La Torre de los Siete Jorobados (1944)

A pesar de ser el lugar de origen del brillante pionero del cine fantástico, Segundo De Chomón (cuyos cortometrajes rivalizan incluso con los de su famoso contemporáneo Georges Méliès en términos de calidad e inventiva), la filmografía española en lo que se refiere a cine de horror es sorprendentemente pobre en los años previos a la década de los 60s, cuando Jesús (mejor conocido como Jess) Franco inaugura el horror español. Esto fue el resultado del difícil clima político que reinaba en el país durante el régimen del dictador Francisco Franco y la fuerte censura gubernamental. De hecho, aunque se realizaron un par de filmes de fantasía antes de 1962, la única película de horror hecha y derecha fue una poco conocida obra titulada "La Torre de los Siete Jorobados", dirigida por Edgar Neville y basada en una popular novela de Emilio Carrere. Sin embargo, a pesar de ser el único ejemplo propiamente dicho de cine de terror de la España de la década de los 40s, este filme es mucho más que una mera curiosidad histórica, es realmente una gema olvidada del género.

Teniendo lugar en el Madrid del siglo 19, "La Torre de los Siete Jorobados" comienza cuando un joven de nombre Basilio (Antonio Casal) decide jugar a la ruleta, con la esperanza de reunir suficiente dinero para invitar a salir a la chica de la que está enamorado. De pronto, un misterioso personaje (Félix de Pomés) aparece de la nada, enfundado en una capa negra y con sombrero de copa del mismo color. El extraño le indica a Basilio exactamente a que número apostar para ganar el juego. Siguiendo sus consejos, Basilio logra ganar una pequeña fortuna, por lo que Basilio se acerca a agradecer al extraño. Al hablar con él, descubre que la misteriosa figura es en realidad el fantasma de Don Robinson de Mantua, un famoso arqueólogo que se había suicidado algunos años atrás. A cambio de la ayudad brindada en la ruleta, Don Robinson le pide a Basilio que proteja a su bella hija Inés (Isabel de Pomés), y le ayude a resolver el crimen de su muerte, pues Don Robinson fue asesinado. Así, Basilio se irá involucrando en un misterio que lo llevará a encontrar la entrada de la Torre de los Siete Jorobados.

Como se menciono anteriormente, "La Torre de los Siete Jorobados" está basada en la novela del mismo nombre escrita por Emilio Carrere (con colaboración de Jesús de Aragón), sin embargo, hay múltiples diferencias entre la novela y la película, particularmente en el tono que los guionistas Edgar Neville y José Santugini le dan a la historia. Mientras que la novela tiene un humor negro más bien sombrío, Neville prefiere darle a su película un tono bastante ligero, mucho más parecida al de las películas de horror y aventura que se producían en Estados Unidos por aquella época (filmes que fueron una gran influencia en Neville) que al de la obra en la que se basa. Esto no es necesariamente una equivocación, pues la película se vuelve una interesante mezcla de misterio, humor y suspenso que se mantiene entretenida precisamente gracias a que el guión afortunadamente evita ser demasiado solemne o simbólico. Aunque se podría argumentar que la trama es derivada del estilo típico del cine de aventuras de Hollywood, "La Torre de los Siete Jorobados" mantiene una cierta atmósfera que la vuelve poco convencional.

Si bien, esto último es gracias a que donde la película realmente destaca en es su ejecución, pues el director Neville da un acertado uso al excelente trabajo de fotografía realizado por Henri Barreyre y Andrés Pérez Cubero. La fotografía, inspirada en el alto contrasto del cine expresionista, le da a la película un belleza sobrenatural. Sin embargo, la más sorprendente virtud de la cinta es su maravilloso diseño de arte, que tiene como centro a una espeluznante Torre de los Siete Jorobados que, como la fotografía, tiene un bello estilo expresionista que pareciera salido de un filme alemán de los años 20s. El contraste entre el expresionismo surreal de la Torre con la atmósfera natural de las calles de Madrid (en escenas filmadas en locación) le da a la película una efectiva y oscura sensación onírica, como si el viaje de Basilio a este mundo subterráneo en el que se esconde la Torre fuera el descenso a una pesadilla. Finalmente, lo que hace realmente funcionar a toda esta mezcla de influencias es el humor que le imprime Neville a la película, que le da a su versión de "La Torre de los Siete Jorobados" una personalidad propia.

El elenco es en su mayoría, bastante efectivo, con Antonio Casal en el papel principal realizando un muy buen trabajo al manejar el lado cómico de su personaje (pues Basilio, aunque noble y bien intencionado, es también un tanto cobarde y particularmente ingenuo), que se vuelve de gran importancia dado el tono que maneja Edgar Neville en la película. Como su contraparte, Inés, la actriz Isabel de Pomés es buena, aunque nada realmente espectacular. Sin embargo, esto puede achacarse al hecho de que su personaje está pobremente desarrollado y es más una estereotípica damisela en apuros, lo cual no brinda muchas oportunidades a De Pomés para hacer más allá de un buen trabajo. Por otro lado, Guillermo Marín es extraordinario como el Doctor Sabatino, realizando una interpretación que bien podría contarse dentro de las mejores en el horror español. Marín logra alcanzar la mezcla perfecta entre amabilidad encantadora y perversa crueldad que hacen a Sabatino un personaje tan interesante. Finalmente, Félix de Pomés es bastante divertido como Don Robinson, a pesar de su limitado tiempo en pantalla.

Ahora bien, aunque "La Torre de los Siete Jorobados" es ciertamente una película excelente y bastante entretenida, está también lejos de ser perfecta. Su principal problema es que en el intento que hace Neville por imitar a los filmes estadounidenses de mayor éxito comercial, no sólo toma sus virtudes sino también sus defectos, principalmente la dependencia de aquellos filmes en los clichés del género. Aunque la película tiene ese maravilloso estilo expresionista y la premisa es ciertamente ingeniosa, la trama se desarrolla de maneras muy convencionales y, aunque entretenida, definitivamente no alcanza el nivel artístico que podría haber tenido. El resultado se siente como si Neville hubiera optado por simplificar demasiado las cosas para el espectador. Esta dependencia en el lugar común y la broma fácil hacen predecible lo que bien pudo haber sido una fascinante historia de misterio y horror. Sin embargo, esto finalmente no es tan grave como podría sonar, y aunque no sin defectos, "La Torre de los Siete Jorobados" se deja disfrutar sin problema.

Por supuesto, esta última crítica bien podría sonar a una exageración, pues "La Torre de los Siete Jorobados" no tiene mayor presunción que ser una historia divertida, y el realizador Edgar Neville cumple esto en su totalidad: la película brinda un buen rato al seguir a Basilio a medida que se adentra en los horrores de la Torre de los Siete Jorobados. Aunque aún faltarían muchos años para que el cine de horror resurgiera en España, "La Torre de los Siete Jorobados" es un humilde pero significativo escalón en la historia del género en el cine español. Por esta sencilla razón, así como por sus ya mencionadas virtudes artísticas, "La Torre de los Siete Jorobados" es más que una mera curiosidad, es realmente el primer clásico de horror realizado en España.

8/10

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La residencia (1969)

Mientras que en muchas otras industrias cinematográficas, el género del horror había sido explorado desde los comienzos del cine, en España su desarrollo había sido casi nulo, pues fuera de algunos experimentos fantásticos del pionero del cine Segundo de Chomón y el largometraje "La torre de los siete jorobados" de Edgar Neville (1944), no había existido una película de terror propiamente dicha hasta la llegada de los años 60s. La razón principal de esto fue la censura que ejercía el gobierno de Francisco Franco, pero a partir de 1962 se vieron cambios en la industria que propiciaron la aparición de cintas de horror. Y las dos personas más importantes para en el naciente género fueron los directores Jesús Franco y Narciso Ibáñez Serrador. Nacido en Uruguay en una familia de actores, Ibáñez Serrador comenzó su carrera en España en el teatro, para pasar a la televisión, a donde llevó su gusto por el horror en la legendaria serie "Historias para no dormir". Tras el enorme éxito de esta teleserie, Ibáñez Serrador estrenó en 1969 su primer largometraje: "La residencia".

Ubicada en la Francia del siglo 19, "La residencia" es la historia de un internado para señoritas dirigido por la estricta Señora Fourneau (Lilli Palmer). A la escuela llega una nueva integrante, Terea (Cristina Galbó), quien pronto descubre los secretos que esconde la fachada de disciplina que tiene escuela. Una de las residentes, Irene (Mary Maude), asistente de confianza de la Sra. Fourneau, toma un interés particular en Teresa, y busca torturarla y humillarla en cada oportunidad. La misma Sra. Fourneau no pierde oportunidad para castigar violentamente a la rebelde Catalina (Pauline Challoner). A la par que esto ocurre, Teresa secretamente se hace amiga de Luis (John Moulder-Brown), el hijo de la Sra. Fourneau, quien vive escondido en la residencia, pues su madre no desea que se relacione con las jóvenes de la residencia. Teresa desea irse, no sólo por las humillaciones que sufre, sino porque varias jovencitas han ido desapareciendo sin dejar rastro en las últimas fechas, por lo que el miedo comienza a hacerse presente entre los muros de la residencia.

Basado en una historia de Juan Tébar, el guion de "La residencia" fue escrito por el mismo Narciso Ibáñez Serrador (bajo el nombre de Luis Peñafiel), quien emplea mezcla diversos elementos clásicos del horror para dar forma a una historia muy innovadora para el horror español. Por un lado, la ambientación en una aislada casona del siglo 19 remite mucho a la ficción gótica tradicional, mientras que la trama de Teresa enfrentándose a los tormentos que le infringe Irene le da a la historia un matiz subversivo de rebelión ante la autoridad. Finalmente, la trama del asesino serial suelto en la mansión, hace a "La residencia" un antecedente interesante el subgénero slasher. Sin embargo, lo más interesante de "La residencia" es sin duda la cantidad de lecturas que la historia puede tener, pues no sólo hay en el guion una velada crítica a los regímenes autoritarios (como el de Francisco Franco), sino que el desarrollo que hace Ibáñez de sus personajes incluye un arriesgado pero elegante toque de lesbianismo en la relación entre Teresa e Irene.

Elegancia es lo que mejor define el estilo que maneja el director Narciso Ibáñez Serrador a lo largo de "La residencia", estilo que da una importancia mayúscula al suspenso y la tensión. Con un excelente trabajo de fotografía de Manuel Berenguer, el director Ibáñez Serrador crea una cinta donde la atmósfera de represión se siente en cada cuadro. Sacando gran provecho a su locación, Ibáñez Serrador establece a sus personajes más como prisioneras que como estudiantes, bajo la estricta dirección de Fournier (y el implacable asedio de Irene). El temor que sienten los personajes ante su opresivo entorno, es retratado por Ibáñez Serrador con excelente detalle, ejemplificado a la perfección en la secuencia de la lección de costura, donde con un brillante uso del montaje, el director logra mostrar la represión sexual existente entre las jovencitas. Como puede apreciarse, es el suspenso más que el horror lo que predomina en el filme, aunque cuando el asesino finalmente ataca, Ibáñez Serrador crea imágenes de gran impacto (e innovadoras para su época).

Con "La residencia", Ibáñez Serrador pretendía llegar a un mercado internacional, por lo que a pesar del elenco multinacional la cinta se dobló al inglés (práctica común en el cine europeo de su época). El doblaje no es tan malo, y aun así se puede apreciar la gran calidad de algunos de los intérpretes. La principal joya de la cinta es la actuación de la actriz alemana Lilli Palmer, quien como la Sra. Fourneau realiza uno de los mejores trabajos de su carrera. Con gran porte y una extraordinaria presencia escénica, Palmer crea un personaje de tal intensidad que realmente deja una impresión aun cuando no está a cuadro. Palmer logra fundir a la opresiva Sra. Fourneau con la ominosa atmósfera de su escuela. Excelente también es la actuación de la británica Mary Maude como Irene, quien realiza una soberbia actuación como la fiel asistente de la Sra. Fourneau, abusando de su posición para torturar a sus condiscípulas. Frente a tan excelentes trabajos, Cristina Galbó es un poco opacada, más sin embargo logra salir adelante con un trabajo efectivo y de buena calidad.

Indudablemente una de las mejores obras de horror español, "La residencia" es un gran ejemplo de horror gótico que muy posiblemente sirvió de inspiración al italiano Dario Argento al realizar su "Suspiria" (cinta también ubicada en una escuela privada). Innovadora, cautivante y llena de suspenso, "La residencia" descansa sobre el gran cuidado que puso el director Narciso Ibáñez Serrador en su realización. Sin embargo, a pesar de sus virtudes, hay algunos detalles que no pueden pasarse por alto. Quizás el más obvio es el abandono total de algunas subtramas interesantes (principalmente una referente a Catalina), que quedan sin resolverse en favor de la trama principal. Esto es probablemente el resultado de un guion donde Ibáñez Serrador intentaba incluir múltiples ideas que al final tuvieron que sacrificarse. Otro detalle es que quizás la identidad del asesino resulta un poco predecible, aunque vale la pena mencionar que esto no disminuye el impacto del final, que se beneficia por un acertado manejo de la cámara y la soberbia actuación de Lilli Palmer.

A pesar de sus defectos, "La residencia" es una obra mayor del horror español, y un ejemplo del gran talento del director Narciso Ibáñez Serrador (talento que volvería a brillar en su clásico de 1976, "¿Quién puede matar a un niño?"). Con su bella fotografía y la espeluznante música de Waldo de los Ríos, "La residencia" es una cinta que, como las mejores historias de horror gótico, emplea sus convenciones para retratar la represión de la sexualidad con una gran sutileza y elegancia. Aunque el filme tuvo una recepción un tanto fría en su estreno (tanto en España como en el extranjero), "La residencia" es un filme mucho más inteligente de lo que pudiera parecer pues, detrás de su trama de asesinatos en serie se esconde una aguda crítica a los regímenes opresivos y sus seguidores. Un olvidado clásico del cine de horror.

9/10
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To Rome with Love (2012) @ Habitación 101

Hay cineastas con una capacidad muy notable para retratar las historias que ocultan las ciudades; para dentrarse en sus callejones, plazas, parques y casas, con el fin de encontrar un poco de lo que las vuelve mágicas. El director norteamericano Woody Allen es uno de ellos, quien nos ha llevado a descubrir desde su propio Manhattan hasta Londres, Barcelona y más recientemente París. Este pintoresco turista ahora viaja a Roma para rodarle una carta de amor no sólo a la Ciudad Eterna, sino a uno de los cineastas que más han influido en su carrera: el legendario Federico Fellini. La cinta, "To Rome with Love", es un compendio de 4 historias diferentes, las cuales tienen como común denominador el que están situadas en la capital de Italia. Así, Allen emplea la Roma de Fellini para explorar nuevamente sus obsesiones con el amor, la muerte, las relaciones de pareja y la fama, en un buen cuarteto de historias de comedia. Lo negativo de "To Rome with Love" es que simplemente no se encuentre al nivel del mejor cine de Allen, el cual es una pesada carga para esta divertida película (pues vaya, no todas las películas pueden ser "Annie Hall"). De esto y más escribo en Habitación 101, donde se ha publicado una reseña más completa al respecto de este nuevo viaje de Woody. Además, el tema de Octubre es referente al reciente remake de "Frankenweenie" de Tim Burton, así que encontrarán artículos sobre este cineasta californiano, su obra y su influencia en el cine animado moderno. Además de por supuesto reseñas de otros estrenos recientes. Los invito nuevamente a visitar Habitación 101.

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The Others (2001)

En 1996, un joven de 24 años llamado Alejandro Amenábar irrumpió en la industria fílmica española con el largometraje "Tesis". La cinta, que narraba una historia de terror sobre videos snuff, ganaría siete premios Goya y se volvería un clásico del horror español que resurgía en ese momento. A "Tesis" le siguió "Abre los ojos" en 1997, película de ciencia ficción que llamaría tanto la atención del actor norteamericano Tom Cruise, que compraría los derechos para producir un remake titulado "Vanilla Sky" en 2001. Como parte del trato, Cruise produciría una cinta a Amenábar, permitiéndole entrar al mercado norteamericano. Amenábar se dio a la tarea de desarrollar el proyecto, y encontró inspiración en un viejo capítulo de la teleserie inglesa "Armchair Theatre" que narraba una historia de fantasmas bajo el título "The Others". Tomando el mismo título para su historia, Amenábar comenzó la producción de una cinta de horror gótico al más puro estilo del clásico realizado por Jack Clayton en 1961, "The Innocents". El resultado sería soberbio.

"The Others" (literalmente "Los Otros") es la historia de Grace Stewart (Nicole Kidman) y sus hijos Anne (Alakina Mann) y Nicholas (James Bentley), quienes viven en una casona en la provincia británica de Jersey, durante la Segunda Guerra Mundial. Anna y Nicholas sufren de una rara enfermedad, xeroderma pigmentosa, la cual los vuelve fotosensibles, razón por la que la casa de los Stewart se encuentra siempre a oscuras. Extraños eventos comienzan a ocurrir en la soledad de la casa, cuando Anne comienza a mencionar que ve a otras personas en la casa, incluyendo a un niño llamado Victor. Coincidentemente, a la casa llegan tres sirvientes, la Sra. Bertha Mills (Fionnula Flanagan), el Sr. Edmund Tuttle (Eric Sykes) y la joven muda Lydia (Elaine Cassidy), quienes buscan trabajo. Grace decide contratarlos y les explica las estrictas reglas de la casa, diseñadas para proteger a sus hijos de la luz. Anne continua hablando de Victor, y pronto Grace comienza a experimentar en carne propia los sucesos inexplicables de los que Anne hablaba. Convencida de que no están solos en la casa, Grace buscará proteger a sus hijos de los otros.

Con un guion escrito por el propio Amenábar, "The Others" es, hasta cierto punto, una historia de fantasma de un estilo bastante tradicional. Firmemente plantada dentro del subgénero de horror gótico, "The Others" cuenta con todos los elementos clave de este tipo de historias, comenzando con la grande y obscura mansión aislada de la sociedad. Sin embargo, algo que diferencia a "The Others" de la mayoría de las historias de fantasmas (resultado de esa marcada influencia de la clásica novela "The Turn of the Screw" de Henry James) es el gran énfasis que Amenábar pone en la psicología de sus personajes. Ciertamente, cosas muy extrañas comienzan a ocurrir en la casona de los Stewart, sin embargo, el peligro más grande pareciera no estar dentro de la casa, sino en la mente de Grace. Sumida en la incertidumbre respecto al destino de su marido (quien se enlistó en la guerra), la mente de Grace comienza a sufrir los estragos de una creciente obsesión con la seguridad de sus hijos, que empeora frente al hecho de que Anne asegura a ver personas extrañas en su propia casa.

El refinado clasicismo de la historia se encuentra reflejado en el estilo que Amenábar emplea para su cinta. Optando por un ritmo lento y calmado, Amenábar da a "The Others" una elegancia y una sutileza en su hechura que remite a "The Innocents" de Jack Clayton (no es coincidencia pues la cinta de Clayton es adaptación de "The Turn of the Screw"). En "The Others", como en los clásicos del horror gótico, la atmósfera se vuelve el elemento más importante y Amenábar se enfoca en desarrollar una sensación constante de paranoia y suspenso dentro de la obscura mansión Stewart. La obscuridad forzosa de la casona, aunada a la soledad y la incertidumbre generan un ambiente de tensión constante que Amenábar transmite a través de los ojos de Grace. Es interesante que Amenábar, en su enfoque psicológico a las historias de fantasmas, más que mostrar directamente lo que ocurre en la casona, lo narra a través de las expresiones de sus personajes, especialmente Grace. Así, los ojos de Grace se vuelven las ventanas a lo que ocurre en lo más profundo de la oscuridad de su mente.

Como se puede apreciar, Grace se va volviendo el centro de "The Others", y al ser esta una cinta donde cuenta tanto la psicología de los personajes, las interpretaciones cobran una importancia mayúscula. Afortunadamente, la actriz australiana Nicole Kidman se muestra a la altura de las circunstancias y realiza uno de los mejores trabajos de su carrera. Ciertamente, por momentos Kidman se muestra un tanto proclive a sobreactuar, sin embargo, en general su actuación como Grace está cargada de una intensidad contenida que transmite con efectividad el frágil estado mental de su personaje. Como la misteriosa Sra. Mills, Fionnula Flanagan brinda un trabajo excelente que sirve de perfecta contraparte del de Kidman, estableciéndose firmemente con una fuerte presencia escénica. Eric Sykes es un poco menos afortunado, aunque su trabajo como el Sr. Tuttle no es para nada malo. La sorpresa del filme son los jóvenes Alakina Mann y James Bentley, quienes realizan un trabajo de gran calidad como los pequeños Stewart, que intentan vivir una infancia normal a pesar de su enfermedad.

Es indudable que mucha de la soberbia atmósfera que Amenábar crea en "The Others" es gracias al excelente trabajo de cinefotografía realizado por el veterano Javier Aguirresarobe. Sacando gran provecho de la oscuridad que reina en la casa Stewart (pues los personajes temen a la luz del sol), Aguirresarobe juega con las sombras y las fuentes de luz para dar una belleza sobrenatural a la cinta de Amenábar. Y sin embargo, la perfección técnica de la cinta nunca opaca a su historia, lo cual es un gran acierto por parte de Amenábar, quien a pesar de jugar con muchas de las convenciones clásicas del género, nunca pierde su enfoque en los personajes. Amenábar realiza una cinta inteligente y honesta que sin muchas pretenciones, ahonda en la psicología de sus personajes sin emplear artificios y manteniéndose fiel al género. Aunque se pudiera acusar al filme de ser un tanto simple (sobretodo al compararse con la anterior cinta de Amenábar, "Abre los ojos"), lo que Amenábar logra en "The Others" es llevar un tradicional estilo de horror a un nivel artístico casi sublime.

Ciertamente, "The Others" llama mucho la atención por el giro final de su historia, en el sentido de que pareciera que la cinta es un mero pretexto para realizar ese giro. Sin embargo, "The Others" es mucho más que un final sorpresivo, pues como las mejores cintas con este tipo de finales ("The Usual Suspects" o "The Sixth Sense" por ejemplo), dicho final más que ser su razón de existir, es sólo la cereza del pastel que corona una historia bastante satisfactoria. Es decir, aun y sabiendo de que va dicho giro, la cinta no pierde un ápice de su fuerza. Y esto es porque Amenábar no basa su juego en ese último movimiento sorpresivo, sino que va construyendo una fascinante y envolvente trama que recoge los mejores elementos del género de horror gótico y lo transforma en una obra de arte. Digna heredera de la cinta de Clayton.

10/10
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Incubo sulla città contaminata (1980)

Sin duda uno de los momentos clave en la historia del horror italiano ocurrió en 1978 con el estreno de "Dawn of the Dead" del norteamericano George A. Romero. Distribuida por Dario Argento con el título de "Zombi", el filme fue un éxito total y las compañías productoras italianas vieron en la épica de zombies de Romero el camino a seguir para la realización de nuevas cintas de horror. Así, al año siguiente se estrenaría la cinta "Zombi 2" de Lucio Fulci, que aunque no tenía nada que ver con la de Romero se le tituló así para capitalizar el éxito. Aplicando la clásica estilización y agresiva violencia del horror italiano, "Zombi 2" tuvo también un gran éxito, por lo que pronto más películas de muertos vivientes comenzaron a aparecer, copiando el modelo establecido por Fulci. El horror italiano cobraba fuerza gracias a los zombies, aunque como ocurrió en su momento con los Spaghetti Western, los clones raramente alcanzaban la calidad del original. "Incubo sulla città contaminata" es un ejemplo clásico de esto, pues se encuentra mucho más cerca de la comedia involuntaria que del horror zombie.

Conocida en México como "La invasión de los zombies atómicos" (aunque la traducción literal es "Pesadilla en la ciudad contaminada"), la película comienza cuando el reporter Dean Miller (Hugo Stiglitz) recibe la tarea de entrevistar al Dr. Otto Hagelberg, científico que diseñó una planta nuclear donde se ha reportado un problema. Miller va al aeropuerto a esperar su llegada, cuando un avión no identificado realiza un aterrizaje forzoso en una de las pistas. Cuando la policía rodea al avión, Miller se acerca a observar los hechos. La puerta se abre, y del avión sale un grupo de zombies mutantes armados con hachas. Una batalla sangrienta comienza entre la policía y los zombies, mientras Miller logra escapar sin ser visto. Desesperado, Miller intenta dar la noticia al mundo, pero todo es silenciado por el General Murchison (Mel Ferrer), quien no permite que la información se conozca. La plaga se esparce, y Miller decide ir por su esposa Anna (Laura Trotter) al hospital donde trabaja, con el fin de poder escapar de la ciudad, que se ha vuelto una verdadera pesadilla de muerte y destrucción.

Escrita por el veterano Piero Regnoli en colaboración con Antonio Cesare corti y el español Luis María Delgado, "Incubo sulla città contaminata" no es técnicamente una cinta de zombies, pues las creaturas que presenta son más bien mutantes radioactivos con un gusto por la carne humana y que conservan aún lucidez necesaria para usar armas y conducir un automóvil. Sin embargo, la historia sigue fielmente el patrón clásico de una cinta de zombie, con los protagonistas tratando de sobrevivir en medio del caos en que se convierte la ciudad al irse esparciendo la plaga y se va descomponiendo la sociedad. La historia maneja varias ideas interesantes, entre las que destacan principalmente su mensaje ecológico, su clara postura antimilitar y el tener zombies con inteligencia y agilidad como los monstruos de la cinta. Lamentablemente, estas ideas se quedan perdidas en un guion plagado de huecos, incoherencias y acciones ilógicas por parte de los personajes, que en más de una vez resultan en absurdas situaciones de gran comedia involuntaria.

La ejecución por parte del director Umberto Lenzi (famoso por su cinta de horror caníbal "Il paese del sesso selvaggio") no ayuda en mucho a resolver este problema, sino al contrario, la pobre manufactura de la cinta vuelve aún más ridículas las situaciones que ocurren en "Incubo sulla città contaminata". Sin embargo, si algo hay que reconocerle a Lenzi en la cinta es que mantiene la acción constante con un ritmo frenético que evita que caiga en el tedio. A pesar de la baja calidad de la producción en general, Lenzi logra un par de escenas bastante efectivas donde se puede apreciar su ojo para la puesta en escena. Estas son el ataque a los bailarines en la televisora, y el ataque al hospital, donde Lenzi logra transmitir la sensación de caos que la historia conlleva. Lamentablemente, Lenzi no logra mantener esa calidad durante la cinta, e "Incubo sulla città contaminata" se ve repleta de problemas técnicos, que van desde un terrible trabajo de maquillaje a una edición bastante dispar, sin mencionar una fotografía algo mediocre (por Hans Burman, quien años después produciría y fotografiaría "Tesis").

Las actuaciones son otro de los grandes problemas en "Incubo sulla città contaminata", pues en general la calidad en este aspecto es bastante pobre. Al frente del elenco se encuentra el actor mexicano Hugo Stiglitz, interpretando al reportero Dean Miller, quien realmente no realiza un trabajo tan malo. Aunque tal vez no tenga el porte clásico de héroe, Stiglitz logra transmitir una intensidad muy adecuada para su desesperado personaje, y es quizás el único actor en toda la película en tomar en serio su papel. Mel Ferrer, bastante lejos ya de su época en "Scaramouche" (1952) interpreta al General Murchison sin mucha inspiración, como si no hubiera tenido realmente un gran interés en el resultado final. Lo mismo se puede decir del actor español Francisco Rabal (protagonista de "Nazarín" y "Viridiana", ambas de Luis Buñuel), quien hace un trabajo muy pobre como el Mayor William Holmes. Sin embargo, si el trabajo de estos actores es regular, el del resto del elenco es totalmente pobre, principalmente el de Laura Trotter, quien pareciera basar su actuación en gritar constantemente.

Como se mencionó anteriormente, "Incubo sulla città contaminata" es una cinta llena de problemas técnicos, lo cual no sería tan terrible si no fuera porque la película padece también de un guion pobremente desarrollado donde las cosas ocurren sin razón aparente e incluso personajes y subtramas son agregadas sin mayor fin más que el poder alargar la historia un poco. Aunque Umberto Lenzi ha demostrado anteriormente ser un director competente, en "Incubo sulla città contaminata" aparentemente no hay nada que pudiera soportar dicho argumento. Sin embargo, algo notable de "Incubo sulla città contaminata" es cuan extrañamente divertida resulta. Aunque quizás haya sido de forma involuntaria, la cinta de Lenzi se mueve rumbo al absurdo, a medida que se desarrolla, y pronto lo ridículo de las escenas se vuelve cómico. A pesar de sus innumerables problemas técnicos, hay en "Incubo sulla città contaminata" un cierto encanto en lo exagerado de lo que ocurre en pantalla que es imposible no pensar que probablemente el equipo se divirtió mucho realizándola.

Con un guión terriblemente malo, actuaciones mediocres y una hechura que deja mucho que desear, no se podría recomendar a "Incubo sulla città contaminata" como un buen ejemplo del cine de horror italiano, pues aún comparándolo con el cine de su época deja mucho que desear. Sin embargo, si algo logra Lezi en "Incubo sulla città contaminata", es el evitar el aburrimiento. A pesar de sus defectos (o quizás un poco debido a ellos), la cinta resulta una divertida experiencia, aunque probablemente no sea del agrado de todo el mundo. La verdad, si se busca verdadero cine de horror de calidad, lo mejor que puede hacerse es ignorar esta cinta y buscar en otro lado; pero si lo que se busca es algo de humor involuntario, "Incubo sulla città contaminata" de Umberto Lenzi podría llegar a ser una buena elección.

4/10
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Colosio: El Asesinato (2012)

23 de Marzo de 1994, el candidato a la presidencia de México por el Partido Revolucionario Institucional, Luis Donaldo Colosio, encabeza un evento de campaña en la colonia Lomas Taurinas en la ciudad de Tijuana. Termina su discurso y baja del templete, avanzando entre la multitud hacia el vehículo en el que se movería a otro evento. Durante su paso, se acerca un hombre con un revolver y le dispara en la cabeza. Momentos después recibiría un segundo disparo en el abdomen y fallecería horas después en el hospital. El asesinato de Colosio marcaría la historia política de México para siempre, pues dejó múltiples dudas sobre quien realmente estaba detrás de la muerte del candidato. Aunque la versión oficial determinó que fue un asesino solitario, la teoría sobre un complot dentro del Partido siempre ha estado en el aire. Y sobre esta teoría se basa la cinta del director Carlos Bolado, quien aborda el magnicidio en Lomas Taurinas en "Colosio: El Asesinato".

Ubicada en 1994, "Colosio: El Asesinato" comienza con la noticia de la muerte del candidato en Lomas Taurinas, la cual es vista en televisión por el agente Andrés Vázquez (José María Yazpik) y su familia. A la par de la investigación oficial, el Presidente encarga una investigación paralela, secreta, que permita identificar a los autores intelectuales del crimen. Es así como Andrés es llamado a participar en la operación, bajo las ordenes del Licenciado (Odiseo Bichir), a quien le reportará el resultado de sus investigaciones. Andrés reune a su equipo y comienzan a investigar a los involucrados en la campala de Colosio (Enoc Leaño), mientras que en Tijuana, el jefe de policía local, Benítez (Dagoberto Gama) también investiga por su cuenta. Sin embargo, el trabajo se complica pues alguien está eliminando a los sospechosos que Andrés y Benítez van identificando. Alguien que no quiere que la verdad detrás del asesinato de Colosio se sepa.

Escrita por Hugo Rodríguez, Miguel Necoechea y el director Carlos Bolado, "Colosio: El Asesinato" se desarrolla como un thriller político donde se sigue por un lado la investigación que llevan Andrés y Benítez al rededor del crímen, y por el otro las tramas ocultas entre los miembros de la política mexicana. Aunque la cinta alcara inicialmente que es un trabajo de ficción, el guión de "Colosio: El Asesinato" incluye personajes claramente basados en personas reales y con ciertas libertades históricas, va armando su complot siguiendo la teoría más popular al respecto, en una forma que remite al "JFK" de Olver Stone. Más allá de la política, es interesante la ágil forma en que Rodríguez, Necoechea y Bolado construyen la trama con el fin de mantener la acción fluyendo sin dejar de lado su aguda crítica contra el Partido Revolucionario Institucional. Claro, hay elementos que no están del todo desarrollados, como el lado romántico de la historia, que se siente fuera de lugar.

La labor de dirección de Carlos Bolado es dinámica y efectiva, moviéndose entre las diferentes líneas narrativas sin problemas apoyándose en una buena labor de montaje y en un hábil manejo del recurso del flashback. En general la narrativa visual de Bolado es bastante apropiada y su mejor logro es el crear una ominosa atmósfera de temor e incertidumbre que se mantiene durante toda la película. Con sumo cuidado, Bolado va construyendo la sensación de paranoia que comienza a rodear a Andrés y a su equipo a medida que avanza su investigación. El trabajo de fotografía realizado por Andrés León Becker es sencillo pero efectivo, generando una atmósfera específica para cada escenario de la investigación, aunque todas, desde la aridez de Tijuana a las frías paredes del Palacio de Gobierno, con el común denominador de evocar la sensación de desolación. Es bueno reconocer la labor de Sandra Cabriada en el diseño de producción, que logra evocar la época con verosimilitud.

Al frente del reparto, José María Yazpik realiza un buen trabajo como el agente Andrés, evocando con facilidad la seguridad y profesionalismo de su personaje. Aunque Yazpik tiene un rango un tanto limitado, en el rol de Andrés encuentra un papel que le permite explotar su talento y presencia escénica. Y aunque la cinta tiene en Yaspik a un protagonista definido, el filme cuenta con una trama que permite a los demás personajes brillar. Afortunadamente, el elenco saca provecho de esto y la cinta presenta excelentes actuaciones de soporte. Esto es particularmente notorio en el caso de Dagoberto Gama, quien brinda un excelente trabajo como el solitario Benítez, y en Daniel Giménez Cacho, soberbio en su papel del Doctor (velado retrato de José María Córdoba Montoya), el maquiavélico asesor del Presidente. La actuación de Giménez Cacho destaca por su intensidad contenida, la cual deja siempre constancia de su presencia aún y cuando no está en pantalla. Sin duda la mejor actuación del filme.

Hay también buenas actuaciones por parte de Tenoch Huerta, Luis Ernesto Franco y Karina Gidi, quienes interpretan a los agentes que forman parte del equipo de Andrés. Sin embargo, lamentablemente hay dos actuaciones que le restan mucha fuerza a la cinta. La primera es la de Odiseo Bichir, quien interpreta a el Licenciado, resulta demasiado teatral en su interpretación y se siente fuera de lugar en el tono de la cinta. Kate del Castillo es la segunda, faltándole presencia en su actuación y dejando a su personaje como una nota al pie. Sin emabrgo, en su caso ciertamente influye el que su personaje sea tan poco desarrollado, limitándose a representar el papel de esposa olvidada por un Andrés absorbido en su trabajo. Este es quizas el problema principal de la cinta, el que por momentos se pierda entre todas las líneas narrativas y deje más de una sin desarrollar mucho. Aunado a esto cae en el gran problema de las cintas de conspiración: su argumento llega a forzar un poco el sentido común.

Sin embargo, es de reconocer que el director Carlos Bolado logra una atmósfera de paranoia tan fuerte que estos detalles no impiden se disfrute la cinta. "Colosio: El Asesinato" quizás no se vuelva un clásico en el género, más sin embargo resulta una bien lograda cinta que se atreve a tocar un tema que el cine comercial Mexicano no había abordado antes (en el cine independiente existe el referente de "Magnicidio. Complot en Lomas Taurinas" del 2002). A pesar de sus problemas, "Colosio: El Asesinato" de Carlos Bolado es un thriller inteligente que más allá de su discurso político, muestra como el asesinato de Colosio es una sombre que aún permanece sobre la política mexicana.

7/10
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Emergo (2011) @ Habitación 101

El joven cineasta español Rodrigo Cortés saltó a la fama en el 2010 con la realización de "Buried", cinta de suspenso que contaba con la participación de Ryan Reynolds en el papel principal. El éxito internacional obtenido con esta cinta permitió a Cortés el desarrollar con mayor libertad su próximo proyecto, el cual trataría de lo paranormal. Titulada "Red Lights", ésta cinta demandó un buen grado de investigación por parte de Cortés, quien se empapó del tema con el fin de realizar una fiel representación del tema de la investigación paranormal. Tanta fue su investigación que el tema le dió a Cortés para dos guiones, "Red Lights" y otro que tituló "Emergo". De éste último guión es del que escribo en un artículo escrito para Habitación 101, donde ya con anterioridad se me ha invitado a colaborar con reseñas. Lo interesante de "Emergo" es que Cortés ha decidido devolver un poco de lo que el destino le ha dado y ha optado por darle la oportunidad a un debutante de producirle "Emergo" como ópera prima. El afortunado fue un joven llamado Carles Torrens, quien tras impresionar a Cortés con sus cortometrajes, recibe la tarea de llevar a "Emergo" a la pantalla grande. Retitulada internacionalmente con el nombre de "Apartamento 143", la película desafortunadamente no obtiene los resultados que se hubieran esperado, y resulta ser un tanto mediocre, aunque sin duda para Torrens la experience debe haber sido muy aleccionadora. Más detalles en mi reseña en Habitación 101, donde además encontrarán información relativa a la cultura y las artes.
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Intruders (2011) @ Habitación 101

En el año 1996, el director Español Juan Carlos Fresnadillo presentó un cortometraje que tituló "Esposados" y lo llevó a estar nominado a un premio de la Academia. Muchos años después (y tras haber realizado para Danny Boyle "28 Weeks Later" en el 2007), Fresnadillo continua su desarrollo en el género de horror con "Intruders". Titulada en México como "Intrusos", esta cinta de manufactura Española toma a un elenco Británico (encabezado por Clive Owen) para desarrollar una trama basada en uno los miedos más antiguos: el miedo a la oscuridad. Al respecto escribí una nueva colaboración para la revista digital Habitación 101, quienes ya me habían invitado conanterioridad a sumar textos respecto a cine (principalmente de horror). Aunque no del todo lograda, "Intruders" presenta a un Fresnadillo más maduro, y con ganas de explorar un horror más sutil. Su paso por el Reino Unido sin duda lo ha nutrido de influencias pero en cierta forma, "Intruders" está más en línea con esa escuela Española de hacer cine de horror que se ha venido gestando desde los 90s (yo personalmente la llamo afectuosamente "Nueva Ola de Horror Español") y que involucra a directores como De la Iglesia, Balagueró, Plaza, Serra y otros cineastas que han venido imprimiendo una estética muy particular de hacer cine. Más basada en la atmósfera y en el humor negro que en el susto barato. En fin, mayores detalles hay en esta reseña, y además los invito a ver que más hay en Habitación 101, sin duda habrá algo de su interés.
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[REC]³ Génesis (2012) @ Habitación 101

Nuevamente agrego una colaboración nueva a la revista digital Habitación 101, interesante página web establecida en la ciudad de Monterrey, Nuevo León, donde se comenta la cultura, las artes y temas similares. En sus páginas hay reseñas, notas, análisis, no sólo sobre cine, sino también de teatro, exposiciones, etcétera y demás. Si estos temas son de su interés, no estaría de más una leída por sus páginas, donde ya se podrán topar con un texto mío realizado acerca de la cinta "Días de Gracia" (2011). En fin, en ésta ocasión mi contribución es sobre la tercera parte de la serie "[Rec]", que lleva por título "[REC]³ Génesis" pero que por alguna extraña razón se tituló en México "[REC]³ El Comienzo". Nunca he entendido la necesidad de retitular cintas Españolas, pues no veo un motivo por el cual se deba cambiar el apropiado "Génesis" por un muy barato "El Comienzo" (ya "Los Cronocrímenes" de Nacho Vigalondo había vivido una situación similar por ejemplo). En fin, este nuevo capítulo de "[Rec]" nos presenta una historia alterna a lo que las anteriores dos cintas habían mostrado, ya que ocurre en un pueblo donde se ha celebrado una boda. Dirigida solamente por Paco Plaza (Balagueró realizará la parte 4), "[REC]³ Génesis" es un gran cambio en trama y estilo, tanto que podría no llamarse "[Rec]" y seguir siendo interesante. Pero mejor echénle un vistazo al texto en Habitación 101, y quizás encuentren ahí más cosas de interés.

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[Rec]² (2009)

El "metraje encontrado" como estilo narrativo se volvió bastante popular tras el estreno de "The Blair Witch Project" en 1999. Este recurso narrativo, que consiste en presentar la película como la evidencia descubierta de una historia, pronto encontró muchos cineastas dispuestos a expermientar con el, a veces con malos resultados, pero a veces con unos memorables. "[Rec]", horror Español dirigido por Jaume Balagueró y Paco Plaza, estrenado en el 2007, pertenece a esta última categoría. Escencialmente un filme de zombies, "[Rec]" narra la historia de una reportera y su camarógrafo que terminan atrapados en un edificio dónde la gente se ha infectado con una virus que los transforma en voraces monstruos caníbales. Narrada desde el punto de vista de la cámara, la cinta logró transladar exitosamente la tensión e intensidad del filme de horror a una narrativa de primera persona. Dado el éxito obtenido, no fue sorpresa que se hablara pronto de una secuela, y así, Balagueró y Plaza volvieron al apartamento para "[Rec]²".

Comenzando justo donde terminó el primer "[Rec]", "[Rec]²" comienza afuera del edificio, donde el Dr. Owen (Jonathan D. Mellor), oficial del Ministerio de Salud, entra al edificio en cuarentena junto con cuatro miembros de un equipo de Operaciones Especiales. Todos ellos tienen cámaras en sus cascos, además de que uno de ellos, Rosso (Pablo Rosso), lleva otra cámara para documentar los hallazgos. En el edificio, Owen y su equipo se enfrentan a los infectados, y Owen decide emplear oraciones para detenerlos, revelándose como un agente del Vaticano enviado para obtener una muestra de sangre del paciente cero, la niña Medeiros. Al mismo tiempo, un hombre (Pep Molina) trata desesperadamente de entrar al edificio. Él es el padre de Jennifer, la niña del primer "[Rec]", y logra convencer a uno de los bomberos (Juli Fàbregas) a que lo ayude a entrar. Tres adolescentes, Tito, Mire y Uri (Pau Poch, Andrea Ros y Alex Batllori) los siguen, sin saber que están entrando a una pesadilla.

En "[Rec]²", a los escritores Balagueró y Plaza se les une Manu Diéz en un esfuerzo por hacer una historia que expanda la mitología iniciada en el primer filme a la par que mueva la trama a una dirección diferente. Para empezar, "[Rec]²" firmement establece la posesión demoníaca como la raíz de la infección, aumentando los toques religioses que el primer filme solo sugería. Este enfoque es muy interesante, pues los escritores desarrollan el teman en un cautivante set de mitos que finalmente le dan a la serie "[Rec]" una identidad propia. También, y dado el hecho de que los protagonistas son miembros de un equipo táctico élite, la acción toma un papel de mayor importancia en la historia. Mientras que la primer "[Rec]" estaba basada en el suspenso de los reporteros descubriendo lo desconocido, "[Rec]²" está ahora basado en si los soldados lograrán salir vivos o no. La forma en que los escritores han encadenado la cinta a la primera es bastante interesante, aunque la adición de los adolescentes como recurso cómico es un terrible error.

Como se mencionó anteriormente, "[Rec]²" lleva a la serie a una historia más orientada a la acción, y en términos de estilo esto se refleja en lo el ritmo frenético que tiene la narrativa. El nuevo recurso es el de usar cámaras en el casco, dando la oportunidad de ver lo que cada miembro del equipo ve. Para fines prácticos, esto permite una perspectiva muy similar a la de los videojuegos de shooter en primera persona, lo cual funciona muy bien en el contexto del nuevo tono que tiene el filme; el cual ha cambiado el suspenso por la acción (manteniendo el mismo nivel de tensión que la original). De hecho, el cambio es comparable a lo que James Cameron hizo en su secuela a "Alien". De nuevo, el cinefotógrafo Pablo Rosso es colocado en medio de la acción, esta vez como miembro del equipo (naturalmente, el que va cargando la cámara grande), y aunque su trabajo es difícil de apreciar (dado el ritmo rápido de su cámara), una vez más ha construido una atmósfera claustrofóbica y sombría en este edificio de departamentos.

Las actuaciónes en el filme son efectivas, aunque nada muy sorprendente. Quizás es porque los personajes no están tan bien desarrollados, o el hecho de que ahora muchos manejan una cámara, pero realmente no hay una interpretación que deje una impresión perdurable. Esto es, solo hasta que Manuela Velasco regresa como Angela Vidal y se roba el show. Como el Dr. Owen, Jonathan D. Mellor es bueno, aunque untanto sobreactuado en su papel de agente del Vaticano dispuesto a todo por completar la misión. Óscar Zafra, como el lider el equipo, tiene una buena prescencia, pero el resto del equipo carecen de una personalidad definida. Pep Molina logra mejor resultado, intepretando al padre de Jennifer, desesperado por salvar a su familia sin saber los horrores que se han desatado adentro del edificio. Los tres adolescentes Andrea Ros, Alex Batllori y Pau Poch son muy pobres en sus actuaciones, y representan quizás el elemento más débil de "[Rec]²".

Aunque en muchas maneras Balagueró y Plaza tienen éxito en su expansión a su hit original, "[Rec]²" también tiene varios defectos que le restan en términos de calidad. Ciertamente, la expansión a los mitos de "[Rec]" que este filme hace es un giro muy inteligente al concepto del zombie, pues los temas religiosos de posesión demoníaca le dan interpretaciones muy interesantes a la cinta. Sin embargo, la inclusión de la subtrama de los tres adolescentes es algo torpe, pues rompe con el tono establecido en el filma, sin mencionar que los personajes están pobremente desarrollados y mal actuados, resultando en una molesta adición a la trama. Verdaderamente un trágicamente fallido intento de comicidad, pues el filme estaría mejor sin ellos. Como se mencionó arriba, los personajes en general no están tan bien desarrollados, algo que comparte con la cinta original, aunque al menos la primer "[Rec]" tenía a la icónica figura de Angela Vidal. Tristemente, "[Rec]²" no tiene tanta suerte en este aspecto.

A pesar de sus problemas, "[Rec]²" es una buena adición a la serie, especialmente debido al hecho de que los directores Balagueró y Plaza han logrado expandir el concepto sin perder esa garra e intensidad que el original tiene. El cambio de suspenso a acción es un buen movimiento, y dado el hecho de que "[Rec]²" es sobre expandir las reglas ya establecidas por el primer film, era quizás el desarrollo lógico del concepto de primera persona. Claro, el filme es inferior al original, pero aun así es una poderosamente cautivadora experiencia que continúa la trama y devela más información sobre el virus. Con una atmósfera claustrofóbica y una acción rápida, "[Rec]²" es una digna entrega de horror Español.

7/10
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[Rec] (2007)

La segunda mitad de la década de los 1990s trajo a una nueva generación de cineastas Españoles que parecían decididos a redefinir la cara del horror Español. "El Día de la Bestia" (1995, de Alex de la Iglesia) y "Tesis" (1996, de Alejandro Amenábar) hicieron brecha para nuevos filmes que tenían un estilo distintivo y una identidad muy Española. Los debuts de Jaume Balagueró ("Los Sin Nombre") y Paco Plaza ("El Segundo Nombre") podrían ser contados en esta Nueva Ola del Horror Español, y desde el inicio parecía ya claro que estos dos directores tenían cosas en común (para empezar, sus debuts están ambos basados en historias de Ramsey Campbell). Los dos colaborarían en "OT: La película", documental sobre el show "Operación Triunfo", y de aquel proyecto surgiría entre ambos una nueva mancuerna. Dado este trasforndo, no es tan sorprendente que su subsecuente colaboración fuera una mezcla de los géneros de horror y documental: una cinta de "metraje encontrado" titulada simplemente "[Rec]".

"[Rec]" consiste de la grabación hecha por la reportera Ángela Vidal (Manuela Velasco) y su camarógrafo Pablo (Pablo Rosso), pues ambos terminan en medio de una pesadilla. Todo comienza cuando Ángela y Pablo visitan una estación de bomberos en Barcelona, donde hacen un reportaje sobre el turno nocturno. De pronto, la unidad recibe una llamada de emergencia de un viejo edificio de apartamentos y entran en acción llevándose a los dos reporteros con ellos. Al llegar encuentran el lugar rodeado por la policía, y adentro, a un grupo de residentes reunidos en el lobby, mientras que gritos se escuchan arriba. Los bomberos Manu (Ferran Terraza) y Alex (David Vert) se unen a dos policías (Vicente Gil y Jorge-Yamam Serrano) y suben las escaleras, seguidos por Ángela y Pablo; y l oque encuentran es a una agresiva anciana (Martha Carbonell). La anciana muerde a uno de los policías y termina asesinada por su compañero. Al volver abajo, descubren que el edificio está sellado, y que los han dejado adentro. Y no están solos.

Escrita por Balagueró, Plaza y Luiso Berdejo, "[Rec]" es con todas las de la ley un filme moderno de zombies. Es decir, los muertos que se levantan son feroces y rápidos. El giro inteligente no esta pues en la trama, sino en la ejecución de la misma, pues la película está totalmente contada desde el punto de vista de la cámara. Ahora, lo que separa a "[Rec]" de la mayoría de cintas de "metraje encontrado", es la forma en que este recurso narrativo es inteligentemente puesto en práctica en el filme, incluido y justificado en la historia. Ciertamente, en el fondo la historia sigue la fórmula clásica del filme de zombies, pero la nueva perspectiva dada por la cámara le da frescura y la llena de suspenso. También, la forma en que la trama justifica se uso le da mayor verosimilitud que muchos filmes del mismo tipo, pues teniendo a dos reporteros ambiciosos por personajes principales, ayuda realmente a explicar la mentalidad voyerista que los hace seguir filmando. Quizás "[Rec]" pueda ser acusada de ser pobre en desarrollo de personajes, pero es un caso ejemplar de un filme basado enteramente en el estilo sobre la sustancia.

Pues "[Rec]" es en sí todo sobre el estilo, con los directores Balagueró y Plaza llevando al límite el género del "metraje encontrado" haciendo un filme de horror que realmente evoca la sensación de presenciar una verdadera catástrofe. La intensidad, la adrenalina, la desesperanza, todo está ahí para dar la sensación de estar en una zona de guerra, y funciona. Pieza clave de esto es sin duda el gran trabajo del cinefotógrafo Pablo Rossi, quien interpreta al camarógrafo a la par de estar realmente grabando la película. Es quizás este detalle, aparentemente insignificante, el que agrega esa verosimilitud que "[Rec]" tiene y que otros filmes similares carecen: el cinefotógrafo no está fuera de la acción, sino que es participe, reaccionando y controlando la cámara, llevándo a la audiencia al oscuro departamento donde antiguos secretos son ocultos. Aunque simple en términos de historia, "[Rec]" es un interesante ejercicio de estilo, un intento en traer el horror a un punto de vista de primera persona, y un experimento en hacer del filme de horror una experiencia.

Otro punto clave para el éxito de "[Rec]" es la altamente energético interpretación de Manuela Velasco como la reportera Ángela Vidal, quien lleva el filme con fuerza y un carisma natural que le permiten crear un personaje que, aunque no siendo xactamente el más agradable (Ángela es por lo menos, inescrupulosa), logra hacerla muy interesante. Aunque su personaje quizás sea simple, Velasco crea una identidad bien definida para su rol, y logra transmitir la sensación del peligro que su personaje viven en esa caótica noche en el apartamento. El resto del elenco es en general tan efectivo como Velasco, a pesar del hecho de que interpretan los clásicos arquetipos de los filmes de horror. Ferran Terraza es bastante bueno como el bombero Manu, quien se vuelve el lider por defecto una vez que el edificio es puesto en cuarentena. Sin embargo, la mejor de entre el elenco de soporte es Maria Lanau, quien interpreta a la histérica madre de Jennifer, una niña enferma de lo que su madre asegura es amigdalitis.

Como se mencionó anteriormente, "[Rec]" es un filme en que la ejecución es la clave. Aunque la trama no suena como el filme de horror más original jamás escrito (más de una vez cae en clichés del género), su magia y poder radican en la forma en que Balagueró y Plaza cuentan la historia. Aunque filmes de zombies en primera persona no son nuevos ("The Zombie Diaries" del 2006 es un ejemplo anterior), "[Rec]" es quizás el primero que logra el nivel de verosimilitud y realismo que las películas de metraje encontrado intentan evocar. Lo que "[Rec]" carece de desarrollo de personajes, lo compensa con ese golpe de adrenalina que tiene su narrativa, la cual es intensa, energética y vibrante; realmente transmitiendo el horror de estar en medio de un apocalipsis zombie. En vez de canalizar la saga zombie de Romero, lo que "[Rec]" evoca es más bien un verdadero documental de desastres naturales, lo que para un "mockumental" que busca el realismo, es un logro considerable.

En "[Rec]" los directores Jaume Balagueró y Paco Plaza han logrado realizar un filme de "metraje encontrado" que logra contar su historia con un sobrecogedor realismo y una inquietante atmósfera. Estos dos cineastas han entendido las posibilidades de la narrativa en primera persona y han logrado transladar la intensidad del moderno género de zombies a este recurso narrativo con gran poder. Gracias a las estupendas actuaciones y al increible trabajo de Pablo Rossi, la ilusión de realismo se consigue a pesar de la fantástica premisa del filme, y ultimadamente, "[Rec]" se convierte en una vorágine de horror que nunca pierde su ritmo de alta velocidad sino hasta el final. En este sentido, más que un filme de horror, "[Rec]" es una experiencia.

8/10
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Senki (2007)

En 1994 el director Macedonio Milcho Manchevski debutó con "Before the Rain", una co-producción Británica-Francesa-Macedonia que obtuvo múltiples nominaciones y premios alrededor del mundo (incluyendo una nominación al premio de la Academia como Mejor Película Extranjera), y convirtió a Manchevski en el más famoso cineasta Macedonio. Siete años después, Manchevski regresó con el inusual Western "Dust", y aunque recibió una respuesta menos entusiasta, cimentó su carrera como director y obtuvo un trabajo como director de un capítulo de la popular serie "The Wire". Para su tercer filme, Manchevski regresó a terrenos familiares y volvió a su tierra natal, la República de Macedonia, en busca de inspiración. El resultado fue "сенки" ó "Senki", una historia de horror y misterio con base en el folclore Macedonio en el cual Manchevski intenta un estilo más tradicional, resultando en la que es quizás su película más accesible. De cualqueir forma, aunque "Senki" es un filme de género, el estilo de Manchevski permanece presente y fiel a sí mismo.

"Senki" (literalmente "Sombras", pero conocida como "Entre los Muertos") es la historia del Dr. Lazar Perkov (Borce Nacev), un joven doctor que pareciera tener todo: un buen trabajo en la clínica de su madre Vera (Sabina Ajrula), una bella familia formada por su esposa Gordana (Filareta Atanasova) y su pequeño hijo. Sin embargo, Lazar vive bajo la sombra de su dominante madre y tiene problemas con Gordana, quien esta insatisfecha con su matrimonio. Una noche un molesto Lazar sale de noche y tiene un terrible accidente automovilístico. Milagrosamente, Lazar sobrevive, y comienza a reconstruir su vida tras el accidente. Se muda a Skopje para comenzar de nuevo, decisión que molesta a Gordana quien prefiere permanecer en su casa de playa. Solo, Lazar recibe extrañas visitas de una misteriosa anciana (Joana Popovska) quien habla un extraño dialecto. Lazar decide buscar ayuda para entender el mensaje y la encuentra en Menka (Vesna Stanojevska), la asistente y esposa de un profesor de etimología. Pero el mensaje tiene un secreto oscuro, que llevará a Lazar a un viaje entre los muertos.

Con un guión escrito por el mismo director Milcho Manchevski, se puede decir que "Senki" sigue al pie de la letra el clásico patrón de las historias de fantasmas, con Lazar tratando de descubrir porque es visitado por espíritus, y que debe hacer para detenerlos. Estrictamente hablando, en terminos de historia no se descubre nada nuevo, sino que en se sigue fielmente la forma tradicional; sin embargo, Manchevski adereza la fórmula con interesantes toques de folclore Macedonio, un rico grupo de personajes, y un interesante y ambiguo misterio. Para ponerlo de otro modo, la originalidad de Manchevski está en los detalles en vez de en la trama. Y de hecho, la ambiguedad podría ser el elemento clave de "Senki", pues la intrincada trama se mueve haciendo del viaje Lazar más y más confuso con cada nuevo giro. Honestamente, Manchevski logra mantener la historia interesante a pesar de esto, aunque desafortunadamente, llega a alcanzar un punto donde la trama se vuelve un poco más complicada de lo necesario.

Pero, si la historia se siente típica y formuláica, es el trabajo del director Manchevski lo que le da a "Senki" un muy distintivo estilo visual que la separa de las demás historias de fantasmas. Con un bello trabajo del veterano fotógrafo Italiano, Fabio Cianchetti, Manchevski captura tanto la magnificente belleza del campo Macedonio, como el abrasivo paisaje urbano de Skopje. Visualmente, Manchevski logra un buen contraste entre la tranquila aunque abandonada vida natural del campo frente a la pesadillesca, sobrepoblada locura de la ciudad. Interesantemente, aunque recurriendo a los tradicionales clichés del género (sustos imprevistos por ejemplo), Manchevski aborda lo sobrenatural de una manera lírica y naturalista. En vez de mostrar sus fantasmas como entes externos al mundo, los espírtus de "Senki" caminan en el mundo como si aún fueran parte de él, sin gran desplieque de efectos especiales. Haya sido una limitación de presupuesto o una decisión estilística, el hecho es que le da "Senki" una muy distintiva atmósfera propia.

Aunque quizás no parezca el mejor protagonista para una historia de fantasmas, el actor Borce Nacev hace un buen trabajo en general, capturando la escencia de su emproblemado personake. Reflejando la alienación de Lazar, Nacev lleva el film habilidosamente, aunque por momentos pareciera un poco acartonado. Sin embargo, mucho ayuda a su trabajo la revelación que es la actriz Vesna Stanojevska, quien interpreta a Menka. Harpista profesional, Vesna debuta como actriz y demuestra un gran talento natural y una enorme habilidad para interpretar a su intrigante personaje. Ambigua, misteriosa y compleja, Menka es quizás el personaje que definiría el éxito o fracaso de "Senki", y afortunadamente, la actuación de Vesna es realmente una maravilla. Sabina Arjula, como la madre de Lazar, es otra fuerte figura en el elenco, y prácticamente se roba cada escena con su poderosa presencia escénica. Menos afortunada es la actriz Filareta Atanasova, quien interpreta a Gordana, aunque siendo justos, su personaje es muy poco desarrollado, al punto de ser una caricatura de la mujer infiel.

Como se mencionó anteriormente, "Sentki" no es exactamente la más original cinta de horror, y adempas, su narrativa lineal tan tradicional podría sorprender a quienes esperen algo parecido a los anteriores filmes de Manchevski. Sin embargo, esto no es realmente un defecto, pues Manchevski juega con la fórmula y la hace suya, vistiéndola con su estilo visual para darle un toque diferente. Aunque formulaica, "Senki" no luce como la mayoría de las historias de fantasmas, a pesar de ser esencialmente la misma historia, y esta es quizás la marca de un buen narrador. El verdadero problema en "Senki" no es la originalidad, sino que en ocasiones divaga demasiado, llegando a ser algo tediosa. Es uno de los casos en que la historia se hubiera beneficiado de una mejor edición. Esto se vuelve notoria pues la complicada trama deja varios cabos sueltos, como si no hubiera habido sufiencte trabajo afinando el guión. Sin embargo, esto no es detrimento al entretenimiento que produce "Senki", solo evita que sea verdaderamente una obra mayor.

Quizás "Senki" pase a la historia como uno de los trabajos menores de Manchevski, pero como cinta de género, realmente ofrece una diferente forma de ver las historias de fantasmas y prueba que una fórmula conocida puede recibir nuevos aires. Es definitivamente una cinta que sigue la idea de "estilo sobre substancia", con el lírico estilo de Manchevski garantizando una joya visual. Al final, "Senki" se enfrenta al problema de las expectativas de su adudiencia: quienes esperen exoticisimo artístico la encontrarán muy Hollywoodense, mientras que los aficionados al horror tal vez la vean poco original y pretenciosa. Uno debe evitar estos juicios preconcebidos y disfrutar "Senki" por lo que es: no una obra maestra, sino una historia de fantasmas con un toque diferente.

7/10
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