Wadjda (2012)

Debido a la fuerte presión que ejercen los grupos religiosos conservadores en el gobierno de Arabia Saudita, desde principios de la década de los 80s, las salas de cine del país son prohibidas por considerarse contrarios a las enseñanzas del Islam. El único acceso al cine con el que cuenta la población saudí es a través del video, la televisión satelital y el internet. Dadas estas condiciones, no es de extrañarse que su industria sea muy pequeña, y que las primeras producciones 100% saudíes no hayan surgido sino hasta el siglo XXI ("Keif al-hal?" y "Dhilal al sammt", ambas estrenadas en el 2006). Sin embargo, ninguna de las cintas producidas en la Arabia Saudita había sido filmada en su totalidad en territorio saudí (la mayoría opta por filmar en los Emiratos Árabes Unidos). "Wadjda", estrenada en el año 2012, es la primera cinta en lograrlo, y no sólo eso, sino que también es el primer largometraje realizado por una mujer saudí. Lo cual es más que una proeza, dados las fuertes restricciones a los derechos de la mujer en el reino de la Arabia Saudita.

Wadjda (la debutante Waad Mohammed) es una inteligente niña de 11 años que vive con sus padres en Riyadh, la capital de la Arabia Saudita. Su máximo sueño es el de tener una bicicleta para poder jugar carreras con su amigo Abdullah (Abdullrahman Algohani), pero el que una niña monte una bicicleta no es algo bien visto por la sociedad saudí, por lo que su madre (Reem Abdullah) se rehusa firmemente a comprarle una. Wadjda no comprende porque una niña no podría tener una bicicleta, por lo que comienza a planear la forma de conseguir el dinero para comprarla ella misma. Así, Wadjda comienza a vender lo que pueda y a realizar diversos negocios en su escuela para cumplir su objetivo. Mientras tanto, la madre de Wadjda se encuentra preocupada por la posibilidad de que su esposo (Sultan Al Assaf) decida tomar una segunda esposa, pues el deseo de su marido es tener un hijo varón. Tanto Wadjda como su madre se encuentran atrapadas por reglas que no les permiten ser felices, pero la emprendedora niña no se dará por vencida.

Escrita y dirigida por Haifaa Al-Mansour, "Wadjda" (conocida en español como "La Bicicleta Verde") es en esencia una historia sencilla sobre una niña y su sueño. Pero en esa sencillez radica un fuerte testimonio sobre la desigualdad de género en Arabia Saudita. Tomando como punto de partida la lucha de Wadjda por conseguir su objetivo, Haifaa Al-Mansour hace un retrato muy crítico de la vida de las mujeres de Arabia Saudita. Y sin embargo, no lo hace en forma panfletaria, sino con la sutileza más absoluta. En "Wadjda", Al-Mansour no necesita ser incendiaria ó agresiva en su mensaje, pues la honestidad brutal de su premisa habla por sí misma. La pequeña rebelión de Wadjda resuena con fuerza en actos en apariencia triviales como usar tenis ó escuchar música pop occidental, pero que se vuelven simbólicos a medida que Al-Mansour retrata lo que realmente significan en el contexto de la sociedad saudí. Pero a pesar de lo fuerte del tema, Haifaa Al-Mansour nunca pierde ese humor que impregna a la trama y la hace irresistiblemente cautivadora.

En la realización, Haifaa Al-Mansour mantiene la sencillez y la simpleza de la historia en su puesta en cámara. Ciertamente, Al-Mansour sabe que la fuerza de la película está en su historia, por lo que evita cualquier exceso estilístico y concentra su atención en lo que realmente importa: los personajes y su relación con su entorno. En escenas sencillas, pero muy significativas, Al-Mansour describe la compleja y contradictoria vida de la mujer saudí con un fuerte realismo. A través de la cámara del alemán Lutz Reitemeier, la directora Haifaa Al-Mansour se adentra al cerrado mundo femenino saudí, pero más que juzgarlo ó condenarlo, cuestiona sus reglas y sus límites. Como Wadjda, busca una explicación para el hecho de que las mismas mujeres sean quienes refuerzan la desigualdad, y para hacerlo, Al-Mansour se apoya en un estilo marcadamente realista. Aunque como se mencionó anteriormente, hay en "Wadjda" un marcado sentido del humor que da a la cinta un encanto muy particular, pues Al-Mansour nunca busca victimizar a su heroína, al contrario, Wadjda es sin duda una triunfadora.

Sin duda "Wadjda" es una cinta con muchas sorpresas, pero la mayor es la joven actriz Waad Mohammed, quien en el papel principal hace un trabajo simplemente maravilloso. Con su gran talento y carisma natural, Waad Mohammed se convierte en una heroína cuya lucha se vuelve un símbolo de lo que enfrentan las mujeres de su país. La clave de todo es la naturalidad de Waad Mohammed al interpretar a Wadjda, ya que toma al personaje creado por Al-Mansour y lo vuelve universal. De igual calidad es el trabajo por parte del elenco femenino adulto de "Wadjda". Por una parte, Reem Abdullah, quien interpreta a la madre de Wadjda, construye un personaje de gran complejidad, pues mientras que por un lado es víctima de la desigualdad de derechos, por otro está en contra de que Wadjda logre su sueño de tener una bicicleta por considerarlo algo "no propio de una niña". En condiciones similares se encuentra la maestra de Wadjda, la señorita Hussa. La actriz Ahd, brinda un trabajo impecable, con el mérito de evitar convertir a su personaje en una caricatura más de la autoridad.

Dado el contexto político y social en que "Wadjda" fue realizada, pareciera que su importancia como objeto histórico fuera mayor que el valor de sus logros artísticos. Sin embargo, la maestría que muestra la realizadora Haifaa Al-Mansour resulta en un trabajo impecable y de gran belleza que brilla por mérito propio. Lo extraordinario de "Wadjda" es que tomando un tópico universal (el deseo de un niño por una bicicleta), se adentra de lleno a explorar el tema de la desigualdad de género en Arabia Saudita, sin tapujos ni concesiones de ningún tipo, pero también sin llegar a ser sermoneador. Esto último es una gran lección de cine por parte de Al-Mansour, pues nunca olvida que a pesar del importante mensaje que desea transmitir, "Wadjda" no deja de ser la historia de una niña y su bicicleta. Esto no quiere decir que se trivialice el problema, al contrario, a través de los ojos de Wadjda se puede apreciar mejor la magnitud del mismo. Y esto porque como se ha hecho desde tiempos antiguos, las lecciones y las ideas se transmiten mejor de la mano de una historia entretenida.

El realizador francés Abel Gance escribió que no eran las imágenes las que hacían un filme, sino el alma de dichas imágenes. Esta es la mejor manera de describir el largometraje debut de Haifaa Al-Mansour, pues aunque en apariencia su filme es una obra sencilla y bien realizada, hay una gran alma en todas y cada una de las imágenes que le dan forma. Un gran corazón hace de la película una obra inolvidable. Alegre, ingeniosa y llena de un humor deliciosamente subversivo, "Wadjda" es una pequeña gran muestra de rebelión que expone una realidad injusta en la que viven muchas mujeres saudíes. Y sin embargo, a pesar del gran valor de su mensaje, "Wadjda" no es sólo es una película importante dentro de la historia del cine saudí, es una gran película en toda la extensión de la palabra.

9/10

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Godzilla (2014)

En 1954, el productor Tomoyuki Tanaka de los estudios Toho decidió hacer una película que reflejara el horror de la bomba atómica que los japoneses habían experimentado en carne propia tras los ataques a Hiroshima y Nagasaki en la Segunda Guerra Mundial. Trabajando con el guionista Shigeru Kayama y el director Ishirô Honda, el resultado fue la creación de uno de los más grandes iconos del cine de horror: Gojira, mejor conocido como Godzilla, el Rey de los Monstruos. Tras su estreno en 1954, la película "Gojira" inició todo un subgénero cinematográfico (el kaiju eiga) en el que monstruos gigantes luchaban sobre las ciudades, creando toda una mitología en la que Godzilla tenía el rol central. Ya sea como brutal destructor, ó heroico protector de la humanidad, Godzilla ahora forma parte de la cultura pop, representando cuan pequeños somos frente a la furia de la naturaleza. Después 50 años de historia fílmica, Toho decidió dejar a Godzilla descansar por diez años, y en el 2014 su retorno corre a cargo de un estudio norteamericano, en un intento por revivir al mítico monstruo nipón y borrar de la memoria el anterior intento de 1998.

La historia comienza en 1999, cuando los científicos Ishiro Serizawa (Ken Watanabe) y Vivienne Graham (Sally Hawkins) descubren el esqueleto de un monstruo gigante y dos huevos en el fondo de una mina en las Filipinas. Uno de los huevos está roto y hay rastros de que lo que salió de ahí ha entrado en el mar. Mientras tanto, en Japón, una serie de terremotos sacude la planta nuclear de Janjira. Sandra Brody (Juliette Binoche) y un su equipo de ingenieros revisan el estado del reactor cuando una fuerte explosión libera la radiación. Su esposo Joe (Bryan Cranston), el superior de la planta, se ve obligado a dejar morir a su esposa para salvar la ciudad de un desastre mayor. Años después, Joe sigue convencido de que lo que ocurrió en Janjira no fue un sismo normal, ya que repetidamente se le ha negado el acceso a la zona. Su hijo, Ford (Aaron Taylor-Johnson) es ahora un militar y vive distanciado de Joe, considerándolo un loco. Sin embargo, cuando Joe lleva a Ford a Janjira, descubren que lo que se ha ocultado es la existencia de monstruos gigantes, y estos han despertado.

A lo largo de los años, las películas de Godzilla han tocado temas que van desde el horror nuclear hasta la destrucción del medio ambiente. En esta ocasión, la historia escrita por Max Borenstein y Dave Callaham (y sin crédito David S. Goyer y Frank Darabont) presenta a Godzilla como la fuerza de la naturaleza frente a la acción del hombre. Sin embargo, la temática que la historia intenta sostener pierde fuerza pues Godzilla adquiere un rol secundario frente a las criaturas gigantes que los seres humanos han despertado, denominados MUTOs (Massive Unidentified Terrestrial Organism). Dado que la historia gira al rededor de la amenaza que presentan estos monstruos, Godzilla queda reducido a ser casi una especie de deus ex machina andante. Aunque hay un intento por desarrollar una historia humana en contrapeso a los monstruos gigantes, pero el desarrollo de personaje es tan pobre que se limita a explicar la trama. Ciertamente, las cintas de Godzilla nunca han presumido de ser grandes dramas, pero el problema es que en esta nueva versión, el drama humano juega (o intenta jugar) un rol principal.

La razón de esto es que el director Gareth Edwards (quien se diera a conocer con "Monsters" en el 2010) decide enfocar su atención en los personajes humanos que viven el desastre que dejan a su paso los monstruos. Como en su anterior cinta, Edwards mantiene a los monstruos en la oscuridad, mostrando sólo las huellas de la destrucción que van quedando tras la lucha. Si bien en "Monsters" este enfoque funcionaba debido a la cuidada construcción de una fuerte relación entre personajes humanos (sin mencionar lo conveniente para un filme de bajo presupuesto como el suyo), en Godzilla se vuelve inútil al tener personajes unidimensionales y vacíos que no generan empatía. Aunque los efectos especiales son realmente grandiosos (Godzilla no se ha visto jamás tan bien y se respeta el diseño original de los estudios Toho) y se logra capturar la gran escala de la lucha entre los titánicos monstruos, Edwards no deja apreciar totalmente tal trabajo al optar por cortar a las reacciones que sus personajes tienen frente a la lucha. Reacciones no siempre bien expresadas por sus actores.

Aunque las actuaciones no han sido nunca el punto en las cintas de Godzilla, el trabajo realizado por el elenco de esta versión de "Godzilla" es en particular bastante mediocre. A pesar de contar con actores de renombre en el elenco, las actuaciones están lejos de ser lo mejor que estos artistas pueden dar, y mucho de esto es atribuible a la pobre dirección de Gareth Edwards. Bryan Cranston y Juliette Binoche, como Joe y Sandra Brody, brindan un trabajo admirable al lograr el único momento real de drama humano de la cinta. Lamentablemente, su participación es demasiado corta. El protagonista del filme, Aaron Taylor-Johnson (como su hijo Ford), no logra salir nunca del estereotipo de heroico marine estadounidense, e incluso pareciera que poco le importan sus padres o su propia familia. Elizabeth Olsen, que interpreta a su esposa Elle, limita su participación a gritar al ver a los monstruos pelear. Lo más lamentable es ver que Ken Watanabe, David Strathairn y especialmente Sally Hawkins en roles sin ningún peso y cuya única función es la de explicar la trama a la audiencia.

"Godzilla" no es una mala película, simplemente es en extremo mediocre y esto la hace lamentablemente poco memorable. El decepcionante resultado de la cinta es como si el director Gareth Edwards hubiera tomado a Godzilla para intentar hacer una especie de remake de su cinta anterior, "Monsters". Pero con menor suerte. Aunque se agradece el respeto por el diseño original y la mitología del primer "Gojira", así como el que se tome en serio el tema (afortunadamente no hay Minillas o Godzookys); la película no logra capturar la magia de ver dos monstruos luchar en la ciudad. Principalmente porque Edwards no deja observar mucho de la lucha. Y no es que el enfoque de Edwards en el drama humano sea una decisión errónea, sino que este drama no esta construido bien, resultando en una película que se siente aburrida y cansada hasta que llega Godzilla (y llega un poco tarde). Gran parte de esto es adjudicable al guión con que Edwards trabajó, que se basa excesivamente en coincidencias increíbles y diálogos explicativos para avanzar la pobremente desarrollada trama.

Como se mencionó anteriormente, "Gozilla" no es una mala película, es más bien decepcionante. Tras diez años sin el monstruo en pantalla grande y con el respaldo de un gran estudio, se esperaba un épico retorno a la gloria que aprovechara el desarrollo técnico de la industria norteamericana. Lamentablemente, no fue este el caso. Hay incluso cosas que el tan criticado filme de Roland Emmerich ("Godzilla", 1998) ejecuta mejor que esta nueva versión. Aunque hay elementos bastante rescatables en la película (la música de Alexandre Desplat es sin duda uno de ellos), en general la cinta de Gareth Edwards es una película que no logra cumplir la expectativa generada. Hay un progreso, pero aún parece que Hollywood no ha logrado comprender el secreto de Gojira.

5/10

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Frozen (2013)

En 1937, los estudios Walt Disney revolucionaron el cine de animación con el estreno de "Snow White and the Seven Dwarfs", su primer largometraje animado. Esto sería el comienzo de una tradición de cine animado que Disney perfeccionaría a lo largo de los años, tomando inspiración de cuentos de hadas famosos para crear clásicos como "Pinocchio" (1940), "Sleeping Beauty" (1959) y "Beauty and the Beast" (1991). Sin embargo, un famoso cuento del autor Hans Christian Andersen había eludido a Disney casi desde el principio: "The Snow Queen". Celebrado como uno de los cuentos más bellos de Andersen, "The Snow Queen" sería parte de un filme biográfico sobre su autor que Disney pretendía realizar en 1943, sin embargo, el proyecto cayó y se dejo en el olvido. Años después, el proyecto de "The Snow Queen" sería resucitado en los 90s, pero nuevamente se consideró difícil de realizar. Finalmente, en el 2008 el director Chris Buck intentaría de nuevo, y aunque fue un proceso lento y tortuoso, finalmente "The Snow Queen" vería la luz en el 2013, en una adaptación muy libre titulada simplemente "Frozen".

"Frozen" (conocida en español como "Una Aventura Congelada"), es la historia de dos hermanas, Anna y Elsa (Kristen Bell e Idina Menzel respectivamente), princesas del reino de Arendelle, ubicado en Noruega. Elsa, posee la habilidad de crear hielo, pero esto no evita que ambas hermanas sean muy unidas. Sin embargo, una noche Elsa lastima a Anna con sus poderes, lo que provoca que sus padres tomen la drástica medida de ocultar a Elsa, y borrar mágicamente la memoria de Anna respecto a la magia de Elsa. Ambas hermanas quedan separadas, pues Elsa se recluye, temerosa de dañar a sus seres queridos con su magia. Cuando sus padres mueren en un naufragio, Elsa debe tomar las riendas del reino, lo que Anna ve como una oportunidad para conocer el mundo fuera del castillo. Durante la coronación, Anna se enamora del príncipe Hans (Santino Fontana) y desea casarse inmediatamente con él, aunque Elsa prohibe dicho matrimonio. Anna discute con Elsa, quien termina por mostrar sus poderes al público. El pueblo la mira con temor, por lo que Elsa huye de Arendelle para establecerse en la montaña como reina de la nieve.

Lejos de ser una adaptación directa del cuento de Andersen, el guión de "Frozen" (escrito por Jennifer Lee, basado en una historia de Chris Buck, Shane Morris y la misma Lee) toma sólo los elementos primordiales del cuento original como base para su universo, y construye una historia diferente a partir de ellos. Creando un lazo familiar entre Anna y la Reina del Hielo, "Frozen" es en esencia una historia sobre dos hermanas que buscan resolver sus diferencias y recuperar la felicidad en la que vivieron en el pasado. Sin embargo, "Frozen" es también una historia sobre aceptación, pues el guión de Lee hace de Elsa, la Reina de Hielo, un personaje complejo que busca definir su identidad, cansada de esconder quien realmente es y deseosa de mostrarse ante un mundo que la condena. Esto último es tal vez el elemento más interesante de la cinta, pues con esto Lee ha creado una "princesa de Disney" como ninguna otra, al volverla un símbolo de la aceptación de uno mismo. Anna por otra parte, es tal vez el ataque más directo al estereotipo de la "princesa de Disney" al ser un personaje que literalmente descubre que la vida no es un cuento de hadas.

Dado el profundo trabajo de Jennifer Lee en el desarrollo del proyecto, se decidió que dirigiera la cinta en conjunto con Chris Buck, y en gran medida su aportación se siente en cada área de la película. Al transformar la historia de la Reina de Hielo, Buck y Lee dieron un giro a lo que podría haber sido una cinta de princesas Disney más. La principal aportación de Lee es el hacer de "Frozen" una cinta moderna que no esconde el ser femenina. Es decir, aunque Disney ya había producido cintas fuera del molde tradicional de la princesa ("Lilo & Stitich" y "Brave" por ejemplo), escudaba o protegía el atractivo masivo de la cinta en el tema de las relaciones familiares. "Frozen" por su parte, aunque el tema familiar es sin duda parte importante de la trama, en el desarrollo individual de Elsa y Anna existe una búsqueda por retratar una visión moderna de la femineidad, atacando las visiones propagadas por los viejos clásicos de Disney. El extraordinario diseño visual de la película, inspirado en estos mismos clásicos ("Cinderella" y "Sleeping Beauty" principalmente), hace más patente la referencia directa.

"Frozen", como las clásicas películas producidas por Disney, es ante todo un musical, por lo que no es extraño ver a Idina Menzel, una veterana de Broadway, en el papel de la Reina del Hielo, Elsa. Aunque Anna es quien lleva la historia en "Frozen", Elsa se vuelve el personaje más interesante de la cinta. Menzel da vida a Elsa capturando perfectamente la mezcla de miedo y poder con los que carga la Reina del Hielo. Esto se vuelve patente en su interpretación del tema "Let It Go", canción que define al personaje y denota que es Elsa el verdadero protagonista de la cinta. Kristen Bell da vida a Anna, quien en su viaje por rescatar a su pueblo descubrirá que el mundo real es muy diferente de lo que sus ojos de princesa habían visto. Aunque Bell hace un gran trabajo como la joven princesa y hace de Anna un personaje lleno de energía y alegría, la poderosa voz de Menzel la opaca en todo sentido. El resto del elenco es en general bastante bueno, aunque son Menzel y Bell quienes realmente brillan en la cinta. Una excepción es Josh Gad, quien como el ingenuo Olaf, hace un personaje inolvidable.

Como se mencionó anteriormente, tal vez "Frozen" no sea la primera película de Disney con un enfoque no tradicional, sin embargo, la calidad artística del trabajo de Chris Buck y Jennifer Lee elevan la cinta a un nivel similar al de los verdaderos clásicos de la empresa. El diseño de arte, de Michael Giaimo (quien trabajara en "Pocahontas"), es sobrecogedor, creando una atmósfera perfecta para el desolador invierno de Arendelle, que hace un paralelo con las emociones de Elsa respecto a su antiguo hogar. La música es tal vez el punto débil de la cinta, pues aunque la cinta cuenta con canciones realmente excelentes (la ya mencionada "Let It Go" por ejemplo), el resto se encuentra lejos de tener el mismo impacto dramático. Sin embargo, y aunque esto es un gran problema en un musical, la cinta no pierde nunca su fuerza gracias al gran cuidado con que los directores Buck y Lee desarrollan su historia. Lo más importante de esto es la forma en que Buck y Lee se adentran en el drama personal que viven sus personajes, lo que vuelve a la trama algo más que una historia de aventura, la vuelve hasta cierto punto, más íntima.

Mezcla de retorno a lo tradicional y reinvención de una vieja fórmula, "Frozen" toma lo mejor de los clásicos animados de Disney y le da un giro moderno que resulta más que bienvenido. Lo más interesante de "Frozen" es que nuevamente prueba que detrás de una gran película, debe haber una gran historia. El inteligente guión de Jennifer Lee es la columna vertebral de esta película, y la pieza instrumental que hace de "Frozen" una suerte de revalorización del cuento de hadas tradicional a la par de una reivindicación para los personajes femeninos en cintas de Disney. Aunque no carece totalmente de defectos, por lo fresco de su temática y su gran belleza artística, es justo considerar a "Frozen" como la película de Disney más importante de los últimos tiempos.

8/10

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Yi dai zong shi (2013)

Ip Man (ó Yip Man), legendario maestro de Wing Chun, nació en una familia acomodada en Foshan, China en 1893. Habiendo entrenado desde que tenía 13 años, Ip Man desarrolló su técnica de Wing Chun a un gran nivel de perfección, pero aunque enseñaba su estilo a algunos amigos, no deseaba abrir una escuela de artes marciales. Esto cambió tras la Guerra Civil China, cuando por motivos políticos Ip Man tuvo que abandonar Foshan en 1949 y mudarse a Hong Kong. Viviendo en la pobreza, Ip Man abrió finalmente una escuela de Wing Chun en Hong Kong (entre sus estudiantes figuraría un joven Bruce Lee), que pronto hizo famosa su arte marcial al rededor del mundo. Este estatus como gran maestro de Wing Chun, así como la época histórica que le tocó vivir, han hecho de Ip Man casi una figura mítica (similar a Wong Fei-hung), y su vida ha servido de inspiración para numerosos filmes comenzando con "Yip Man" en el 2008. Ese mismo año, el director hongkonés Wong Kar-wai anunció su propia cinta sobre Ip Man, pero el proyecto no pudo ver la luz sino hasta el año 2013, cuando finalmente se estrenó "Yi dai zong shi", "El Gran Maestro".

La trama de "Yi dai zong shi" comienza a principios de la década de los 1930s, cuando Ip Man (Tony Leung) vive una vida tranquila en Foshan como respetado artista marcial al lado de su esposa Zhang Yongcheng (Song Hye-kyo). El gran maestro de la región norte, Gong Yutian (Wang Qingxiang), llega a Foshan anunciando su retiro y la unción de Ma San (Zhang Jin) como su heredero, así como la búsqueda de un heredero para la región sur: quien lo derrote, será su heredero. Los maestros del sur piden a Ip Man que los represente, y éste logra obtener el respeto de Gong Yutian, quien lo declara vencedor. La hija de Gong Yutian, Gong Er (Zhang Ziyi) decide retar a Ip Man pues no lo considera digno. Tras su duelo comenzará una profunda amistad entre ambos, que se verá interrumpida por el comienzo de la Segunda guerra sino-japonesa. Durante la guerra, Ip Man enfrenta la pobreza en Foshan, mientras que en la región norte, un vengativo Ma San asesina al maestro Gong Yutian. A medida que los tiempos cambian en China, toda una generación de maestros de las artes marciales intentará sobrevivir.

A pesar de que "Yi dai zong shi" comienza como una aparente biografía del maestro Ip Man, la traducción literal de su título, "La generación del maestro", es tal vez la mejor descripción de lo que realmente es: una meditación sobre toda una época en la historia de las artes marciales. Así, tomando como base a Ip Man, el guión de "Yi dai zong shi" (escrito por Zou Jingzhi, Xu Haofeng y el mismo Wong Kar-wai) se adentra en reflexiones más bien filosóficas sobre la Guerra Civil China, haciendo un paralelo con la expansión de la enseñanza de las artes marciales. El sueño del maestro Gong Yutian sobre una unificación entre el kung fu del norte y el del sur termina cuando las fuerzas políticas dividen al país en medio de guerras, eventos que forzarán a los personajes a tomar decisiones que luego lamentarán. Y este melancólico lamento de arrepentimiento, tema familiar en el cine de Wong, resuena a lo largo de una historia en la que el conocimiento es una herencia preciada, y la perpetuidad de dicho conocimiento en la memoria, una cuestión de vida o muerte.

Estilísticamente, la cinta es también un recorrido por los terrenos familiares de Wong: poética en los diálogos, una bellísima y cuidada fotografía (cortesía de Philippe Le Sourd) y una narrativa inconexa. Lamentablemente, este último aspecto se vuelve problemático pues en el intento de capturar el espíritu de toda una generación, Wong pareciera perder el hilo y deja huecos inexplicables y tramas sin desarrollar (el personaje de "Navaja" Yixiantian bien podría ser removido y no habría problema). Al carecer de estructura sólida, la cinta se siente incompleta. Pero "Yi dai zong shi" no es solamente una recolección de las obsesiones temáticas de Wong, es también una cinta de artes marciales, y en este aspecto brillan las excelentes coreografías de peleas creadas por el legendario Yuen Woo-ping. Estudiando realmente el origen de las artes marciales, Yuen logra representar con relativa fidelidad los diversos estilos empleados por los maestros, enfocándose no en una exageración fantástica, sino en la belleza inherente en la correcta ejecución de la técnica. Es sin duda uno de los mejores trabajos de Yuen Woo-ping.

Tony Leung, rostro familiar en el cine de Wong Kar-wai, logra realmente adentrarse en el papel de Ip Man, haciéndolo un hombre arrogante pero disciplinado. El Ip Man que Leung crea es un esteta de las artes marciales que se sabe afortunado, pero no por eso abusa de su posición. El trabajo de Leung crece a medida que su personaje envejece, y la arrogancia de la juventud da paso a la serenidad tras una vida de penurias. Sin embargo, aunque Leung hace una actuación efectiva, es Zhang Ziyi como Gong Er quien roba cámara en "Yi dai zong shi". Como una mujer obsesionada con la venganza, Zhang Ziyi brinda una de las mejores actuaciones de su carrera, creando un personaje de gran complejidad y belleza. Con gran elegancia y fuerte presencia escénica, Zhang Ziyi logra expresar más con una mirada que con el poético diálogo de la cinta. Finalmente, Chang Chen aparece como "Navaja" Yixiantian, personaje cuya trama es tristemente olvidada en la cinta. Lo interesante es que a pesar de aparecer poco, Chang Chen logra crear un personaje con mayor impacto que el Ip Man de Tony Leung.

Quizás el aspecto más sobresaliente de la cinta de Wong Kar-wai es la belleza del trabajo del fotógrafo francés Philippe Le Sourd, quien logra retratar la melancolía de la visión romántica de Wong Kar-wai respecto a la época en que se ubica la cinta, así como la belleza de las artes marciales retratadas. Complemento perfecto del coreógrafo Yuen Woo-ping, la fotografía de Le Sourd realza el estilo y la técnica con gran belleza estética. Muy apropiado para una historia con personajes que valoran la perfección técnica sobre todas las cosas. Sin embargo, es desafortunado que la belleza de la fotografía y la excelencia de las actuaciones se pierdan en una narrativa que por momentos pareciera perder la dirección hacia la que va. Las historias de Ip Man, Gong Er y "Navaja" Yixiantian son en extremo interesantes, pero la película pareciera enfocarse en Gong Er y olvidar por completo a las otras dos, que terminan apresuradamente. La sensación final es que por alguna razón, "Yi dai zong shi" no es un filme completo, a pesar de que hay tres cortes diferentes de la cinta.

A pesar de este gran problema en su narrativa, "Yi dai zong shi" es una cinta de gran belleza visual, e impecable técnica cinematográfica. Wong Kar-wai logra crear una cinta de artes marciales reflexiva y filosófica sin perder el espectáculo de la acción inherente al género. Sería injusto esperar una biografía de Ip Man cuando lo que pretende Wong Kar-wai es adentrarnos en la memoria de una época perdida: el final de la Guerra Civil China. Como bien estableció el maestro John Ford: "When the legend becomes fact, print the legend". Wong Kar-wai se adentra en los mitos modernos en que se han convertido los viejos maestros de las artes marciales, y encuentra un grupo de personajes fascinantes que luchan por seguir adelante en un mundo que los ha dejado atrás. Lamentablemente, "Yi dai zong shi" no logra convertirse en la gran obra que pudo haber sido.

7/10

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Captain Phillips (2013)

El 8 de abril del 2009, un grupo de cuatro piratas somalíes abordaron el barco MV Maersk Alabama cuando se encontraba a 240 millas náuticas de la costa de Somalia. Al frente del MV Maersk Alabama se encontraba el capitán Richard Phillips, que tenía como misión llevar el cargamento a Mombasa, Kenia. La situación se tornó complicada cuando al no poder llevarse el barco, los piratas tomaron de rehén al capitán Phillips y huyeron en un barco salvavidas. Todo terminaría en un arriesgado rescate por parte del equipo SEAL de la marina estadounidense. El secuestro y rescate del capitán Phillips pronto se convirtió en noticia internacional, por lo que pronto se comenzó a preparar una adaptación cinematográfica. Tomando como base la crónica del secuestro escrita por el mismo Phillips, "A Captain's Duty: Somali Pirates, Navy SEALS, and Dangerous Days at Sea", el director Paul Greengrass y el guionista Billy Ray desarrollaron una historia con la intención de retratar el intenso drama de la historia. Con el sencillo nombre de "Captain Phillips" y Tom Hanks al frente del elenco, el intento no es malo, pero tampoco sorprendente.

En "Captain Phillips" (literalmente, "Capitán Phillips"), Tom Hanks interpreta al epónimo protagonista, el capitán Richard Phillips, quien toma el mando del carguero MV Maersk Alabama en el puerto de Salalah, en Omán. Su destino, Mombasa, lo obliga a seguir la peligrosa costa de Somalia, donde frecuentemente se viven ataques de piratas. Al mando del Maersk Alabama, Phillips muestra una excesiva preocupación por la seguridad, lo que no lo hace muy popular con su tripulación. Al mismo tiempo, el joven pirata somalí Abduwali Muse (Barkhad Abdi) reúne a una tripulación de cuatro personas con el fin de capturar un barco. Muse desea demostrar su valía como pirata, dado que es constantemente menospreciado por sus compañeros. El 8 de abril, los destinos de Muse y Phillips se enfrentan cuando la tripulación de Muse toma por asalto el MV Maersk Alabama, haciendo realidad los peores miedos de Phillips. Determinado a proteger a su tripulación, Phillips requerirá de todo su ingenio y habilidad para enfrentar a Muse y mantener el control de la difícil situación.

Escrito por Billy Ray (co-guionista de "The Hunger Games"), el guión de "Captain Phillips" procura no ser solamente un recuento de la historia de Phillips, sino hacer un estudio de la relación entre dos personajes aparentemente muy diferentes: el capitán Phillips y el capitán Muse. Al inicio, vemos a ambos preparar el viaje definitorio, Phillips revisando su barco mientras que Muse escoge a su tripulación de entre los jóvenes somalíes de su tribu. Phillips se enfrenta al descontento de su tripulación, mientras Muse se ve humillado por sus compañeros. Finalmente, ambos capitanes se enfrentan en una lucha de resistencia, con Phillips intentando manipular a Muse mientras que el joven pirata trata de demostrar (a su tripulación y a sí mismo) que él es el jefe. Este enfoque es interesante en el sentido de que permite adentrarse en el personaje de Abduwali Muse de una forma más humana, explorando sus miedos y sentimientos, dándole dimensiones más complejas que las de un villano típico. Esta atención a la psicología de los personajes es sin duda una gran virtud del guión de Ray, pero insuficiente para sostener el peso de la cinta.

Al timón de "Captain Phillips" se encuentra el director inglés Paul Greengrass, quien no es del todo ajeno a realizar filmes basados en tensas historias de la vida real (como prueba "United 93" del 2006). En "Captain Phillips" Greengrass imprime nuevamente su familiar estilo de cámara en mano, que da un tono de realismo documental a la película. La cámara del cinematógrafo Barry Ackroyd (quien ya había trabajado con Greengrass en "Green Zone" y en la ya mencionada "United 93") se adentra en la escena casi como participante más que como mero testigo de la acción, logrando capturar el drama humano que se desarrolla entre los personajes. Y es que es la difícil relación entre Phillips y Muse la que funciona como motor de la cinta. Ackroyd y Greengrass logran retratar esa relación que se forma no sólo en diálogos, sino en miradas y silencios. Sin embargo, cabe mencionar que el ritmo de la cinta decae en cierta forma, pues aunque Greengrass construye la tensión de un enfrentamiento entre piratas y tripulación, al momento en que Phillips es secuestrado, el drama se va por otro camino, y Greengrass no logra seguirlo del todo.

Son las actuaciones las que sin duda forman el mayor atractivo de "Captain Phillips", pues es en duelo actoral entre el veterano Tom Hanks y el debutante Barkhad Abdi donde está la fuerza de la cinta de Greengrass. Hanks retoma el rol de hombre ordinario que le ha dado tanto éxito en su carrera. Como Phillips, Tom Hanks construye a un personaje diferente del héroe típico: es un hombre común, arrogante y orgulloso, lleno de defectos pero con una fuerte determinación. Tom Hanks logra realmente desaparecer en el personaje y hacerlo real de una manera descarnada y verdadera. El joven Barkhad Abdi debuta en el cine haciendo un trabajo de un nivel sorprendente en el papel del pirata somalí Abduwali Muse. Greengrass, adepto a emplear actores con poca ó nula experiencia, tiene el gran mérito de encontrar y saber guiar a un talento como el de Abdi, que logra realmente capturar no sólo la esencia de un personaje tan complejo como Muse, sino el espíritu mismo del pueblo somalí, que vive oprimido y encuentra en la piratería una manera de sobrevivir.

Como se mencionó anteriormente, es este el gran mérito de "Captain Phillips", el lograr construir personajes complejos en un mundo que no es blanco y negro. El reconocer la humanidad en sus personajes y partir de ahí para elaborar su discurso: Muse es a fin de cuentas, un joven pescador con sueños que parecen imposibles en su difícil realidad. Sin embargo, de aquí surge un problema en el drama que "Captain Phillips" desarrolla, pues llega un momento en que la historia se vuelve más interesante desde la perspectiva de los piratas. No sólo es el hecho de que se ha logrado que Abduwali Muse sea tan o más simpático que Phillips, sino que finalmente es una historia donde un grupo de cuatro jóvenes piratas se enfrentan al ejército más poderoso del mundo. La cuestión de la supervivencia de Phillips se achica frente a la tragedia de Muse, quien sólo busca una salida y que, como muchos de sus sueños, es imposible de lograr. Y sin embargo, a pesar de lo fascinantes que podrían resultar estos personajes, Greengrass retorna a la fórmula tradicional en el clímax para recordarnos que eran los malos de la película.

Finalmente, pareciera que "Captain Phillips" se debate entre ser dos tipos de película, por un lado se encuentra un drama que retrata una situación real y explora a los personajes como seres humanos complejos y reales; y por el otro una cinta de supervivencia donde se tiene claro quienes son los buenos y quienes los malos. En "Captain Phillips", Greengrass pareciera haber comenzado haciendo la primera película y terminando en la segunda. Al final de la cinta, pareciera que el tenso conflicto entre Phillips y Muse se diluye en el dispar enfrentamiento entre los piratas y la eficiente marina estadounidense. Aunque técnicamente impecable y con dos brillantes actuaciones por parte de Tom Hanks y Barkhad Abdi, "Captain Phillips" carece un poco de tacto al hablar del complejo tema de la piratería somalí y se pierde al intentar resolver el conflicto en el que se mete.

6/10

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Looper (2012) @ Habitación 101

El estreno de la cinta "Looper" del director Rian Johnson nos remite nuevamente a una pregunta ancestral: ¿Se puede cambiar el pasado? Esto porque Johnson aborda en su película ese complicado y a veces problemático concepto de los viajes en el tiempo. Sin embargo, Johnson le da un giro especial: en el 2074 existen los viajes en el tiempo pero son ilegales, por lo que sólo son empleados por la mafia. La mafia de esa época encuentra muy difícil deshacerse de los cuerpos de sus enemigos, por lo que en vez de matarlos los manda al pasado, al 2044 para ser exactos, donde son recibidos por asesinos a sueldo que los liquidan e incineran. Estos asesinos son llamados "Loopers" pues en su contrato está específicado que un día se recibirán a ellos mismos para cerrar su ciclo "loop". Tras matar´a su versión del futuro, podrán retirarse y vivir una buena vida hasta que les toque ser enviados al pasado a morir. Suena complicado, pero no lo es tanto, y da pie a una de las mejores cintas de acción y ciencia ficción del año 2012. Johnson, quien se diera a conocer con "Brick", hace una interesante cinta futurista donde lo más importante no es lo visual, sino sus personajes. De esto y más escribo en Habitación 101, donde me publicaron una reseña de "Looper". Además, Habitación 101 se encuentra en esta ocasión haciendo una interesante cobertura de la nueva cinta de Tim Burton, "Frankenweenie", abordando la vida y obra del cineasta californiano y su relación con el cine animado de terror. Nuevamente los invito a visitar "Habitación 101"!

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Hecho en México (2012)

Retratar la identidad de un nación no es una tarea fácil, dado que quien lo intenta se enfrenta al hecho de que dicha identidad rara vez proviene de una absoluta homogeneidad cultural, sino que mas bien es el resultado de las múltiples culturas que forman dicha nación. Culturas que normalmente son bastante diferentes entre sí a pesar de formar un sólo país. Y sin embargo, esto es precisamente lo que intentan los productores Lynn Fainchtein y Duncan Bridgeman en el documental "Hecho en México": hacer un retrato de la identidad nacional de México, un retrato que identifique la Mexicanidad de casi 116 millones de personas de diversos trasfondos culturales. Para realizar esto, Fainchtein y Bridgeman tomaron como punto de partida un tema que ambos dominan bastante bien, la música (pues Fainchtein ha sido supervisora musical de numerosos largometrajes y Bridgeman es uno de los creadores del proyecto de world music "1 Giant Leap"). Así, "Hecho en México" es un documental que emplea la música mexicana en un intento por retratar la identidad de los mexicanos. Sin embargo, las cosas no resultan muy bien.

En "Hecho en México", un nutrido grupo de músicos mexicanos (y alguno que otro extranjero) prestan sus talentos para mezclar sus diferentes estilos y formar una banda sonora que refleje la identidad nacional de México. Mezclada por Bridgeman, la música sirve como el hilo conductor de diversas entrevistas con músicos, artistas, filósofos e intelectuales, que brindan sus opiniones respecto a lo que para ellos es la mexicanidad. Estas opiniones giran en torno a temas tales como el amor, la muerte y la religión (entre otros), buscando como va surgiendo la mexicanidad alrededor de estos conceptos. Todo esto a la par que se visitan diversos rincones del país, mostrando sus bellezas naturales, sus pueblos y ciudades, sus habitantes y sus respectivas culturas, y finalmente como éstas llegan a reflejar la mexicanidad en sus diversas expresiones artísticas. Todo mientras la música va acompañando el viaje, con los músicos moviéndose lo mismo por sus espesas selvas que por sus milenarias ruinas, pasando por los callejones y caminos de sus grandes ciudades.

Realizada sin seguir un guion establecido, "Hecho en México" se construye a partir de las entrevistas a las diversas personalidades que opinan sobre la mexicanidad, ahondando en los diferentes conceptos que forman la estructura del filme. Además de los ya mencionados temas de amor, muerte y religión, se abordan conceptos de espiritualidad, las drogas, el tema de la frontera con los Estados Unidos, además de las relaciones de pareja y el sexismo. Sin embargo, esta construcción, basada solamente en un grupo de conceptos tan abstractos y generales resulta en entrevistas bastante superficiales donde no se cuida realmente el establecer un punto concreto, sino solamente hablar por hablar. Y no es tanto que sea culpa de los entrevistados, sino de que pareciera que no se les brindó material para elaborar más allá de un concepto. La mexicanidad es un concepto tan amplio que al ser tratada de forma tan vaga los fuerza a caer en lugares comunes y en algunos casos, verdaderas ridiculeces. Claro, hay excepciones notables, pero la constante en los testimonios es la opinión vacía.

El británico Duncan Bridgeman toma el asiento de director, y se encarga de dar un orden a la colección de ideas que forma a "Hecho en México", y para hacerlo, recurre a su habilidad como mezclador de sonido para transformar la música mexicana en la columna vertebral de la cinta. Como había logrado ya como parte de "1 Giant Leap" (proyecto en el que junto con Jamie Catto grababan y mezclaba música e imágenes de diferentes partes del mundo para su concepto audiovisual), Bridgeman combina con gran habilidad la música mexicana, tradicional y contemporánea, rural y urbana, norteña y sureña; logrando atractivos números musicales que dan forma a "Hecho en México". Así, la mezcla de Bridgeman resulta en un híbrido musical donde los diferentes estilos musicales originarios de México se funden en una sola canción. Este es el logro más grande de "Hecho en México", o más bien el único, pues esa definición de la mexicanidad, que los testimoniales dejan en un mero psudointelectualismo barato, es realmente encontrada por los músicos en la fusión de sus diferentes talentos, de sus diferentes ritmos.

Sin duda la música armada por Bridgeman es el principal atractivo de la cinta, más no el único, pues la película cuenta con una excelente labor de fotografía realizada por Gregory W. Allen, Lorenzo Hagerman y Alexis Zabé, quienes logran capturar imágenes de gran belleza. Sin embargo, los méritos técnicos no logra salvar a "Hecho en México" de sus múltiples defectos, que se centran en la irónica falta de identidad que sufre la película. Es decir, el documental "Hecho en México" pareciera intentar ser al mismo tiempo un videoclip, un promocional turístico y un estudio sociológico. Tristemente, solo como videoclip es que logra funcionar medianamente bien, pues mientras que los momentos puramente musicales son muy interesantes, la manera en que las entrevistas arman la cinta sólo deja ver que Bridgeman y Fainchtein carecen de una idea certera de lo que es la mexicanidad. Y aunque como extranjero el director Duncan Bridgeman bien podría haber brindado una perspectiva interesante al ver a México desde fuera, opta por el cliché, el lugar común y retrata a México con la fascinación de un turista.

Ciertamente, el director Duncan Bridgeman tiene un gran talento como productor musical, talento que ha demostrado ya en "1 Giant Leap" y que nuevamente explota al máximo en "Hecho en México". Sin embargo, la diferencia entre su anterior "1 Giant Leap" y esta cinta es que el primero es un proyecto carente totalmente de pretensiones más allá de las musicales, mientras que en el ambicioso documental "Hecho en México" se adentra a una cuestión mucho más compleja y que no logra definir del todo. Las ideas expuestas, en su intento por ser rebeldes e irreverentes, resultan ridículas y sensibleras, lo cual no sería tan malo si no fuera porque al final realmente no dicen nada. Superficial, vacía y sin una identidad propia, "Hecho en México" es una cinta que tristemente sólo se puede disfrutar como un escaparate posmoderno de la música mexicana, pues como documental es totalmente fallida.

4/10
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To Rome with Love (2012) @ Habitación 101

Hay cineastas con una capacidad muy notable para retratar las historias que ocultan las ciudades; para dentrarse en sus callejones, plazas, parques y casas, con el fin de encontrar un poco de lo que las vuelve mágicas. El director norteamericano Woody Allen es uno de ellos, quien nos ha llevado a descubrir desde su propio Manhattan hasta Londres, Barcelona y más recientemente París. Este pintoresco turista ahora viaja a Roma para rodarle una carta de amor no sólo a la Ciudad Eterna, sino a uno de los cineastas que más han influido en su carrera: el legendario Federico Fellini. La cinta, "To Rome with Love", es un compendio de 4 historias diferentes, las cuales tienen como común denominador el que están situadas en la capital de Italia. Así, Allen emplea la Roma de Fellini para explorar nuevamente sus obsesiones con el amor, la muerte, las relaciones de pareja y la fama, en un buen cuarteto de historias de comedia. Lo negativo de "To Rome with Love" es que simplemente no se encuentre al nivel del mejor cine de Allen, el cual es una pesada carga para esta divertida película (pues vaya, no todas las películas pueden ser "Annie Hall"). De esto y más escribo en Habitación 101, donde se ha publicado una reseña más completa al respecto de este nuevo viaje de Woody. Además, el tema de Octubre es referente al reciente remake de "Frankenweenie" de Tim Burton, así que encontrarán artículos sobre este cineasta californiano, su obra y su influencia en el cine animado moderno. Además de por supuesto reseñas de otros estrenos recientes. Los invito nuevamente a visitar Habitación 101.

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Chernobyl Diaries (2012) @ Habitación 101

La explosión del reactor nuclear de Chernobyl, acaecida el 26 de Abril de 1986 fue uno de los eventos más importantes de esa década, marcando a una generación entera que descubría (al no haber vivido el bombardeo de Hiroshima y Nagasaki) el horror nuclear. Naturalmente, el desastre de Chernobyl ha servido de inspiración para múltiples obras artísticas, las cuales reflejan el miedo a la destrucción nuclear causada por la radiación. "Chernobyl Diaries", película escrita por Oren Peli (quien saltara a la fama con "Paranormal Activity") y dirigida por el debutante Bradley Parker, es un ejemplo perfecto de ello. Inspirada por los tours que llevan a los turistas a la ciudad abandonada de Prypriat, Peli escribe una historia donde un grupo de jóvenes descubren que algo ha sobrevivido todos estos años en la ciudad fantasma. Aunque Peli produce la cinta, "Chernobyl Diaries" no es nada similar a su "Paranormal Activity", pues el director Bradley Parker crea una película de terror bastante más tradicional. Y a decir verdad, no lo hace tan mal, pues saca mucho provecho de la atmósfera de la historia. Tristemente, el guion de Peli no es muy bueno, y eso repercute en la cinta. De esto trata una reseña que escribí para Habitación 101, revista digital donde ocasionalmente me invitan a colaborar. Como siempre, los invito a visitar Habitación 101, donde encontrarán mi reseña de "Chenrobyl Diaries" y algunas más sobre cintas de horror de reciente estreno tales como "Abraham Lincoln: Vampire Hunter", "Red Lights" y "House at the End of the Street". Adéntrense en Habitación 101, seguramente encontrarán algo de su agrado.

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This review was originally published in Spanish for Habitación 101 on July the 7th of 2012. Habitación 101 is a great site to check for news and reviews on cinema and theatre in Spanish.

Get the Gringo (2012) @ Habitación 101

Durante los años 80s y 90s, posiblemente no había estrella más grande en el cine Americano que Mel Gibson. El actor americano avecindado en australia que había saltado a la fama con cintas como "Gallipoli" y "Mad Max" se había consagrado en Hollywood con su actuación como Martin Riggs en "Lethal Weapon", convirtiéndose en sex symbol gracias a su imagen de tipo rudo pero con corazón. Todo parecía ir viento en popa para Gibson, incluso logrando el salto a la silla de director con las películas "The Man Without a Face" y "Braveheart". Sin embargo, pronto se vió vuelto en escándalos debido a controversiales declaraciones que desencadenaron acusaciones de homofobia y racismo (que aunada a su postura ultraconservadora, no le han ganado muchos amigos en Hollywood). En fin, tanto fue el escándalo que Mel Gibon pareció retirarse de los escenarios un buen tiempo. Hasta que en el 2010 regresó con el thriller "Edge of Darkness" y luego en el debut de Jodie Foster, "The Beaver". Sin embargo, es en "Get the Gringo" (2012) donde parece que el viejo Mel ha vuelto. La razón de esto es que la cinta, dirigida por Adrian Grunberg, nos trae de regreso al tipo de personajes que le dieron a Gibson las llaves de Hollywood: el tipo rudo de buen corazón. Sobre esta cinta trata una reseña que ha sido publicada en Habitación 101, revista digital donde ocasionalmente colaboro. Nuevamente, los invito a visitar Habitación 101 donde continúa el tema de Septiembre hablando de las visceras, sangre y sesos que involucra el género zombie con motivo del estreno de "Resident Evil: Retribution". Además de las usuales reseñas, críticas y ensayos sobre temas de cine y cultura en general. Así que visiten Habitación 101. Well recommended.

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Act of Valor (2012) @ Habitación 101

Casi desde el principio de su historia, se descubrió en el cine a una buena herramienta para transmitir un mensaje, función que naturalmente se adaptaba muy bien al medio comercial, pero que pronto fue puesta también al servicio de gobiernos, asociaciones y causas definidas al notar su potencial propagandístico. Una película de propaganda es la que presenta "Act of Valor" (conocida en México como "Invencibles"), cinta estadounidense que narra la historia de un grupo de SEALs (Unidades Mar, Aire y Tierra) que enfrentan a un terrorista Ruso. De entrada, la trama indica a donde va la cinta, pues naturalmente habrá múltiples escenas de acción donde se lucirán los SEALs. Sin embargo, "Act of Valor" peca de dos graves problemas: su pesado patriotismo excesivo y su absoluta falta de originalidad. Bueno, la verdad es que "Act of Valor" peca de muchos otros problemas, y de esto trata un texto que he escrito para Habitación 101, revista digital donde me pude publicar una reseña relativa a esta tan pobre película. Y no es que el cine de propaganda sea necesariamente malo (como prueba, basta ver el resultado del cine Soviético de los años 20s, que es tan influencial y artístico en su técnica como propagandístico en su tema), es sólo que bueno, el chauvinismo es el menor de los problemas en "Act of Valor". Pero bueno, los invito a visitar Habitación 101, dónde además de revisar temas relativos al cine y a la cultura en general, se enfoca este mes al cine de zombies con motivo del estreno de "Resident Evil: Retribution", quinto capítulo de la saga de filmes inspirados por el videojuego de Capcom. Así que ya se sea fan del juego, de las películas o de los muertos vivientes, bien valdría la pena echar un vistazo a Habitación 101.

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Trespass (2011) @ Habitación 101

Desde la realización de "Batman & Robin" en 1997, la carrera del director norteamericano Joel Schumacher ha vivido múltiples altibajos. Y es que quien comenzara su carrera con cintas tan promisorias como "The Lost Boys", ha venido realizando una serie de fallidas cintas que hacen difícil creer que es el mismo director de la excelente "Falling Down", aquella mítica cinta donde Michael Douglas explotaba contra el sistema. "Trespass" (en México llamada "Sin Salida") del año 2011, es una más de estas problemáticas películas donde se aprecia que Schumacher es un artesano impecable, pero que carece de tacto para desarrollar sus historias. O dicho de otro modo, domina el aspecto técnico como pocos, pero no logra generar emociones. Aunque hay que señalar que Schumacher no es lo peor de esta cinta protagonizada por Nicolas Cage y Nicole Kidman: el gran culpable es el horrible guión. Podría continuar, pero mejor los invito a visitar la reseña completa en Habitación 101, donde nuevamente me han publicado el texto referente a esta debacle donde se ven involucrados Kidman y Cage, que parecen haber estado o muy necesitados de dinero, o muy dispuestos a ayudar a su viejo amigo Joel (recordemos que ambos ya han trabajado con él). Sean cuales fueran las razones, ambos están ahí, tratando de salir adelante de un desastre que, aunque no de las proporciones de "Batman & Robin", está mucho muy por debajo de lo que Schumacher ha hecho en el pasado. Visiten Habitación 101 para esta y otras críticas de cine, además de un recorrido por el arte y la cultura. Este mes hay una cobertura especial con motivo del estreno de "The Dark Knight Rises" así que vale la pena darse una vuelta por allá.
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Colosio: El Asesinato (2012)

23 de Marzo de 1994, el candidato a la presidencia de México por el Partido Revolucionario Institucional, Luis Donaldo Colosio, encabeza un evento de campaña en la colonia Lomas Taurinas en la ciudad de Tijuana. Termina su discurso y baja del templete, avanzando entre la multitud hacia el vehículo en el que se movería a otro evento. Durante su paso, se acerca un hombre con un revolver y le dispara en la cabeza. Momentos después recibiría un segundo disparo en el abdomen y fallecería horas después en el hospital. El asesinato de Colosio marcaría la historia política de México para siempre, pues dejó múltiples dudas sobre quien realmente estaba detrás de la muerte del candidato. Aunque la versión oficial determinó que fue un asesino solitario, la teoría sobre un complot dentro del Partido siempre ha estado en el aire. Y sobre esta teoría se basa la cinta del director Carlos Bolado, quien aborda el magnicidio en Lomas Taurinas en "Colosio: El Asesinato".

Ubicada en 1994, "Colosio: El Asesinato" comienza con la noticia de la muerte del candidato en Lomas Taurinas, la cual es vista en televisión por el agente Andrés Vázquez (José María Yazpik) y su familia. A la par de la investigación oficial, el Presidente encarga una investigación paralela, secreta, que permita identificar a los autores intelectuales del crimen. Es así como Andrés es llamado a participar en la operación, bajo las ordenes del Licenciado (Odiseo Bichir), a quien le reportará el resultado de sus investigaciones. Andrés reune a su equipo y comienzan a investigar a los involucrados en la campala de Colosio (Enoc Leaño), mientras que en Tijuana, el jefe de policía local, Benítez (Dagoberto Gama) también investiga por su cuenta. Sin embargo, el trabajo se complica pues alguien está eliminando a los sospechosos que Andrés y Benítez van identificando. Alguien que no quiere que la verdad detrás del asesinato de Colosio se sepa.

Escrita por Hugo Rodríguez, Miguel Necoechea y el director Carlos Bolado, "Colosio: El Asesinato" se desarrolla como un thriller político donde se sigue por un lado la investigación que llevan Andrés y Benítez al rededor del crímen, y por el otro las tramas ocultas entre los miembros de la política mexicana. Aunque la cinta alcara inicialmente que es un trabajo de ficción, el guión de "Colosio: El Asesinato" incluye personajes claramente basados en personas reales y con ciertas libertades históricas, va armando su complot siguiendo la teoría más popular al respecto, en una forma que remite al "JFK" de Olver Stone. Más allá de la política, es interesante la ágil forma en que Rodríguez, Necoechea y Bolado construyen la trama con el fin de mantener la acción fluyendo sin dejar de lado su aguda crítica contra el Partido Revolucionario Institucional. Claro, hay elementos que no están del todo desarrollados, como el lado romántico de la historia, que se siente fuera de lugar.

La labor de dirección de Carlos Bolado es dinámica y efectiva, moviéndose entre las diferentes líneas narrativas sin problemas apoyándose en una buena labor de montaje y en un hábil manejo del recurso del flashback. En general la narrativa visual de Bolado es bastante apropiada y su mejor logro es el crear una ominosa atmósfera de temor e incertidumbre que se mantiene durante toda la película. Con sumo cuidado, Bolado va construyendo la sensación de paranoia que comienza a rodear a Andrés y a su equipo a medida que avanza su investigación. El trabajo de fotografía realizado por Andrés León Becker es sencillo pero efectivo, generando una atmósfera específica para cada escenario de la investigación, aunque todas, desde la aridez de Tijuana a las frías paredes del Palacio de Gobierno, con el común denominador de evocar la sensación de desolación. Es bueno reconocer la labor de Sandra Cabriada en el diseño de producción, que logra evocar la época con verosimilitud.

Al frente del reparto, José María Yazpik realiza un buen trabajo como el agente Andrés, evocando con facilidad la seguridad y profesionalismo de su personaje. Aunque Yazpik tiene un rango un tanto limitado, en el rol de Andrés encuentra un papel que le permite explotar su talento y presencia escénica. Y aunque la cinta tiene en Yaspik a un protagonista definido, el filme cuenta con una trama que permite a los demás personajes brillar. Afortunadamente, el elenco saca provecho de esto y la cinta presenta excelentes actuaciones de soporte. Esto es particularmente notorio en el caso de Dagoberto Gama, quien brinda un excelente trabajo como el solitario Benítez, y en Daniel Giménez Cacho, soberbio en su papel del Doctor (velado retrato de José María Córdoba Montoya), el maquiavélico asesor del Presidente. La actuación de Giménez Cacho destaca por su intensidad contenida, la cual deja siempre constancia de su presencia aún y cuando no está en pantalla. Sin duda la mejor actuación del filme.

Hay también buenas actuaciones por parte de Tenoch Huerta, Luis Ernesto Franco y Karina Gidi, quienes interpretan a los agentes que forman parte del equipo de Andrés. Sin embargo, lamentablemente hay dos actuaciones que le restan mucha fuerza a la cinta. La primera es la de Odiseo Bichir, quien interpreta a el Licenciado, resulta demasiado teatral en su interpretación y se siente fuera de lugar en el tono de la cinta. Kate del Castillo es la segunda, faltándole presencia en su actuación y dejando a su personaje como una nota al pie. Sin emabrgo, en su caso ciertamente influye el que su personaje sea tan poco desarrollado, limitándose a representar el papel de esposa olvidada por un Andrés absorbido en su trabajo. Este es quizas el problema principal de la cinta, el que por momentos se pierda entre todas las líneas narrativas y deje más de una sin desarrollar mucho. Aunado a esto cae en el gran problema de las cintas de conspiración: su argumento llega a forzar un poco el sentido común.

Sin embargo, es de reconocer que el director Carlos Bolado logra una atmósfera de paranoia tan fuerte que estos detalles no impiden se disfrute la cinta. "Colosio: El Asesinato" quizás no se vuelva un clásico en el género, más sin embargo resulta una bien lograda cinta que se atreve a tocar un tema que el cine comercial Mexicano no había abordado antes (en el cine independiente existe el referente de "Magnicidio. Complot en Lomas Taurinas" del 2002). A pesar de sus problemas, "Colosio: El Asesinato" de Carlos Bolado es un thriller inteligente que más allá de su discurso político, muestra como el asesinato de Colosio es una sombre que aún permanece sobre la política mexicana.

7/10
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Emergo (2011) @ Habitación 101

El joven cineasta español Rodrigo Cortés saltó a la fama en el 2010 con la realización de "Buried", cinta de suspenso que contaba con la participación de Ryan Reynolds en el papel principal. El éxito internacional obtenido con esta cinta permitió a Cortés el desarrollar con mayor libertad su próximo proyecto, el cual trataría de lo paranormal. Titulada "Red Lights", ésta cinta demandó un buen grado de investigación por parte de Cortés, quien se empapó del tema con el fin de realizar una fiel representación del tema de la investigación paranormal. Tanta fue su investigación que el tema le dió a Cortés para dos guiones, "Red Lights" y otro que tituló "Emergo". De éste último guión es del que escribo en un artículo escrito para Habitación 101, donde ya con anterioridad se me ha invitado a colaborar con reseñas. Lo interesante de "Emergo" es que Cortés ha decidido devolver un poco de lo que el destino le ha dado y ha optado por darle la oportunidad a un debutante de producirle "Emergo" como ópera prima. El afortunado fue un joven llamado Carles Torrens, quien tras impresionar a Cortés con sus cortometrajes, recibe la tarea de llevar a "Emergo" a la pantalla grande. Retitulada internacionalmente con el nombre de "Apartamento 143", la película desafortunadamente no obtiene los resultados que se hubieran esperado, y resulta ser un tanto mediocre, aunque sin duda para Torrens la experience debe haber sido muy aleccionadora. Más detalles en mi reseña en Habitación 101, donde además encontrarán información relativa a la cultura y las artes.
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The Hunger Games (2012)

De acuerdo a la escritora Suzanne Collins, el concepto que se convertiría en "The Hunger Games" le surgió mientras cambiaba de canal en su televisor, y observo el contraste entre los reality shows y la guerra en Iraq. Con estas imágenes en la cabeza, Collins tomó el mito de Teseo como base y desarrollo una novela de ciencia ficción y romance sobre una sociedad futurista donde la televisión y la muerte están fuertemente relacionados. Publicada en el año 2008, "The Hunger Games" apareción en un momento en que la literatura para jóvenes adultos se encontraba en su mejor momento en cuanto a ventas: Stephanie Meyer se encontraba en la cima con "Twilight" y existía un público cautivo que recibió a los libros de Collins con los brazos abiertos. Naturalmente, una adaptación cinematográfica no se hizo esperar, y cuando la serie de cintas de "Twilight" está por terminar, el director Gary Ross iniciaría la serie de cintas de "The Hunger Games".

"The Hunger Games" (ó "Los Juegos del Hambre") ocurren en la futurista nación de Panem, la cual está formada por doce distritos gobernados por un Capitolio. Tras la rebelión y eventual destrucción del Distrito 13, el Capitolio instauró los Juegos del Hambre, un evento televisado en cadena nacional donde dos jóvenes de cada distrito, un hombre y una mujer, son seleccionados en una lotería anual como "tributos" para pelear entre sí en una lucha a muerte, hasta que quede sólo uno de ellos. La historia comienza en el empobrecido Distrito 12, cuando la joven Primrose Everdeen (Willow Shields) es escogida como tributo para los 74° Juegos del Hambre. Al ver esto, su hermana mayor, Katniss (Jennifer Lawrence), decide intercambiar su lugar con ella y participar a los Juegos del Hambre, pues sabe que su pequeña hermana Prim no sobreviviría. Este acto de Katniss será su entrada a los Juegos y el principio de su lucha contra el Capitolio.

Adaptada a la pantalla por la misma Suzanne Collins en colaboración con el guionista Billy Ray y el director Gary Ross, "The Hunger Games" es relativamente fiel a la novela que la origina, narrando el progreso de Katniss y su compañero de Distrito, Peeta (Josh Hutcherson), através de los Juegos, así como la relación que se va formando entre ambos. Como la novela, el guión se enfoca totalmente en el personaje de Katniss, y a tarvés de sus ojos nos adentra a esta sociedad donde el entretenimiento controla a las masas. Sin embargo, otra herencia de la novela es que se da un mayor peso a la relación que se forma entre Katniss y Peeta y el conflicto que esto causa en la joven en relación a sus sentimientos por su mejor amigo Gale, quien se quedó en el distrito. La historia se mueve ágilmente, aunque se resienten los detalles eliminados en la adaptación, pues muchos aspectos de la trama quedan explorados muy superficialmente.

El director Gary Ross emplea una serie de estilos visuales bien definidos para narrar su cinta, apollándose en el efectivo trabajo de cinefotografía de Tom Stern. Para esto, brinda un deslavado look de la Gran Depresión para el humilde Distrito 12, y lo contrasta con el colorido mundo kitsch del Capitolio. Sin embargo, con el afán de imitar el estilo de la reality tv, Ross y Stern abusan un poco del "shaky cam", que se vuelve un tanto molesto. El diseño de producción de Philip Messina es bastante interesante pues, con un cierto grado de minimalismo en su construcción, logra un estilo futurista que genera la atmósfera apropiada sin robarle cámara a la historia, que es en lo que el director Gary Ross se enfoca principalmente. Este enfoque en el lado humano de su trama sigue la línea de la novela, donde son los sentimientos de Katniss quienes tienen preponderancia sobre cualquier posible aspecto de crítica social de la premisa.

Cargando con el peso de la película se encuentra Jennifer Lawrence como Katniss Everdeen, quien logra transmitir efectivamente la fuerza interior que tiene su personaje. Lawrence brinda a Katniss una intensidad contenida, muy apropiada para un personaje tan independiente como el suyo. De hecho, quizás el único problema de la interpretación de Katniss es el hecho de que no luce físicamente como alguien que ha pasado hambre. Lo mismo ocurre a Josh Hutcherson, quien interpreta a su compañero, Peeta Mellark. Sin embargo, este es sólo el menor de los problemas de Hutcherson, pues su actuación es considerablemente inferior a la de Lawrence, careciendo de la naturalidad y presencia de su contraparte y quedando muy acartonado y estático en su interpretación. El resto del elenco tiene algunos momentos interesantes, aunque en general, es poco el tiempo en pantalla que pueden aprovechar, pues todo el enfoque está sobre Katniss y Peeta.

Este es quizás el mayor problema de "The Hunger Games" como película de ciencia ficción, pues al centrarse exclusivamente en la relación entre Katniss y Peeta, quedan de lado no sólo los personajes secundarios, sino cualquier exploración del mundo que Collins ha creado en su historia. De hecho, la explicación de la premisa de "The Hunger Games" queda reducida a una mera introducción narrada al principio, la cual no es muy clara en su explicación del poder del Capitolio sobre los 12 distritos. En general, cualquier intento por adentrarnos en el funcionamiento de la sociedad de Panem queda muy superficial, evitando la posibilidad de poder llevar la trama a algúna crítica social. Esto es especialmente notorio en el hecho de que la gran implicacion dramática de la premisa, el tener a adolescentes matándose entre sí por un premio, no es realmente explorada, y pareciera que a ninguno de estos jovenes les afecta el de pronto verse obligados a matar.

Ciertamente, nada de esto evita que "The Hunger Games" sea entretenida, y en general, el director Gary Ross hace un trabajo apropiado en su adaptación cinematográfica. Sin embargo, sí deja una sensación de que algo le falta a la cinta, de que está incompleta de alguna manera. Al enfocarse totalmente en las relaciones amorosas de Katniss, se ha dejado de lado el gran potencial que la premisa carga consigo, y el resultado es que más que una cinta de ciencia ficción con romance incluido, "The Hunger Games" es una cinta de romance adolescente donde de vez en cuando hay muerte y de vez en cuando hay ciencia ficción.

6/10
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My Week with Marilyn (2011) @ Habitación 101

A través de sus más de 100 años de historia, el cine como expresión artística ha creado sus propias leyendas, sus propios mitos. Dadas sus característica como medio audiovisual, lo que el cine nos deja son imágenes íconicas que se vuelven parte de nuestra cultura. Así, actores como Charlie Chaplin, John Wayne y Louise Brooks, han dejado para siempre una huella imborrable dentro del imaginario colectivo. Pero ninguno de estos íconos iguala a Marilyn Monroe. El sex symbol por excelencia, Monroe representa una época de glamour y de cambio en el cine norteamericano. Es a la vez ícono de la era del oro y heraldo de los cambios que vendrían. Y esto no sólo por sus películas, sino por su historia personal. Norma Jean Mortensen se volvió Marilyn Monroe y cambió para siempre el concepto de "estrella de cine". Y sin embargo, dentro de esa figura de exhuberante sexualidad y fuerte presencia se encontraba una mujer insegura e incluso frágil que buscaba la aceptación del mundo. Su complicada (y pública) vida) y temprana muerte la volvieron un ícono inmortal que continúa ligado a la industria fílmica norteamericana. Este mito es nuevamente explorado por el cineasta británico Simon Curtis en "My Week with Marilyn", que presenta la historia del viaje de Marilyn al Reino Unido para actuar en "The Prince and the Showgirl" junto a Sir Laurence Olivier. En Habitación 101 se ha publicado mi reseña de la película, y aquí los invito a leerla en sus páginas, donde además hay información relativa a la cultura y las artes.
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The Best Exotic Marigold Hotel (2011) @ Habitación 101

Nuevamente he publicado un artículo en Habitación 101, una revista digital para la que ocasionalmente colaboro con reseñas de cine reciente. En esta ocasión, la película en cuestión es "The Best Exotic Marigold Hotel" (llamada en México como "El Exótico Hotel Marigold"), una cinta dirigida por John Madden quien tras haber realizado el thriller "The Debt" regresa a la comedia con una entretenida historia que trata sobre una situación que eventualmente todos enfrentamos: envejecer. Reuniendo a un elenco de gran calidad, Madden presenta la vida de un grupo de ancianos Británicos que se encuentran en un viaje al Hotel Marigold, una casa de reposo en la India en la que pretenden pasar sus últimos años. Las razones que los llevan ahí son diferentes, y es en esas diferencias entre los diversosn personajes donde se encuentra la magia de "The Best Exotic Hotel Marigold", pues más que tratarse de un viaje a la India es simplemente una comedia sobre las relaciones humanas. Con una gran habilidad, Madden logra hilar explorar este tema al ir hilando las vidas de este particular grupo de ancianos, aunque en sí lo interesante de la cinta es ver a Judi Dench, Bill Nighy, Tom Wilkinson y demás figuras clave del cine Británico, compartir la escena y divertirse. Mayores detalles, en la reseña, y no olviden revisar Habitación 101, siempre llena de contenido interesante respecto del cine y las artes. Y por cierto, vienen grandes cambios en el sitio de la revista, así que hay que estar atentos.
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