mansión llamada "Hill House" debido a las colinas que la rodean. Pero Hill House no es una casa compun, pues por más de un siglo se ha conocido como una de las más sinisestras casas embrujadas con un pasado lleno de muerte y locura. Este infame pasado le ha dió la reputación de estar embrujada. El Dr. Markway, un famoso científico obsesionado con lo sobrenatural, decide llevar a cabo un experimento en Hill House en su deseo de probar que lo sobrenatural existe y que el embrujo es real. Para esto invita a un grupo selecto de gente que él cree capaz de ayudarlo en su misión, pero sólo dos responden el llamado: la clarividente Theo (Claire Bloom) y Eleanor Lance (Juliet Harris), una tímida mujer de pasado misterioso. Luke Sanderson (Russ Tamblyn), el heredero de la casa, se les une escépticamente. Sin embargo, lo que descubrirán en Hill House les cambiará la vida.

Escrita por Nelson Gidding, "The Haunting" es una adaptación de la novela de Shirley Jackson "The Haunting of Hill House" (1959), probablemente la más famosa novela de fantasmas de los tiempos modernos. A pesar de algunos cambios en los personajes, la trama es relativamente fiel a la novela, sin embargo, Gidding ha removido el ligero toque de comedia de la novela y se enfoca claramente en el horror psicológico de la historia. Esto es mejor ejemplificado en la forma en que el guión maneja a Eleanor, quien podría llamarse "la protagonista" (aunque todos tienen un papel importante). Eleanor es la más vulnerable psicológicamente del grupo, y esto se refleja en la forma en que Hill House reacciona a ella, y en el extraño lazo que se forma entre Eleanor y la casa. De hecho, la casa misma funciona como un personaje, como una prescencia que rodea al grupo, acechante. El guión es bastante efectivo en como desarrolla a su grupo de personajes y sus relaciones, así como en la sutil ambiguedad en que los eventos sobrenaturales se desarrollan.

Esta sutil ambiguedad que impregna el guión es soberbiamente vuelta realidad por el director Robert Wise, quien en un genial ejercicio del poder de la sugestión, logra crear una ominosa y muy poderosa atmósfera de terror usando sólamente efectos de luz y sonido. Con una excelente puesta de cámara y la maravillosa fotografía en blanco y negro de Davis Boulton, Wise permanece fiel al tono del guión y literalmente transforma a Hill House en un personaje completo. Habiendo empezado su carrera en la división de horror de RKO Studios bajo la guía del legendario productor Val Lewton, Wise sabe exactamente como hacer terror atmósferico con recursos mínimos, y en "The Haunting", lleva esto al extremo, regresando a ese estilo sutil, minimalista que explota el drama psicológico de la historia. Casi no existen los efectos especiales, pues Wise crea sus horrores jugando con el miedo más antiguo de todos: el miedo a lo no visto.

Como es de esperarse en una cinta basada en la relaciones entre un grupo de personas, el trabajo del elenco es de enorme importancia, pues aunque al cinta es fuerte en estilo visual para crear atmósfera, mucho del poder del filme esta en el desarrollo de sus personajes. Al frente del elenco está Julie Harris como Eleanor Lace, y ella realmente brinda un trabajo sorprendente (probablemente su mejor) como la tímida mujer. Aunque se ha criticado a su interpretación como excesivamente dramática e irritante, realmente dado su carácter es natural que su personaje se desarrolle de esta manera. De hecho, es así para que contraste con la desinibida Theo, interpretada soberbiamente por la hermosa Claire Bloom, quien le agrega una fuerte sexualidad a su rol. Jugando sutilmente con la ambiguedad de su personaje, Bloom crea un personaje complejo que contrasta muy bien con la frágil Eleanor. Richard Johnson es el Dr. Markway, y es muy efectivo en su personaje, agregando mucho carisma a su personaje. Finalmente Russ Tamblyn es perfecto como el escéptico y arrogante Luke.

Estilizada, elegante, y trememndamente atmosférica, "The Haunting" de Robert Wise es quizás el epítome de el estilo "menos es más" que Wise aprendio al laborar con Val Lewton en RKO. Su uso de elementos puramente audiovisuales para crear a la prescencia sobrenatural que habita la casa agrega un gran elemento de verosimilitud que aún se mantiene a más de 50 años de su estreno. Junto a "The Innocents" (1961), el filme de Robert Wise se mantiene como una película clásica de fantasmas que redefinió el género e hizo el horror creible. Si la cinta tiene algún defecto, es quizas el hecho de que sufre de un ritmo algo lento mientras la historia se desenvuelve; sin embargo, este ritmo es escencial para el desarrollo de los eventos que llevan al gran final. Una maravilla de estilo y técnica, "The Haunting" demuestra el gran talento de Robert Wise como un narrador visual. Con la bizarra arquitectura de la mansion y la estilizada fotografía de Boulton, Wise ha creado una gema pura del cine de horror.

En 1999 se produjo un remake de "The Haunting", que curiosamente siguió el estilo completamente opuesto a la filosofía del filme original: un exceso de complejos efectos visuales. Aunque se hubiera esperado que las técnicas modernas hicieran a los fantasmas de Hill House lucir realistas, solo terminaron por hacerlos lucir falsos. Y de hecho, esta gran dependencia en efectos visuales que caracterizó al remake es sólo prueba de que el enfoque minimalista de Robert Wise es superior. Considerada como una de las mejores cintas de horror jamás hechas, "The Haunting" de Robert Wise llevó la historia de fantasmas a un nuevo nivel, haciendola el epítome del género. 18 años después de haber realizado "The Body Snatcher", Wise creo una segunda obra maestra de horror en "The Haunting", y las historias de fantasmas no volvieron a ser las mismas después de ella.

10/10
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Esta reseña fue originalmente publicada en su versión original en Inglés en Cult Reviews el 1 de Abril del 2012. Cult Reviews es un buen sitio para visitar cuando se busca cine de culto.

19 de abril de 2012

[REC]³ Génesis (2012) @ Habitación 101

Nuevamente agrego una colaboración nueva a la revista digital Habitación 101, interesante página web establecida en la ciudad de Monterrey, Nuevo León, donde se comenta la cultura, las artes y temas similares. En sus páginas hay reseñas, notas, análisis, no sólo sobre cine, sino también de teatro, exposiciones, etcétera y demás. Si estos temas son de su interés, no estaría de más una leída por sus páginas, donde ya se podrán topar con un texto mío realizado acerca de la cinta "Días de Gracia" (2011). En fin, en ésta ocasión mi contribución es sobre la tercera parte de la serie "[Rec]", que lleva por título "[REC]³ Génesis" pero que por alguna extraña razón se tituló en México "[REC]³ El Comienzo". Nunca he entendido la necesidad de retitular cintas Españolas, pues no veo un motivo por el cual se deba cambiar el apropiado "Génesis" por un muy barato "El Comienzo" (ya "Los Cronocrímenes" de Nacho Vigalondo había vivido una situación similar por ejemplo). En fin, este nuevo capítulo de "[Rec]" nos presenta una historia alterna a lo que las anteriores dos cintas habían mostrado, ya que ocurre en un pueblo donde se ha celebrado una boda. Dirigida solamente por Paco Plaza (Balagueró realizará la parte 4), "[REC]³ Génesis" es un gran cambio en trama y estilo, tanto que podría no llamarse "[Rec]" y seguir siendo interesante. Pero mejor echénle un vistazo al texto en Habitación 101, y quizás encuentren ahí más cosas de interés.

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[Rec]² (2009)

El "metraje encontrado" como estilo narrativo se volvió bastante popular tras el estreno de "The Blair Witch Project" en 1999. Este recurso narrativo, que consiste en presentar la película como la evidencia descubierta de una historia, pronto encontró muchos cineastas dispuestos a expermientar con el, a veces con malos resultados, pero a veces con unos memorables. "[Rec]", horror Español dirigido por Jaume Balagueró y Paco Plaza, estrenado en el 2007, pertenece a esta última categoría. Escencialmente un filme de zombies, "[Rec]" narra la historia de una reportera y su camarógrafo que terminan atrapados en un edificio dónde la gente se ha infectado con una virus que los transforma en voraces monstruos caníbales. Narrada desde el punto de vista de la cámara, la cinta logró transladar exitosamente la tensión e intensidad del filme de horror a una narrativa de primera persona. Dado el éxito obtenido, no fue sorpresa que se hablara pronto de una secuela, y así, Balagueró y Plaza volvieron al apartamento para "[Rec]²".

Comenzando justo donde terminó el primer "[Rec]", "[Rec]²" comienza afuera del edificio, donde el Dr. Owen (Jonathan D. Mellor), oficial del Ministerio de Salud, entra al edificio en cuarentena junto con cuatro miembros de un equipo de Operaciones Especiales. Todos ellos tienen cámaras en sus cascos, además de que uno de ellos, Rosso (Pablo Rosso), lleva otra cámara para documentar los hallazgos. En el edificio, Owen y su equipo se enfrentan a los infectados, y Owen decide emplear oraciones para detenerlos, revelándose como un agente del Vaticano enviado para obtener una muestra de sangre del paciente cero, la niña Medeiros. Al mismo tiempo, un hombre (Pep Molina) trata desesperadamente de entrar al edificio. Él es el padre de Jennifer, la niña del primer "[Rec]", y logra convencer a uno de los bomberos (Juli Fàbregas) a que lo ayude a entrar. Tres adolescentes, Tito, Mire y Uri (Pau Poch, Andrea Ros y Alex Batllori) los siguen, sin saber que están entrando a una pesadilla.

En "[Rec]²", a los escritores Balagueró y Plaza se les une Manu Diéz en un esfuerzo por hacer una historia que expanda la mitología iniciada en el primer filme a la par que mueva la trama a una dirección diferente. Para empezar, "[Rec]²" firmement establece la posesión demoníaca como la raíz de la infección, aumentando los toques religioses que el primer filme solo sugería. Este enfoque es muy interesante, pues los escritores desarrollan el teman en un cautivante set de mitos que finalmente le dan a la serie "[Rec]" una identidad propia. También, y dado el hecho de que los protagonistas son miembros de un equipo táctico élite, la acción toma un papel de mayor importancia en la historia. Mientras que la primer "[Rec]" estaba basada en el suspenso de los reporteros descubriendo lo desconocido, "[Rec]²" está ahora basado en si los soldados lograrán salir vivos o no. La forma en que los escritores han encadenado la cinta a la primera es bastante interesante, aunque la adición de los adolescentes como recurso cómico es un terrible error.

Como se mencionó anteriormente, "[Rec]²" lleva a la serie a una historia más orientada a la acción, y en términos de estilo esto se refleja en lo el ritmo frenético que tiene la narrativa. El nuevo recurso es el de usar cámaras en el casco, dando la oportunidad de ver lo que cada miembro del equipo ve. Para fines prácticos, esto permite una perspectiva muy similar a la de los videojuegos de shooter en primera persona, lo cual funciona muy bien en el contexto del nuevo tono que tiene el filme; el cual ha cambiado el suspenso por la acción (manteniendo el mismo nivel de tensión que la original). De hecho, el cambio es comparable a lo que James Cameron hizo en su secuela a "Alien". De nuevo, el cinefotógrafo Pablo Rosso es colocado en medio de la acción, esta vez como miembro del equipo (naturalmente, el que va cargando la cámara grande), y aunque su trabajo es difícil de apreciar (dado el ritmo rápido de su cámara), una vez más ha construido una atmósfera claustrofóbica y sombría en este edificio de departamentos.

Las actuaciónes en el filme son efectivas, aunque nada muy sorprendente. Quizás es porque los personajes no están tan bien desarrollados, o el hecho de que ahora muchos manejan una cámara, pero realmente no hay una interpretación que deje una impresión perdurable. Esto es, solo hasta que Manuela Velasco regresa como Angela Vidal y se roba el show. Como el Dr. Owen, Jonathan D. Mellor es bueno, aunque untanto sobreactuado en su papel de agente del Vaticano dispuesto a todo por completar la misión. Óscar Zafra, como el lider el equipo, tiene una buena prescencia, pero el resto del equipo carecen de una personalidad definida. Pep Molina logra mejor resultado, intepretando al padre de Jennifer, desesperado por salvar a su familia sin saber los horrores que se han desatado adentro del edificio. Los tres adolescentes Andrea Ros, Alex Batllori y Pau Poch son muy pobres en sus actuaciones, y representan quizás el elemento más débil de "[Rec]²".

Aunque en muchas maneras Balagueró y Plaza tienen éxito en su expansión a su hit original, "[Rec]²" también tiene varios defectos que le restan en términos de calidad. Ciertamente, la expansión a los mitos de "[Rec]" que este filme hace es un giro muy inteligente al concepto del zombie, pues los temas religiosos de posesión demoníaca le dan interpretaciones muy interesantes a la cinta. Sin embargo, la inclusión de la subtrama de los tres adolescentes es algo torpe, pues rompe con el tono establecido en el filma, sin mencionar que los personajes están pobremente desarrollados y mal actuados, resultando en una molesta adición a la trama. Verdaderamente un trágicamente fallido intento de comicidad, pues el filme estaría mejor sin ellos. Como se mencionó arriba, los personajes en general no están tan bien desarrollados, algo que comparte con la cinta original, aunque al menos la primer "[Rec]" tenía a la icónica figura de Angela Vidal. Tristemente, "[Rec]²" no tiene tanta suerte en este aspecto.

A pesar de sus problemas, "[Rec]²" es una buena adición a la serie, especialmente debido al hecho de que los directores Balagueró y Plaza han logrado expandir el concepto sin perder esa garra e intensidad que el original tiene. El cambio de suspenso a acción es un buen movimiento, y dado el hecho de que "[Rec]²" es sobre expandir las reglas ya establecidas por el primer film, era quizás el desarrollo lógico del concepto de primera persona. Claro, el filme es inferior al original, pero aun así es una poderosamente cautivadora experiencia que continúa la trama y devela más información sobre el virus. Con una atmósfera claustrofóbica y una acción rápida, "[Rec]²" es una digna entrega de horror Español.

7/10
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17 de abril de 2012

[Rec] (2007)

La segunda mitad de la década de los 1990s trajo a una nueva generación de cineastas Españoles que parecían decididos a redefinir la cara del horror Español. "El Día de la Bestia" (1995, de Alex de la Iglesia) y "Tesis" (1996, de Alejandro Amenábar) hicieron brecha para nuevos filmes que tenían un estilo distintivo y una identidad muy Española. Los debuts de Jaume Balagueró ("Los Sin Nombre") y Paco Plaza ("El Segundo Nombre") podrían ser contados en esta Nueva Ola del Horror Español, y desde el inicio parecía ya claro que estos dos directores tenían cosas en común (para empezar, sus debuts están ambos basados en historias de Ramsey Campbell). Los dos colaborarían en "OT: La película", documental sobre el show "Operación Triunfo", y de aquel proyecto surgiría entre ambos una nueva mancuerna. Dado este trasforndo, no es tan sorprendente que su subsecuente colaboración fuera una mezcla de los géneros de horror y documental: una cinta de "metraje encontrado" titulada simplemente "[Rec]".

"[Rec]" consiste de la grabación hecha por la reportera Ángela Vidal (Manuela Velasco) y su camarógrafo Pablo (Pablo Rosso), pues ambos terminan en medio de una pesadilla. Todo comienza cuando Ángela y Pablo visitan una estación de bomberos en Barcelona, donde hacen un reportaje sobre el turno nocturno. De pronto, la unidad recibe una llamada de emergencia de un viejo edificio de apartamentos y entran en acción llevándose a los dos reporteros con ellos. Al llegar encuentran el lugar rodeado por la policía, y adentro, a un grupo de residentes reunidos en el lobby, mientras que gritos se escuchan arriba. Los bomberos Manu (Ferran Terraza) y Alex (David Vert) se unen a dos policías (Vicente Gil y Jorge-Yamam Serrano) y suben las escaleras, seguidos por Ángela y Pablo; y l oque encuentran es a una agresiva anciana (Martha Carbonell). La anciana muerde a uno de los policías y termina asesinada por su compañero. Al volver abajo, descubren que el edificio está sellado, y que los han dejado adentro. Y no están solos.

Escrita por Balagueró, Plaza y Luiso Berdejo, "[Rec]" es con todas las de la ley un filme moderno de zombies. Es decir, los muertos que se levantan son feroces y rápidos. El giro inteligente no esta pues en la trama, sino en la ejecución de la misma, pues la película está totalmente contada desde el punto de vista de la cámara. Ahora, lo que separa a "[Rec]" de la mayoría de cintas de "metraje encontrado", es la forma en que este recurso narrativo es inteligentemente puesto en práctica en el filme, incluido y justificado en la historia. Ciertamente, en el fondo la historia sigue la fórmula clásica del filme de zombies, pero la nueva perspectiva dada por la cámara le da frescura y la llena de suspenso. También, la forma en que la trama justifica se uso le da mayor verosimilitud que muchos filmes del mismo tipo, pues teniendo a dos reporteros ambiciosos por personajes principales, ayuda realmente a explicar la mentalidad voyerista que los hace seguir filmando. Quizás "[Rec]" pueda ser acusada de ser pobre en desarrollo de personajes, pero es un caso ejemplar de un filme basado enteramente en el estilo sobre la sustancia.

Pues "[Rec]" es en sí todo sobre el estilo, con los directores Balagueró y Plaza llevando al límite el género del "metraje encontrado" haciendo un filme de horror que realmente evoca la sensación de presenciar una verdadera catástrofe. La intensidad, la adrenalina, la desesperanza, todo está ahí para dar la sensación de estar en una zona de guerra, y funciona. Pieza clave de esto es sin duda el gran trabajo del cinefotógrafo Pablo Rossi, quien interpreta al camarógrafo a la par de estar realmente grabando la película. Es quizás este detalle, aparentemente insignificante, el que agrega esa verosimilitud que "[Rec]" tiene y que otros filmes similares carecen: el cinefotógrafo no está fuera de la acción, sino que es participe, reaccionando y controlando la cámara, llevándo a la audiencia al oscuro departamento donde antiguos secretos son ocultos. Aunque simple en términos de historia, "[Rec]" es un interesante ejercicio de estilo, un intento en traer el horror a un punto de vista de primera persona, y un experimento en hacer del filme de horror una experiencia.

Otro punto clave para el éxito de "[Rec]" es la altamente energético interpretación de Manuela Velasco como la reportera Ángela Vidal, quien lleva el filme con fuerza y un carisma natural que le permiten crear un personaje que, aunque no siendo xactamente el más agradable (Ángela es por lo menos, inescrupulosa), logra hacerla muy interesante. Aunque su personaje quizás sea simple, Velasco crea una identidad bien definida para su rol, y logra transmitir la sensación del peligro que su personaje viven en esa caótica noche en el apartamento. El resto del elenco es en general tan efectivo como Velasco, a pesar del hecho de que interpretan los clásicos arquetipos de los filmes de horror. Ferran Terraza es bastante bueno como el bombero Manu, quien se vuelve el lider por defecto una vez que el edificio es puesto en cuarentena. Sin embargo, la mejor de entre el elenco de soporte es Maria Lanau, quien interpreta a la histérica madre de Jennifer, una niña enferma de lo que su madre asegura es amigdalitis.

Como se mencionó anteriormente, "[Rec]" es un filme en que la ejecución es la clave. Aunque la trama no suena como el filme de horror más original jamás escrito (más de una vez cae en clichés del género), su magia y poder radican en la forma en que Balagueró y Plaza cuentan la historia. Aunque filmes de zombies en primera persona no son nuevos ("The Zombie Diaries" del 2006 es un ejemplo anterior), "[Rec]" es quizás el primero que logra el nivel de verosimilitud y realismo que las películas de metraje encontrado intentan evocar. Lo que "[Rec]" carece de desarrollo de personajes, lo compensa con ese golpe de adrenalina que tiene su narrativa, la cual es intensa, energética y vibrante; realmente transmitiendo el horror de estar en medio de un apocalipsis zombie. En vez de canalizar la saga zombie de Romero, lo que "[Rec]" evoca es más bien un verdadero documental de desastres naturales, lo que para un "mockumental" que busca el realismo, es un logro considerable.

En "[Rec]" los directores Jaume Balagueró y Paco Plaza han logrado realizar un filme de "metraje encontrado" que logra contar su historia con un sobrecogedor realismo y una inquietante atmósfera. Estos dos cineastas han entendido las posibilidades de la narrativa en primera persona y han logrado transladar la intensidad del moderno género de zombies a este recurso narrativo con gran poder. Gracias a las estupendas actuaciones y al increible trabajo de Pablo Rossi, la ilusión de realismo se consigue a pesar de la fantástica premisa del filme, y ultimadamente, "[Rec]" se convierte en una vorágine de horror que nunca pierde su ritmo de alta velocidad sino hasta el final. En este sentido, más que un filme de horror, "[Rec]" es una experiencia.

8/10
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16 de abril de 2012

La plus longue nuit du diable (1971)

De acuerdo al folclore, existen demonios femeninos que se aparecen en sueños, tomando la forma de una mujer con el fin de seducir hombres y tener relaciones sexuales. Eran llamados succubi, en singular succubus (la contraparte masculina es incubus), y supuestamente sus visitas representaban no sólo el riesgo de perder el alma, sino también un rápido deterioro de la salud física que podía llevar a la muerte. Con esta mezcla de maldad, peligro y sexualidad, era natural que el mito del succubus entrara a la ficción, y puede ser encontrados en diversos autores desde Honoré de Balzac hasta Orson Scott Card. En el cine, los succubi entraron naturalmente al género de horror, y uno de los filmes que exploran este concepto es la co-producción Italo-Belga de 1971, "La plus longue nuit du diable", conocida en Español como "La Terrorífica Noche del Demonio (nombre derivado del título en Italiano, "La terrificante notte del demonio"), aunque la traducción literal sería "La Noche más larga del Diablo".

Conocida en Inglés como "The Devil's Nightmare o "Vampire Playgirls", el filme cuenta la historia de seis turistas que viajan por la campiña Belga en un autobus conducido por el Sr. Ducha (Christian Maillet). En el viaje, el grupo encuentra un camino bloqueado, que los forzará a pasar la noche en los alrededores. Para su fortuna, un campesino (Daniel Emilfork) les habla del Castillo Von Rhoneberg, donde el Barón seguramente les dejará pasar la noche. El grupo llega al castillo y son recibidos por el Baron Von Rhoneberg (Jean Servais). El grupo de viajeros está compuesto por el joven seminarista Alvin Sorel (Jacques Monseau), el viejo Sr. Mason (Lucien Raimbourg), el matrimonio de Howard y Nancy Foster (Lorenzo Terzon y Colette Emmanuelle), y dos amigas, Corinne (Ivana Novak) y Regine (Shirley Corrigan). Un octavo huésped llega al castillo, Lisa Müller (Erika Blanc), una joven y hermosa mujer buscando refugio. Sin embargo, su precencia traerá consigo extraños eventos relacionados con la maldición Von Rhoneberg.

El productor Pierre-Claude Garnier junto al escritor Patrice Rohmm, realizaron el guión para "La plus longue nuit du diable" con la idea central de que cada uno de los huéspedes representara a uno de los siete pecados capitales. La succubus comienza a asesinar a los turistas usando sus vicios para atraerlos y hacerlos morir en pecado mortal, de forma que el Diablo pueda quedarse con sus almas. Una premisa algo original, que da pie a varias situaciones interesantes, pues aunque los personajes son meros arquetipos de su respectivo pecado, Garnier y Rohmm logran construir un bien definidio grupo de personajes. Particularmnete interesante es la relación que se forma entre el seminarista ay Lisa, pues el joven comienza una lucha entre sus creencias y sus deseos, Desafortunadamente, no hay gran cosa además del concepto de siete pecados, pues el tema de la maldición Von Rhoneberg es escasamente explorado, y también está la extraña inclusión de una subtrama sobre una reportera asesinada que no va a ninguna parte.

Sin embargo, si la trama es un tanto simple, el director Jean Brismée lo compensa, haciendo de "La plus longue nuit du diable" una muy atmosférico filme Gótico con un abelleza surreal. Dos elementos sobresalen en la cinta: el brillante trabajo de cinefotografía realizado por André Goeffers y la etérea, sobrecogedora música compuesta por Alessandro Alessandroni. Haciendo gran uso del ojo de Goeffers, el director Brismée conjura una atmósfera pesadillezca que le da al filme un tono surreal. La dosis de erotismo que agrega al filme es muy apropiada para el tono de la historia, sin quitarle la atención al horror en el filme. De hecho, "La plus longue nuit du diable" perfectamente conjuga esa mezcla de mal perverso y sensualidad que el muto del succubi evoca. La música de Alessandroni es quizas el punto más alto del filme, pues Alessandroni crea un trabajo de una sombría belleza que perturba, sensación que es aumentada por el trabajo vocal de su hermana Giulia.

La actuación es un tanto dispar, pues aunque hay buenas interpretaciones, otras son demasiado simplistas o mediocres. Como Alvin Sorel, Jacques Monseau es apropiado en su retrato de un dudoso joven sacerdote, dividido entre la dignidad qu ebusca representar y sus deseos carnales. La hermosa Erika Blanc (de "Operazione paura") es Lisa, la misteriosa joven que resulta ser un heraldo del diablo, un succubus. Como Lisa, Erika muestra un enorme talento para ser seductora y elegante, en ocasiones transmitiendo más con un simple gesto facial que con los diálogos. Sin embargo, esta gran expresividad está en su mejor momento cuando la personalidad del succubi aparece, pues Erika Blanc logra transformar su imagen de una gran belleza a una horripilante representación de la Muerte. Ciertamente la decisión de usar un maquillaje sutil ayuda al efecto, pero es la actuación de Blanc la que realmente logra el resultado. El resto del elenco es menos interesante, con la excepción de Daniel Emilfork, espeluznante como el Diablo mismo.

"La plus longue nuit du diable" es un filme de extremos, teniendo elementos de gran calidad, a la vez que es particularmente débil en otros aspectos. Quizás lo que más hiere al filme es el gran problema de tantas películas: un guión pobremente desarrollado. Ciertamente, el tema de los siete pecados es notable en la forma en que es explorado, y el filme realmente mejora cuando los turistas comienzan a enfrentar sus destinos. Sin embargo, esto ocurre un poco tarde en el filme, pues la primera parte de la cinta no sólo incluye a los turistas, sino la extraña subtrama de la reportera. Esta es quizás el elemento más inútil del filme, pues no sirve a propósito alguno más que para hacer mención de la maldición Von Rohneberg. De cualquier forma, es un testamento del talento de Jean Brismée el cómo logra crear un filme tan atmosférico a partir de un guión tan débil. La falta de presupuesto es particularmente obvia, pues a pesar de contar con buenas locaciones, los efectos lucen muy baratos y afectan mucho la experiencia.

Sin embargo, y a pesar de sus muchos problemas, "La plus longue nuit du diable" es una subestimada gema del horror Europeo que merece sin duda ser mejor recordada. Este clásico perdido del Eurohorror, fue el último filme que Jean Brismée realizo antes de retirarse (pues se volvió maestro en el Institut national supérieur des arts du spectacle et des techniques de diffusion en Bélgica), y muestra además una de las mejores actuaciones de la hermosa Erika Blanc. Ciertamente no es una cinta que haya envejecido bien, pero de entre los muchos filmes de horror de los 70s, la visión de Brismée del mito del succubus es un admirable trabajo de gran belleza. Realmente esta cinta hace honor a su título en Inglés de "Devil's Nightmare", pues su narrativa sigue precisamente la lógica de una muy disfrutable pesadilla de horror.

7/10
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14 de abril de 2012

Días de Gracia (2011) @ Habitación 101

He sido invitado a colaborar en la revista digital Habitación 101, el cual es un medio dedicado a promover la cultura y las artes, principalmente establecido en la ciudad de Monterrey, Nuevo León. Los textos, escritos principalmente por Jorge Guerra e Hidalgo Neira y su nutrido grupo de colaboradores, son buena lectura, así que no estaría mal se dieran una vuelta por aquellos lares. De ahora en adelante, ocasionalmente se toparán con algún texto mío, este primero es referente a la cinta "Días de Gracia" (2011), ambiciosa ópera prima de Everardo Gout donde se contó con la participación de un gran equipo de post-producción de origen Francés. Narra tres historias que tienen dos cosas en común: la primera es el hecho de que hablan de la criminalidad de la ciudad de México, y la segunda es que ocurren durante los días de un Mundial de futbol (2002, 2006 y 2010), esos días de gracia en que la atención se vuelca al deporte y tanto el crimen organizado como las fuerzas de la ley viven una aparente menor activad. Para que decir más, echénle un vistazo al texto en Habitación 101 y de paso revisen el trabajo que Guerra, Neira et al andan realizando. Seguramente habrá algo de su interés.

13 de abril de 2012

The Bloody Olive (1997)

Film noir, Francés para "cine negro", describe a un muy particular tipo de dramas sobre el crímen que se originó en los 40s y tuvo muy distintivas características. Para empezar, temáticamente estaba ligado a las novela policial, la novela negra, que se había generado durante la Gran Depresión, esto resultaba en historias con mayor cinísmo y un gusto por temas mórbidos. Sin embargo, quizás lo mas distintivo era la iluminación y su fotografía, la cual jugaba con sombras duras en el estilo del Expresionismo Alemán. Esta estilizada fotografía, resultado de trabajar con bajo presupuesto, se volvió el estándard de los films noir, y aunque el periodo clásico del género terminó en los 50s, su estilo visual ha inspirado incontables homenajes y tributos desde entonces. Ciertamente inspiró a un joven cineasta Belga, Vincent Bal, quien uso el distintivo estilo visual del film noir para hacer un cortometraje cómico tras terminar la escuela de cine. El título? "The Bloody Olive" (así, en inglés).

En apenas 10 minutos, "The Bloody Olive" comienza con una pareja casada, Werner y Mylène (Frank Focketijn y Veerle van Overloop respectivamente) preparándose para la Navidad. La pareja termina de adornar el árbol y se encuentra preparando todo para la cena, cuando de pronto, el timbre suena. El visitante es Sam (Gene Bervoets), socio de Werner y buen amigo de la pareja, quien llega con una botella de vino para la cena. Sin embargo, Sam no se ve muy amigable, y termina acusando a Werner de robarle a la compañía. Sam asegura tener pruebas, así que Werner decide dispararle a su socio en frente de una aterrorizada Mylène. Werner le explica que no había otra salida, y que podrán explicar la muerte de Sam como legítima defensa propia. Pero las cosas nunca son fáciles, especialmente en el film noir, y para sorpresa de todos, Sam se levanta sin estar todavía muerto. Esto será el comienzo de una serie de traiciones entre todos que prueban que en el cine negro, nada es lo que parece.

"The Bloody Olive" tiene su origen en la novela gráfica de 1994, "Imbroglio", del caricaturista Francés Lewis Trondheim; sin embargo, el director Vincent Val ha toma la trama del comic adaptándola a un estilo aún más film noir (la novela, aunque también una parodia del noir, tiene mucho menor énfasis en esto, además de que en el estilo clásico de Trondheim, los personajes son animales antropomórficos), y todo sin perder el gran humor negro del comic. Ciertamente, se podría decir que "The Bloody Olive" es sólo un corto de un chiste (quizás el gran problema de muchos cortos), y se tendría razón. Pero afortunadamente, el director Vincent Bal desarrolla este chiste con gran habilidad, y de hecho logra una transición fácil de serio drama de crímen a la comedia negra del absurdo que es lo que "The Bloody Olive" realmente es. La historia se desarrola con un buen ritmo, comenzan lento en estilo melodrama clásico para ir aumentando vertiginosamente a medida de que se van revelando los secretos

Pero es realmente en la forma en que Vincent Bal y su equipo replican el marcado estilo visual del film noir donde está la magia de "The Bloody Olive". Como se mencionó anteriormente, el filme es fiel a su fuenta, sin embargo, la decisión de Bal de replicar la estética del noir es más que apropiada pues logra transformar lo que originalmente era una divertida parodia ("Imbroglio) en un verdadero tributo al género del cine negro. E instrumental para esto es el trabajo de tanto el fotógrafo Philippe Van Volsem y el Director de Arte Gert Stas, quienes hacen un gran logro al dar vida a la sombría visión del director Vincent Bal. Desde la iluminación en clave baja (usando sombras duras) a la sombría atmósfera, "The Bloody Olive" es perfecta en su replicación del estilo del film noir; y de hecho esta fidelidad finalmente sirve a efecto cómico, pues el contraste entre lo absurdo de la historia con la cuidadosa replica del serio estilo noir resulta en un irónico homenaje a los más mórbidos excesos del noir.

Las actuaciones en "The Bloody Olive" son particularmente buenas, con cada miembro del elenco haciendo su mejor interpretación del tono melodramático y el diálogo rápido tan usual de los actores de los 40s. La actriz Veerle Van Overloop (del filme de 1995 "Antonia") interpreta a Mylène, la esposa de Werner que resulta ser más peligrosa que cualquier arma. Van Overloop brilla en su rol, pasando entre los dos íconos femeninos del noir: la esposa amable y la femme fatal. Con carisma natural y una fuerte presencia escénica, termina dando la mejor actuación del corto. Frank Focketijn es su esposo Werner, dando un trabajo efectivo como el astuto y carismático Werner. Focketijn se permite sobreactuar en ocasiones, pero nunca se siente fuera de lugar y demuestra una gran habilidad en la comedia. Finalmente, Gene Bervoets es Sam, y aunque es un tanto inferior a sus compañeros, el trabajo de Bervoets no es realmente malo, e incluso canaliza perfectamente el arquetipo del tipo rudo, tan típico del cine negro.

Inteligente en su desarrollo y brillante en su ejecución, este pequeño tributo al cine negro es una entretenida obra. Al hacer una adaptación de un comic popular, el director Vincent Bal ha ido más allá y brinda una muy disfrutable cinta que no sólo es realmente fiel a su fuente, sino que construye su propia identidad a partir de ella y crea un cálido tributo al género clásico. Ciertamente, el diseño visual es el elemento más fuerte del filme, pero también es admirable la forma en que Bal adaptó el comic acorde a sus necesidades. La reconstrucción del periodo es excelente para un filme de bajo presupuesto, y se siente realmente como un film noir del periodo clásico. Claro, esto no significa que no tenga problemas, pues también tiene sus defectos; el principal siendo el hecho de que al final, sigue siendo un corto de una sola broma. Es por esto que el director Vincent Bal se ha enfocado en la hechura para hacerlo una experiencia disfrutable. Sí, "The Bloody Olive" es totalmente estilo sobre sustancia, pero heacho muy bien.

Gran parte del encanto de "The BLoody Olive" viene no del estar familiarizado con la historia, sino de estar familiarizado con las convenciones clásicas del cine negro, pues todos los elementos básicos de aquellos dramas del crimen pueden encontrarse en alguna exagerada forma en "The Bloody Olive". Esta cinta de Vincent Val es quizás un ejemplo de como una adaptación puede ser inventiva con su fuente: aunque la novela gráfica de Lewis Trondheim es divertida por si misma, la cinta de Bal no trata replicarla al pie de la letra, solamente la usa como base para una ligeramente más ambiciosa comedia. En "The Bloody Olive", el director Vincent Bal prueba que con talento e imaginación, una cinta inolvidable puede hacerse en cortometraje.

8/10
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12 de abril de 2012

El Tunco Maclovio (1970)

A finales de los 60s, una nueva generación de cineastas Italianos tomó al más Américano de los géneros, el Western, y le dió nueva vida en una época en que se volvía anacrónico. Con bajo presupuesto pero mucha imaginación, directores como Sergio Leone y Sergio Corbucci viajaron a España y revolucionaron el género, creando una estilizada y fresca vision del Western y sus elementos. Con su poderoso look visual, violencia cruda y un gusto por tener antihéroes como protagonistas, los "Spaghetti Westerns" ganaron adeptos mundialmente a pesar de la reacción negativa de la crítica mundial. La influencia de los Westerns a la Italiana comenzó a sentirse ya en los 70s, cuando Westerns similares comenzarón a producirse en otras latitudes. En México, el director Alberto Mariscal fue profundamente influenciado por el Spaghetti Western, y en 1969 realizó "Todo por Nada", un clásico del género que inició la carrera de los íconos Fernando y Mario Almada. Su siguiente filme fue "El Tunco Maclovio", la trágica historia de un pistolero mítico.

Maclovio Castro (Julio Alemán) es un famoso pistolero apodado "El Tunco" debido a la pérdida de su mano izquierda, la cual cortó el mismo en un traumático evento de su pasado. La misteriosa Sra. Montaño, una rica y poderosa mujer que no deja ser vista, contrata al Tunco para matar a Julián (Juan Miranda), un joven y terco vaquero enamirado de la hija de la Sra. Montaño, Sara (Barbara Angely). Tunco, quien hasta ese momento había vivido en soledad en el desierto, acepta y comienza el viaje al pueblo de Montaño, sin saber que un hombre misterioso llamado Juan Mariscal (Mario Almada) lo viene siguiendo. Casi por accidente, Tunco encuentra a Julián en las montañas, resultando en la muerte de Julián. Ignorando la identidad del hombre que acaba de matar, el sombrío Tunco continua su camino y conoce a Sara, enamorándose de ella al encontrar un renovado deseo por vivir. Sin embargo, las cosas no serán fáciles para el Tunco Maclovio, pues sin saberlo ha matado al hombre que Sara amaba, sin mencionar que Juan Mariscal lo sigue muy cerca.

"El Tunco Maclovio" es la creación de José Delfos, guionista que a finales de los sesentas y comienzo de los setentas tuvo una breve carrera escribiendo Westerns, especialmente sobre pistoleros solitarios como el Tunco. Más un estudio de personaje que una historia de acción, "El Tunco Maclovio" relata el viaje del Tunco, en el que encuentra gente que le ayudará a cambiar su sombría visión de la vida. De gran interes son las relaciones que establece con el resto de los personajes, especialmente el lazo que forma con un huérfano llamado Marcel (Julián Bravo), su amor por Sara Montaño y la complicada conexión que tiene con Juan Mariscal. Sin embargo, aunque la historia trata mucho del Tunco reflexionando durante su viaje, no carece de acción, pues el guión tiene su buena dosis de suspenso y acción de pistoleros. Gracias a sus interesantes y bien desarrollados personajes, "El Tunco Maclovio" logra encontrar un equilibrio entre la acción pura y las meditaciones más profundas.

Mostrando la gran influencia que los Spaghetti Westerns tuvieron en él, el director Alberto Mariscal da vida a la historia de Delfos con un estilo muy parecido al de los Italianos. El fotógrafo Rosalío Solano le da a la cinta un estilo crudo y sucio que aumentan el clima árido que domina a la cinta, pues aún cuando el Tunco ha dejado el desierto, el trabajo de Solano mantiene la atmósfera de calor sofocante que le da a la historia una sensación de desolación inminente, muy apropiada para la vida del Tunco. Enfocándose en Tunco a través de su viaje, Mariscal hace de "El Tunco Maclovio" una historia más personal que épica, con un ritmo lento y cadencioso, meditativo e incluso melancólico. Sin embargo, tambien es dueño de una cierta cantidad de violencia que, aunque no exactamente gráfica, si es apropiada para el estilo crudo de la fotografía de Solano. La música de Ernesto Cortázar, también influenciada por la de los Spaghetti Westerns, da el toque final a la iconografía del legendario pistolero.

Las interpretaciones del elenco varían en calidad ,pero afortunadamente, quienes están en los roles principales son en general bastante efectivos en su trabajo. Como el Tunco, Julio Alemán es bastante bueno, confiando en su presencia escénica para dar vida al temido pistolero. Tunco es un personaje complejo, siendo no sólo un asesino despiadad, sino tambien alguién con un gran peso en sus hombros, y Alemán logra ser creíble en ambos aspectos. Sin embargo, es Mario Almada quien se roba la escena como el misterioso Juan Mariscal. Aunque en tiempos recientes se ha vuelto ícono del cine de acción más barato, en "El Tunco Maclovio" se demuestra realmente cuan talentoso Almada realmente es. Julián Bravo, otrora estrella infantil de los sesentas, intenta un personaje más maduro al interpretar a Marcelo Pavón, el huérfano que se hace amigo del Tunco. Bravo sorprende dando una buena interpretación, anque no logró algo igual en su carrera posterior. El resto del elenco varía de mediocre a malo, con Barbara Angely tristemente perteneciendo a esta última categoría.

Como la anterior cinta de Mariscal, "Todo por nada", "El Tunco Maclovio" es quizás el mejor ejemplo de los Westerns a la Italiana realizados en México, mezclando la iconografía mítica del Spaghetti Western con un muy Méxicano sabor exótico (y aún más erótico) a novela pulp. Violenta, cruda y salvaje, "El Tunco Maclovio" logra mantener el interés de la audiencia a pesar de tener un guión que tiene un poco a lo monotono. El problema esque, cuando el enfoque va a las meditaciones filosóficas del Tunco, la cinta cae en un ritmo demasiado lento y tedioso, que llega a cansar un poco. El esfuerzo de Delfos y Mariscal en hacer del Tunco un sombrío filósofo nihilista es admirable, y hasta cierto punto exitoso (pues da más dimensiones al personaje); pero la ejecución es un poco problemática y en ocaciones es más un bache que rompe el ritmo en que se desarrolla el filme. Pero bueno, a pesar de sus problemas, "El Tunco Maclovio" es un filme cautivante, lleno de personajes inovlidables y una atmósfera de leyenda difícil de resistir.

Como el Blondie de Leone o el Django de Corbucci, el Tunco Maclovio de Mariscal es una digna adición al panteón de legendarios pistoleros del estilo Spaghetti Western. Un consumado fan del género, Alberto Mariscal continuaría con sus también llamados "Chili-Westerns" durante la siguiente década; y aunque ninguna de sus subsequentes cintas igualaría a "Todo por nada" y a "El Tunco Maclovio", su trabajo es ciertamente de gran interés pues exploró un género con, si bien quizás no originalidad, sí con gran imaginación. "El Tunco Maclovio" tal vez no sea el mejor Western Mexicano ("Los Hermanos del Hierro" o incluso la misma "Todo Por Nada" son más merecedoras del título), pero es ciertamente uno de los más atractivos. Prueba real de que el Spaghetti Western también tenía buen sabor con chile.

7/10
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3 de abril de 2012

The Innocents (1961)

De entre las múltiples obras de ficción Gótica que surgieron durante el la década de 1880s, la clásica historia de fantasmas, "Otra vuelta de tuerca" es definitivamente una de las intrigantes y fascinantes de todas. Las razones de esto son muchas, pero una de las más importantes ha sido la forma ambigua en que James usa a los fantasmas para explorar la psicología de sus personajes. Esta ambiguedad ha sido causa de múltiples debates sobre la naturaleza de la trama, pues la narrativa de James ha generado diferentes interpretaciones a través de los años. Mitad horror sobrenatural y mitad drama psicológico (sin mencionar el subtexto de sexualidad reprimida que se lee en la novela), la riqueza de "Otra vuelta de tuerca" es vasta, lo que ha permitido también una buena variedad de adaptaciones, cada una mostrando una forma diferente de ver la historia. La cinta de 1961, "The Innocents" es una adaptación que permanece fiel a la visión de James, y logra mantener la seductora ambiguedad de la novela.

En "The Innocents" ("Los Inocentes", aunque títulada en Español como "Posesión Satánica"), Deborah Kerr interpreta a la Señorita Giddens, una joven e inexperta tutora contratada por un hombre rico (Michael Redgrave) para trabajar en su casa de campo y cuidar de sus sobrinos, pues él es no tiene el tiempo (ni el interés) en ser la figura paterna de los huérfanos. Tras su llegada, la Srita. Giddens conoce a la Señora Grose (Megs Jenkins), la ama de llaves, y a Flora (Pamela Franklin), una de los niños que cuidará. Todo parece ir bien hasta que reciben la noticia de que el otro niño, Miles (Martin Stephens) ha sido explusado de la escuela por su mal comportamiento. Tras la llegada de Miles, la Srita. Giddens comienza a experimentar eventos extraños en la casa, escuchando y viendo apariciones que la hacen sospechar que la casa está embrujada. La extraña conducta de los dos niños incrementará sus sospechas de que algo o alguien fuera de este mundo pretende tener el control de los inocentes.

Siguiendo al clásico de Henry James de manera muy fiel, el guión de William Archibald y Truman Capote logra capturar exactamente la misma atmósfera de ambiguedad y paranoia que impregna cada página de la novela clásica. La palabra clave del filme es "ambiguedad" pues de hecho, se pudiera incluso decir que los escritores han tomado esa ambiguedad ya inherente en la trama todavía un paso más allá a la par que juegan con cada elemento que tiene la historia: horror sobrenatural, drama psicológico, y ese sutil pero fuerte toque de voluptuosa sensualidad de la represión sexual Victoriana. La trama tiene mútliples giros a medida que se desarrolla, jugando con cada posible explicación para los extraños eventos que ocurren, pero sin dar muchas pistas sobre la naturaleza exacta de lo que está pasando, cuidando sabiamente el misterio y el suspenso hasta el último momento. Finalmente, el soberbio desarrollo de los personajes es otro elemento que hace de esta cinta uno de los más poderososo cuentos de horror realizados en el cine.

Dos años después de dirigir la internacionalmente aclamada "Room at the Top" ("Un lugar en la cumbre"), el director Jack Clayton muestra su talento para adaptar obras literarias con una gran clase y sin dejar de lado la escencia de la trama. Enfocándose enteramente en la Srita. Giddens y los niños, Clayton permanece fiel al tono ambiguo del guión, creando un horror claustrofóbico basado enteramente en la sugestión, dejando a la imaginación de la audiencia la naturaleza del embrujo y la fuenre de los innombrables horrores que tenen lugar en l amansión. Clayton aumenta la inherente sensualidad de la novela de Henry James con una sutileza elegante que es a la vez perturbadora y fascinante. Y por supuesto, la estrella de esta obra maestra es sin duda el impresionante trabajo de fotografía realizado por el legendario Freddie Francis (años después sería uno de los directores clásicos de Hammer films), quien usando una suntuosa fotografía blanco y negro crea una ominosa atmósfera de perdición que es tan espeluznante como bella.

Aunque la fotografía de Freddie Francis es definitivamente de lo mejor de la cinta, "The Innocents" no sería lo mismo sin las grandes interpretaciones de su elenco. La actuación de Deborah Kerr como la Srita. Giddens es un poderoso Tour de Force dramático en el que ella transmite esa sutil mezcla de ingenuidad y sensualidad reprimida que tiene su personaje, haciendo fácil el tener empatía por esa mujer al borde de un descenso en una espiral de miedo y paranoia. Pero aún en las escenas más dramáticas, Kerr mantuene una contención muy apropiada, que evita la teatralidad y lo vuelve más natural. Como los inocentes del título, Martin Stephens y Pamela Franklin son simplemente perfectos, y es sorprendente la madurez que logran para interpretar sus personajes. Stephens en particular es soberbio en la forma en que puede ir de un niño jugetón a una figura siniestra en una forma espeluznantemente natural. Finalmente, Megs Jenkins como la Señora Grose, hace un excelente trabajo en un rol que fácilmente pudo haber sido una caricatura.

"The Innocents" de Jack Clayton es una cinta de horror que basa su impacto en el poder de la sugestión, en el miedo a lo oculto, a lo desconocido; y para hacer esto emplea una ominosa atmósfera sombría y una trama ambigua. En cierto modo, aunque "The Innocents" es una historia de fantasmas, también funciona como horror psicológico, en el que el personaje de la Srita. Giddens comienza a descubrir una nueva cara de su propia personalidad via el contacto con estos niños, quienes parecen estar poseídos. Y dado que ella es la única que experimenta esto, la paranoia comienza a asolarla, aislada en una mansión enorme sin nadie en quien confiar. La forma sutil y elegante en que Clayton crea esta atmósfera es sobrecogedora. Ciertamente, Clayton sabe que el sugerir es mucho más inquietante que el mostrar, y por esto "The Innocents" esta imbuido de una ambiguedad simplemente espeluznante. La magia de "The Innocents" es que, como la novela de Henry James, permite un gran rango de interpretaciones.

Terrorífica y atmosférica, "The Innocents" es un poderoso despliegue de los mejores talentos que la industria Británica tenía durante la década de los 60s, y un libro de texto sobre el gran poder de la sugestión en el cine. Quizás solámente "The Haunting" de Robert Wise (otra historia de fantasmas que se realizaría dos años después) igualaría el soberbio uso que da esta cinta a la fotografía y al diseño de arte para crear una amtósfera Gótica de horror y desolación. Con su excelente fotografía y el maravilloso trabajo de su elenco, "The Innocents" es simplemente una obra maestra del horror Gótico que fácilemente se encuentra entre las mejores películas, no sólo del género de horror, sino del cine en general. Misteriosa, inquietante y cautivante, "The Innocents" es una verdadera joya.

10/10
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Esta reseña fue originalmente publicada en su versión original en Inglés en Cult Reviews el 3 de Abril del 2012. Cult Reviews es un buen sitio para visitar cuando se busca cine de culto.