Flor de Durazno (1917)

Considerado como la figura más prominente en la historia del tango, el cantante y compositor Carlos Gardel llevó la cultura del tango argentino a todo el mundo, volviéndose uno de los artistas latinoamericanos más conocidos internacionalmente al momento de su trágica muerte. De origen francés, Gardel pasó su infancia en el barrio de Abasto, en la ciudad de Buenos Aires, donde comenzó a desarrollar su estilo cantando en bares y en fiestas privadas. En 1917, Carlos Gardel comenzaría a realizar grabaciones, iniciando la brillante carrera que lo llevaría a recorrer el mundo. Gran parte del atractivo del joven cantante eran su presencia y porte, que no pasaron desapercibidos por la industria cinematográfica, y ese mismo año la naciente estrella del tango se vio debutando en la pantalla de plata. El título de la cinta sería "Flor de Durazno", adaptación de la popular novela del mismo nombre, escrita por Gustavo Adolfo Martínez Zuviría, mejor conocido como Hugo Wast. Y si bien la cinta fue un gran éxito en taquilla, no representa ni el mejor momento de Gardel ni del cine argentino de su época.

"Flor de Durazno" es la historia de Rina (Ilde Pirovano), una joven serrana que vive con su padre Germán (Diego Figueroa) en su pequeña granja. Enamorada de ella se encuentra su primo Fabián (Carlos Gardel), pero la joven ha crecido embelesada por el joven Miguel Benavides (Argentino Gómez), heredero de una rica plantación. Al tiempo los jóvenes crecen, y Fabián logra conquistar el corazón de Rina, quien finalmente acepta casarse con él. Desafortunadamente, la guerra obliga a Fabián a enlistarse al ejército y la pareja pospone la boda hasta que Fabián regrese. Miguel, que se vuelve el dueño de la plantación, aprovecha la situación para acercarse a Rina, tomando ventaja de que su posición económica le permite ganarse la confianza del padre de Rina, quien se ve envuelto en un pleito legal y ve en Miguel a un consejero de fiar. Con las cartas a su favor, Miguel seduce a Rina, quien termina embarazada de la relación. Cuando Miguel se niega a casarse con Rina, ésta decide huir a la capital, donde pasará penurias al encontrarse sola y en la miseria.

Escrita y dirigida por el director Francisco Defilippis Novoa, "Flor de Durazno" sigue con relativa fidelidad la trama de la novela de Hugo Wast, melodrama de corte naturalista en el que se retrataban las injusticias sociales. Este tipo de historias había encontrado ya gran éxito en el cine, como ejemplifica la cinta "Nobleza gaucha" de 1915, que como la película de Defilippis, tomaba como punto de partida un conflicto entre un malicioso ranchero rico y un gaucho noble pero humilde. "Flor de Durazno" sigue al pie de la letra la fórmula, con la humilde campesina Rina sufriendo estoicamente el abuso y la humillación a la que la somete la clase adinerada, siendo su único motor el amor que siente por su pequeña hija. A pesar de su temática de denuncia, la historia es bastante conservadora, pues Rina encuentra su sufrimiento como un a penitencia, su pecado: haberse olvidado del noble Fabián, quien la recuerda en cada uno de sus viajes con el ejército. La sencilla trama de "Flor de Durazno", aboga por la idea de que la modernidad de la gran ciudad es perversa, mientras que en el campo es donde se encuentra la verdadera nobleza.

"Flor de Durazno" se caracteriza por la sencillez con la que el director Francisco Defilippis Novoa aborda la historia, y por el ágil ritmo en que se desarrolla la trama. Sacando provecho de sus locaciones naturales (y del trabajo del fotógrafo Francisco Mayrhoffer), Defilippis Novoa hace un retrato bucólico de la campiña argentina, la cual se presenta como un apacible lugar donde la vida es más tranquila y sencilla. En contraste, la ciudad se presenta como un lugar sucio y caótico, donde la maldad se esconde en cada esquina. A pesar de la profunda simpleza de la puesta en cámara de Defilippis Novoa, hay momentos interesantes en los que la trama se vuelve a Fabián, quien canta para recordar su tierra y a su amada Rina. En estos momentos, que probablemente se acompañaban de alguna grabación en disco de Gardel, Defilippis aprovecha para mostrarse poético y adentrarnos en la subjetividad de las emociones del personaje. En la misma línea, Defilippis ocasionalmente emplea con originalidad recursos como la doble exposición para ilustrar los recuerdos de sus personajes.

Sin duda el principal atractivo de "Flor de Durazno" es apreciar el debut cinematográfico de Carlos Gardel pero, lamentablemente, esta primera aparición del Zorzal Criollo en el cine deja mucho que desear. De entrada, el cine mudo no es tal vez el mejor medio para que un cantante se luzca (se cuenta que el mismo Gardel abandonó el plató decepcionado de su trabajo), además de que su personaje es bastante secundario en relación a la trama, pues la verdadera estrella de la cinta es Ilde Pirovano. Como Rina, Pirovano carga totalmente con el peso de la cinta, y en general hace un trabajo bastante loable pues, la joven actriz se aleja de las convenciones del cine silente y brinda un trabajo más natural. Caso contrario el de Argentino Gómez, que como el perverso Miguel Benavides, se muestra terriblemente sobreactuado, haciendo una caricatura del arquetipo de villano adinerado. Lo mismo se podría decir del resto del elenco, que mantiene el tono acartonado de los orígenes del cine. Quizás la única excepción (además de Ilde Pirovano) es Diego Figueroa, que logra dar dignidad al personaje de Germán Castillo.

A pesar de que las actuaciones no son realmente lo mejor de la cinta, poco les ayuda el que el guión sea tan simple en su desarrollo, pues los personajes son en su mayoría una colección de arquetipos clásicos del género: la ingenua víctima, su estricto padre, el perverso adinerado, el sabio sacerdote y el noble gaucho. Poco se hace por desarrollar estas personalidades de forma dramática, y el director Francisco Defilippis meramente concentra sus esfuerzos en retratar fielmente la atmósfera de la historia y en contar la anécdota lo mejor posible. Esto deja a "Flor de Durazno" como una oportunidad perdida, que aunque pudo haber servido para explorar el tema de las injusticias sociales, se queda en un simple melodrama naturalista donde nuevamente el malvado rico abusa de la nobleza de los pobres. Por supuesto, mucho de esto se puede achacar a la novela de Hugo Wast, que ya de origen carga con estos y otros defectos; pero dado su enorme éxito comercial, probablemente Defilippis optó por no hacer demasiados cambios a una fórmula por demás probada.

Como la novela en la que está basada, "Flor de Durazno" fue un gran éxito de taquilla; sin embargo, como se menciono anteriormente Gardel no quedó muy conforme con el resultado. Carlos Gardel permanecería concentrado en su carrera musical, y no volvería a estar frente a la cámara de cine sino hasta 1930, cuando  el director Eduardo Morera lo invitara a participar en una serie de cortometrajes musicales con sonido óptico, con los que reactivaría su faceta como actor. Naturalmente, el cine silente no era el medio adecuado para aprovechar realmente los talentos de un cantante como Gardel. A pesar de contar con algunos elementos de interés, "Flor de Durazno" no logra elevarse a ser algo más que un sencillo melodrama rural. Una adaptación más libre se realizaría en México en 1945, con la actriz Esther Fernández en el papel de Rina.

5/10

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Dr. Jekyll and Mr. Hyde (1912)

Sin duda alguna, el celebrado clásico de Robert Louis Stevenson "El Extraño Caso del Dr. Jekyll y el Sr. Hyde" es una las más famosas e influyentes novelas de horror gótico jamás escritas, y su tema principal, el conflicto interno entre las naturaleza noble y la malvada del ser humano, ha inspirado innumerables trabajos y múltiples adaptaciones al cine y al teatro. Una de las más exitosas de su tiempo fue la obra teatral escrita por Thomas Russell Sullivan en 1887, "Dr. Jekyll and Mr. Hyde", cuya gran popularidad naturalmente la llevó a ser la fuente de adaptaciones cinematográficas gracias al toque de romance que Sullivan había agregado a la historia de Stevenson. Aunque de entre estas adaptaciones la más famosa es la realizada por John S. Robertson en 1920 (con el legendario John Barrymore en el papel principal), ésta no era la primera ocasión que la obra había sido llevada al cine, sino de hecho la tercera. La primera versión de la obra de Sullivan habría sido realizada en 1908, mientras que la segunda sería este filme, realizado en 1912 por el director Lucius Henderson para la Thanhouser Company.

En esta versión, James Cruze interpreta al Dr. Jekyll, un respetable científico que ha dedicado sus estudios a la creación de una fórmula para separar las dos naturalezas del hombre. Para probar esta fórmula en sí mismo, Jekyll se encierra en su laboratorio y bebe el líquido, esperando para estudiar sus efectos. De pronto, Jekyll se convierte en su alter ego malvado (Cruze nuevamente), quien toma el nombre de Mr. Hyde y comienza a causar problemas en el pueblo. Hyde toma el antídoto para regresar de nuevo a la persona de Jekyll y cubrir las huellas de sus crímenes, pero el uso constante de la personalidad de Hyde comienza a causar estragos en la personalidad de Jekyll, al punto de que la transformación a Hyde deja de requerir la poción para ocurrir, casi actuando a su voluntad. En uno de estos cambios sin control Hyde asesina al predicador del pueblo, padre de la novia de Jekyll (Florence La Badie). Esto hace que Jekyll se de cuenta cuan peligroso es Hyde en realidad, pero desafortunadamente, ya no tiene el antídoto.

Como se mencionó anteriormente, la base para esta película es definitivamente la obra escrita por Thomas Russell Sullivan, pues la película se aleja del misterio de la novela de Stevenson y aborda directamente el tema de las personalidades separadas. La película toca una idea interesante al presentar a Jekyll siendo "adicto" a ser Hyde, sólo para descubrir que el constante uso de la personalidad de Hyde la vuelve dominante sobre su personalidad real, volviendo el cortometraje casi una metáfora del uso de drogas. En la época en que Henderson filmó esta versión de "Dr. Jekyll and Mr. Hyde", los guiones eran poco usados, pero es bastante probable que ésta cinta hata sido una excepción y que Henderson haya contado con un guion para trabajar, ya que la trama está bastante bien desarrollada considerando la breve duración de la cinta (12 minutos, es decir, un sólo rollo). Aunque el estilo que Henderson usa en la cinta es bastante sencillo e incluso un poco teatral, su "Dr. Jekyll and Mr. Hyde" no es una mala película y algunas escenas, sobre todo las melodramáticas, son bastante efectivas.

James Cruze, quien durante la década de los 1920s se volvería un director respetado, realiza una interpretación muy efectiva tanto como el Dr. Jekyll como de Mr. Hyde. Su Jekyll es particularmente efectivo, pues a diferencia de otras versiones donde lo presentan como el epítome de la bondad, Cruze lo vuelve un ser humano con defectos en una forma bastante convincente. Su Hyde es un poco menos afortunado, aunque es probable que esto se deba que también el actor Harry Benham lo interpretó en algunas escenas. De todas formas, es meritorio tanto para Benham como para Henderson el hecho de que el cambio entre los dos actores es prácticamente imposible de distinguir. Florence La Badie, actriz usual de las producciones Thanhouser aparece como la novia de Jekyll y hace un buen papel hasta cierto punto, pues su rol es considerablemente más pequeño que en la obra, pues el corto se enfoca totalmente en el conflicto interior de Jekyll. Interesantemente, la niña prodigio de Thanhouser, Marie Eline aparece en un pequeño rol como el niño que es aplastado por Hyde en la clásica escena de la novela.

Aunque las actuaciones son de excelente calidad (como era usual en los filmes de Thanhouser), el estilo del filme no deja de ser un tanto teatral, especialmente para ojos modernos; además de que las limitaciones de presupuesto son aparentes en más de una ocasión. A pesar de esto, Henderson hace su película bastante entretenida y, hasta cierto punto, realmente fiel al espíritu de la novela de Stevenson. La versión de Lucius Henderson de "Dr. Jekyll and Mr. Hyde" tal vez no sea una experiencia revolucionaria, pues aún y comparándola con otras cintas del mismo periodo (la cina alemana "Der Student Von Prag" por ejemplo) no deja de ser un poco regular; sin embargo, no es para nada una mala película y es un filme bastante interesante para descubrir los primeros años del cine de horror norteamericano.

7/10
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Watch "Dr. Jekyll and Mr. Hyde" (1912)

Der Student Von Prag (1913)

Sin duda uno de los movimientos artísticos más importantes en la historia del cine fue el Expresionismo Alemán, un estilo visual desarrollado en el Berlín de los años 20s basado en mundos irreales y absurdos de líneas torcidas y ángulos agudos para representar la lócura y lo sobrenatural. Cintas clásicas como "Das Cabinet Des Dr. Caligari." (1920) y "Nosferatu, Eine Symphonie Des Grauens" (1922) fueron los resultados más famosos de este movimiento, y aunque no tuvo una vida larga, el Expresionismo Alemán dejó una enorme influencia en el cine que puede sentirse incluso hoy, especialmente en el género de horror. Una de las figuras clave en este movimiento sería Paul Wegener, director de "Der Golem, Wie Er in die Welt Kam" (1920), pues en su debut como cineasta, siete años antes de realziar dicho clásico, ya estaba experimentando con el estilo expresionista en cine. Este primigenio prototipo del Expresionismo Alemán fué, incidentalmente, un filme de horror, "Der Student Von Prag". Desde el inicio, el horror estaría ligado al movimiento.

"Der Student Von Prag" (literalmente "El Estudiante de Praga"), es la historia del joven Balduin (el mismo Paul Wegener), un estudiante que ha ganado la reputación de ser el mejor espadachín de Praga, pero que vive en un constante apuro económico, pues carece de medios para subsistir. Un día, Balduin rescata a la bella condesa Margit (Grete Berger) de ahogarse en un lago cuando su caballo la deja caer por accidente. Balduin se enamora perdidamente de la condesa, e intenta verla de nuevo, sólo para descubrir que no es el único embelesado por la hermosa joven, pues el rico primo de Margit, Graf Von Schwarzenberg (Lothar Körner), también pretende casarse con ella. Sabiendo que él no puede ofrecerle mucho, Balduin desea ser rico, y es aquí donde entra en escena un hechicero de nombre Scapinelli (John Gottowt). El misterioso Scapinelli le ofrece a Balduin recursos ilimitados a cambio de un objeto de su habitación, el que Scapinneli elija. Balduin acepta, y descubre que lo que Scapinneli quiere es el reflejo de Balduin en el espejo.

Inspirado por el cuento corto "William Wilson" de Edgar Allan Poe aderezado con tintes de la leyenda clásica de "Fausto", la historia de "Der Student Von Prag" fue concevida por el autor Alemán Hanns Heinz Ewers, maestro de la literatura de horror que además fue uno de los primeros escritores en considerar al guión cinematográfico como una obra literaria. Escrita en una época en que el cine en Alemania se encontraba en los inicios de su desarrollo, "Der Student Von Prag" muestra ya una gran disposición a realmente usar el cine como un medio narrativo, más allá de meros trucos de cámara o una sencilla secuencia de eventos filmados. Como muchos de los guionistas de su época, el guión de Ewers muestra una gran influencia teatral, aunque ya "Der Student Von Prag" comienza a alejarse de esa influencia. Aunque un poco pobre en el desarrollo de sus personajes (sobretodo en los personajes secundarios, que son meros arquetipos), Ewers logra crear un protagonista complejo e interesante en la figura de Balduin.

Aunque "Der Student Von Prag" es apenas el debut como director de Paul Wegener y el segundo filme del co-director Stellan Rye, se puede ya apreciar que estos dos pioneros del cine realmente tenían una buena idea de los alcances que el cine tenía. Dandole un gran uso a la fotografía de Guido Seeber, estos dos jóvenes cineastas logran crear una poderosa atmósfera Gótica que ya da señas de lo que los cineastas Alemanes de la siguiente década realizarían. Wegener aprendería de Seeber y Rye muchas de las técnicas que luego emplearía en su trilogía del "Golem". A pesar de contar con recursos muy limitados, Rye y Wegener logran crear varios efectos visuales bastante sorprendentes (para su época) en las escenas que incluyen al reflejo de Balduin (interpretado también por Wegener). Ya un experimentado actor de teatro al momento de la realización de este filme, Wegener dirige a su elencon mostrando un gran talento y como se mencionó anteriormente, ya intentando alejarse del modelo teatral de cineastas anteriores.

Como Balduin, Paul Wegener se muestra muy efectivo y es probablemente lo mejor de la película. Ciertamente mucho ayuda el hecho de que su personaje sea el único realmente desarrollado en el guión, pero no se puede negar la calidad que Wegener muestra en su rol de estudiante pobre que pierde algo más que su reflejo en el especto en el maléfico contrato. John Gottowt es el siniestro Scapinelli, y le brinda a su personaje una aura de misterio que le queda como un guante. Poco se dice de Scapinelli en el filme, pero Gottow hace de esto un arma y se asegura de que, usando solamente su expresión corporal, quede claro que es una presencia temible. El resto del elenco preincipal es menos afortunado, con Grete Berger siendo bastante regular como la condesa Margit, y Lothar Körner haciendo un muy pobre Graf Von Schwarzenberg. Sin embargo debe reconocerse que Lyda Salmonova es bastante buena en su expresivo personaje y que Fritz Weidemann hace un excelente Baron Waldis-Schwarzenberg, mostrando la dignidad que el personaje de Körner debió haber tenido.

Considerando el rápido desarrollo que las películas estaban teniendo en esos años en otros países, además del hecho de que su remake (realizado 13 años después) es bastante superior, no es difícil entender el porque "Der Student Von Prag" no ha envejecido con la misma gracia que otras películas de la misma época. El problema principal de la cinta radica definitivamente en los limitados recursos con los que los cineastas contaban, mismos que los forzaron a realizar una película mucho más corta de lo que la historia de Ewers necesitaba para poder ser desarrollada completamente. Esto resulta en que la trama se sienta un poco vaga por momentos, incluso incompleta, como si algo se hubiera perdido en la narrativa (claro, con filmes de esta época, siempre hay la posibilidad de que la copia que sobrevive realmente esté incompleta). Sin embargo, "Der Student Von Prag" es un muy interesante primer intento de realizar un complejo cuento de horror y suspenso en el cine que, aunque inferior a lo que otros cineastas realizaban en aquellos años, dejó una gran influencia en la historia del cine.

Como ancestro director del movimiento de Expresionismo Alemán, es difícil negar la enorme importancia que "Der Student von Prag" tiene en la historia del cine Alemán, y muy probablemente, en la historia del cine en general. Ciertamente, es una película que se siente anticuada incluso para su propia época, pero que a pesar de eso y su bajo presupuesto, sigue siendo uno de los mejores filmes de su tiempo. Como se mencionó anteriormente, el director Alemán Henrik Galeen realizaría una nueva y mejor versión de la historia de Hanns Heinz Ewers en 1926, ya en la cúspide del Expresionismo Alemán, contando incluso con los íconos del movimiento, Conrad Veidt y Werner Krauss, en los papeles principales. Sin embargo, como la película que inició no sólo la carrera de Paul Wegener, sino el mismo Expresionismo Alemán, la versión original de "Der Student Von Prag" es ciertamente una película digna de disfrutarse.

7/10
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Mest kinematograficheskogo operatora (1912)

De entre los pioneros del cine de animación, el nombre de Wladyslaw Starewicz es recordado como uno de los más revolucionarios animadores de todos los tiempos, y su trabajo con marionetas y animación cuadro por cuadro ha resultado ser enormemente influyente. Nacido en el Imperio Ruso (en lo que ahora es Lituania), Starewicz entró a la animación cuando trabajaba en el Museo de Historia de Kovno en 1910. Al intentar filmar cortos documentales para el museo, Starewicz encontró la dificultad de filmar una pelea entre escarabajos del tipo ciervos volantes, que como son nocturnos no les parecía mucho actuar con la iluminación requerida por la cámara. Inspirado, Starewicz decidió recrear la pelea usando animación cuadro por cuadro y el resultado fue el corto "Lucanus Cervus". A esta primer animación con insectos le siguieron muchas más, que le dieron a Starewicz fama mundial. De entre su obra, sus cintas más famosas son esos cortos con insectos, de los cuales el más conocido es una divertida obra maestra titulada "Mest kinematograficheskogo operatora" o "La venganza del camarógrafo".

En apenas 12 minutos de duración, "Mest kinematograficheskogo operatora" cuenta la historia del Sr. y la Sra. Escarabajo, un matrimonio aparentemente normal. Sin embargo, detrás de esta imagen de felicidad, la Sra. Escarabajo esta teniendo un affair con un artista mientras su esposo sale a trabajar. Tan pronto como el Sr. Escarabajo sale, ella llama a su amante para pasar las tardes con ella. Sin embargo, el cornudo Sr. Escarabajo tampoco es exactamente un ejemplo de fidelidad matrimonial, pues saliendo temprano de trabajar, va a su club favorito, "The Gay Dragonfly", donde su amante (una Líbelula) canta y baila. Sin embargo, un Grillo también está enamorado de la Srita. Libélula, por lo que acaba siendo golpeado por el Sr. Escarabajo. Sin embargo, el Sr. Escarabajo no cuenta con que el Grillo es un cineasta, que en venganza filma la aventura extramarital del Sr. Escarabajo. Al volver a casa encuentra a la Sra. Escarabajo y su amante, y también comienza una pelea, ofendido por la infidelidad. Lo que no sabe, es que el Grillo tiene la prueba de su propia infidelidad.

Escrita y dirigida por Wladyslaw Starewicz, "Mest kinematograficheskogo operatora" es aparentemente una historia sencilla sobre una pareja adúltera (que de hecho, era un tema común en los cortometrajes de la época), sin embargo, hay más que sólo eso en la cinta de Starewicz, pues también es una película que presenta la posibilidad de usar el cine como evidencia de un acto. El Cine como un arma pues, la cámara del Sr. Grillo se convierte en el instrumento de su venganza contra el Sr. Escarabajo. En el guión, Starewicz también muestra un gusto por la ironía en su crítica a la hipocresía de los valores sociales de su tiempo. Esto es representado en el momento en que el Sr. Escarabajo descubre la infidelidad de su esposa, pues el cornudo esposo se pone furioso y, tras apalear al amante, se muestra "generoso" y perdona a la esposa, a pesar de que es bastante claro que él mismo no es ejemplo de inocencia. Ciertamente, el posterior enojo de la esposa no es causado por descubrir la infidelidad del Sr. Escarabajo, sino por su descarada hipocresía.

Sin embargo, más allá del genial tono de comedia del filme, lo que verdaderamente hace de "Mest kinematograficheskogo operatora" una película memorable es sin duda el inovador uso de marionetas insecto para contar la historia. En "Mest kinematograficheskogo operatora" puede apreciarse el gran cuidado que el cineasta Wladyslaw Starewicz ponía en sus proyectos, no sólo en los extraordinariamente detallados sets y utilerías construidos (al punto de que los Escarabajos usan botitas), sino en la extremadamente fluida animación cuadro por cuadro (Stop motion) que logra. Es casi como si los insectos realmente montaran en motocicleta u operaran una cámara. También, usando una pura narración visual, Starewicz logra darle una personalidad a sus insectos, totalmente humanizándolos. Esto no es sencillo, dado que las marionetas de Starewicz son realmente insectos y carecen de expresiones faciales; lo que hace Starewicz es usar las acciones para decir quienes son estas personas, mostrando un enorme entendimiento del cine como medio narrativo.

Como se menciono anteriormente, el trabajo de Wladyslaw Starewicz le daría a este cineasta Ruso fama internacional y la oportunidad de seguir mejorando sus técnicas. Eventualmente, Starewicz experimentaría con otros estilos, incluso el dirigir actores reales (en "Noch pered Rozhdestvom"). La revolución de Octubre lo obligaria a pausar brevemente su carrera, pues se vió forzado a huir con su familia a París. Sería en Francia donde Starewicz puliría su estilo y su obra sería más surrealista. De gran influencia para animadores de todo el mundo, "Mest kinematograficheskogo operatora" de Starewicz continua siendo un gran testamente de la gran imaginación de su creador, y su gran dominio, no sólo de la animación cuadro por cuadro, sino de la más pura narrativa visual que el cine puede alcanzar.

9/10
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