Emergo (2011) @ Habitación 101

El joven cineasta español Rodrigo Cortés saltó a la fama en el 2010 con la realización de "Buried", cinta de suspenso que contaba con la participación de Ryan Reynolds en el papel principal. El éxito internacional obtenido con esta cinta permitió a Cortés el desarrollar con mayor libertad su próximo proyecto, el cual trataría de lo paranormal. Titulada "Red Lights", ésta cinta demandó un buen grado de investigación por parte de Cortés, quien se empapó del tema con el fin de realizar una fiel representación del tema de la investigación paranormal. Tanta fue su investigación que el tema le dió a Cortés para dos guiones, "Red Lights" y otro que tituló "Emergo". De éste último guión es del que escribo en un artículo escrito para Habitación 101, donde ya con anterioridad se me ha invitado a colaborar con reseñas. Lo interesante de "Emergo" es que Cortés ha decidido devolver un poco de lo que el destino le ha dado y ha optado por darle la oportunidad a un debutante de producirle "Emergo" como ópera prima. El afortunado fue un joven llamado Carles Torrens, quien tras impresionar a Cortés con sus cortometrajes, recibe la tarea de llevar a "Emergo" a la pantalla grande. Retitulada internacionalmente con el nombre de "Apartamento 143", la película desafortunadamente no obtiene los resultados que se hubieran esperado, y resulta ser un tanto mediocre, aunque sin duda para Torrens la experience debe haber sido muy aleccionadora. Más detalles en mi reseña en Habitación 101, donde además encontrarán información relativa a la cultura y las artes.
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The Hunger Games (2012)

De acuerdo a la escritora Suzanne Collins, el concepto que se convertiría en "The Hunger Games" le surgió mientras cambiaba de canal en su televisor, y observo el contraste entre los reality shows y la guerra en Iraq. Con estas imágenes en la cabeza, Collins tomó el mito de Teseo como base y desarrollo una novela de ciencia ficción y romance sobre una sociedad futurista donde la televisión y la muerte están fuertemente relacionados. Publicada en el año 2008, "The Hunger Games" apareción en un momento en que la literatura para jóvenes adultos se encontraba en su mejor momento en cuanto a ventas: Stephanie Meyer se encontraba en la cima con "Twilight" y existía un público cautivo que recibió a los libros de Collins con los brazos abiertos. Naturalmente, una adaptación cinematográfica no se hizo esperar, y cuando la serie de cintas de "Twilight" está por terminar, el director Gary Ross iniciaría la serie de cintas de "The Hunger Games".

"The Hunger Games" (ó "Los Juegos del Hambre") ocurren en la futurista nación de Panem, la cual está formada por doce distritos gobernados por un Capitolio. Tras la rebelión y eventual destrucción del Distrito 13, el Capitolio instauró los Juegos del Hambre, un evento televisado en cadena nacional donde dos jóvenes de cada distrito, un hombre y una mujer, son seleccionados en una lotería anual como "tributos" para pelear entre sí en una lucha a muerte, hasta que quede sólo uno de ellos. La historia comienza en el empobrecido Distrito 12, cuando la joven Primrose Everdeen (Willow Shields) es escogida como tributo para los 74° Juegos del Hambre. Al ver esto, su hermana mayor, Katniss (Jennifer Lawrence), decide intercambiar su lugar con ella y participar a los Juegos del Hambre, pues sabe que su pequeña hermana Prim no sobreviviría. Este acto de Katniss será su entrada a los Juegos y el principio de su lucha contra el Capitolio.

Adaptada a la pantalla por la misma Suzanne Collins en colaboración con el guionista Billy Ray y el director Gary Ross, "The Hunger Games" es relativamente fiel a la novela que la origina, narrando el progreso de Katniss y su compañero de Distrito, Peeta (Josh Hutcherson), através de los Juegos, así como la relación que se va formando entre ambos. Como la novela, el guión se enfoca totalmente en el personaje de Katniss, y a tarvés de sus ojos nos adentra a esta sociedad donde el entretenimiento controla a las masas. Sin embargo, otra herencia de la novela es que se da un mayor peso a la relación que se forma entre Katniss y Peeta y el conflicto que esto causa en la joven en relación a sus sentimientos por su mejor amigo Gale, quien se quedó en el distrito. La historia se mueve ágilmente, aunque se resienten los detalles eliminados en la adaptación, pues muchos aspectos de la trama quedan explorados muy superficialmente.

El director Gary Ross emplea una serie de estilos visuales bien definidos para narrar su cinta, apollándose en el efectivo trabajo de cinefotografía de Tom Stern. Para esto, brinda un deslavado look de la Gran Depresión para el humilde Distrito 12, y lo contrasta con el colorido mundo kitsch del Capitolio. Sin embargo, con el afán de imitar el estilo de la reality tv, Ross y Stern abusan un poco del "shaky cam", que se vuelve un tanto molesto. El diseño de producción de Philip Messina es bastante interesante pues, con un cierto grado de minimalismo en su construcción, logra un estilo futurista que genera la atmósfera apropiada sin robarle cámara a la historia, que es en lo que el director Gary Ross se enfoca principalmente. Este enfoque en el lado humano de su trama sigue la línea de la novela, donde son los sentimientos de Katniss quienes tienen preponderancia sobre cualquier posible aspecto de crítica social de la premisa.

Cargando con el peso de la película se encuentra Jennifer Lawrence como Katniss Everdeen, quien logra transmitir efectivamente la fuerza interior que tiene su personaje. Lawrence brinda a Katniss una intensidad contenida, muy apropiada para un personaje tan independiente como el suyo. De hecho, quizás el único problema de la interpretación de Katniss es el hecho de que no luce físicamente como alguien que ha pasado hambre. Lo mismo ocurre a Josh Hutcherson, quien interpreta a su compañero, Peeta Mellark. Sin embargo, este es sólo el menor de los problemas de Hutcherson, pues su actuación es considerablemente inferior a la de Lawrence, careciendo de la naturalidad y presencia de su contraparte y quedando muy acartonado y estático en su interpretación. El resto del elenco tiene algunos momentos interesantes, aunque en general, es poco el tiempo en pantalla que pueden aprovechar, pues todo el enfoque está sobre Katniss y Peeta.

Este es quizás el mayor problema de "The Hunger Games" como película de ciencia ficción, pues al centrarse exclusivamente en la relación entre Katniss y Peeta, quedan de lado no sólo los personajes secundarios, sino cualquier exploración del mundo que Collins ha creado en su historia. De hecho, la explicación de la premisa de "The Hunger Games" queda reducida a una mera introducción narrada al principio, la cual no es muy clara en su explicación del poder del Capitolio sobre los 12 distritos. En general, cualquier intento por adentrarnos en el funcionamiento de la sociedad de Panem queda muy superficial, evitando la posibilidad de poder llevar la trama a algúna crítica social. Esto es especialmente notorio en el hecho de que la gran implicacion dramática de la premisa, el tener a adolescentes matándose entre sí por un premio, no es realmente explorada, y pareciera que a ninguno de estos jovenes les afecta el de pronto verse obligados a matar.

Ciertamente, nada de esto evita que "The Hunger Games" sea entretenida, y en general, el director Gary Ross hace un trabajo apropiado en su adaptación cinematográfica. Sin embargo, sí deja una sensación de que algo le falta a la cinta, de que está incompleta de alguna manera. Al enfocarse totalmente en las relaciones amorosas de Katniss, se ha dejado de lado el gran potencial que la premisa carga consigo, y el resultado es que más que una cinta de ciencia ficción con romance incluido, "The Hunger Games" es una cinta de romance adolescente donde de vez en cuando hay muerte y de vez en cuando hay ciencia ficción.

6/10
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My Week with Marilyn (2011) @ Habitación 101

A través de sus más de 100 años de historia, el cine como expresión artística ha creado sus propias leyendas, sus propios mitos. Dadas sus característica como medio audiovisual, lo que el cine nos deja son imágenes íconicas que se vuelven parte de nuestra cultura. Así, actores como Charlie Chaplin, John Wayne y Louise Brooks, han dejado para siempre una huella imborrable dentro del imaginario colectivo. Pero ninguno de estos íconos iguala a Marilyn Monroe. El sex symbol por excelencia, Monroe representa una época de glamour y de cambio en el cine norteamericano. Es a la vez ícono de la era del oro y heraldo de los cambios que vendrían. Y esto no sólo por sus películas, sino por su historia personal. Norma Jean Mortensen se volvió Marilyn Monroe y cambió para siempre el concepto de "estrella de cine". Y sin embargo, dentro de esa figura de exhuberante sexualidad y fuerte presencia se encontraba una mujer insegura e incluso frágil que buscaba la aceptación del mundo. Su complicada (y pública) vida) y temprana muerte la volvieron un ícono inmortal que continúa ligado a la industria fílmica norteamericana. Este mito es nuevamente explorado por el cineasta británico Simon Curtis en "My Week with Marilyn", que presenta la historia del viaje de Marilyn al Reino Unido para actuar en "The Prince and the Showgirl" junto a Sir Laurence Olivier. En Habitación 101 se ha publicado mi reseña de la película, y aquí los invito a leerla en sus páginas, donde además hay información relativa a la cultura y las artes.
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Morgiana (1972)

Aunque a menudo considerado como separado de la Nueva Ola Checoslovaca, el director Juraj Herz comenzó su carrera justo en el centro del movimiento que redefiniría a la industria fílmica Checoslovaca. El hecho de que no fuera un estudiante de la Escuela de Cine y TV de la Academia de las Artes de Praga (Herz era de la Facultad de Teatro) lo distanciaron del movimiento, pero también le permitió dar forma a su propio estilo, el cual era un poco más tradicional, aunque no menos subversivo. De hecho, la voluntad de Herz a trabajar alrededor de géneros definidos le permitieron mantener su excéntrica e idiosincrática visión intacta aún durante los años de la Normalización, cuando la liberalización de la Primavera de Praga terminó y una nueva era de censura llegó. El film de horror "Morgiana", lanzado en 1972, muestra una vez más ese gusto por lo horroroso ya mostrado en su clásico "Spalovac mrtvol" (1969), aunque en este caso, su lucha contra la censura no fue tan exitosa.

"Morgiana" es una historia de dos hermanas, Klára y Viktorie (ambas interpretadas por Iva Janzurová), quienes viven en una gran mansión tras la muerte de su padre. Viktorie se vuelve celosa por el hecho de que Klára ha heredado la mayoría de sus propiedades, incluyendo la casa. La popularidad de Klára con los hombres es otra fuente de molestia para Viktorie, sentimiento que se vuelve odio puro cuando descubre que el hombre que ama, Marek (Josef Abrhám) está enamorado de Klára. Llena de rabia, Viktorie decide envenenar a su hermana, por lo que compra un veneno letal de la misteriosa Otylie (Nina Divísková). Sin embargo, el plan de Viktorie no va exactamente como planeó, pues el veneno que obtuvo de Otylie tiene un efecto muy lento. Debido al envenenamiento, Klára comienza a sufrir de alucinaciones, mientras que la impaciencia de Viktorie crece cada segundo. Para empeorar las cosas, Otylie intenta chantajear a Viktorie, mientras que el gato Morgiana es testigo mudo del drama en casa de las hermanas.

Ubicada en un mundo decadente que parece atorado en el siglo IX, "Morgiana" está basada en la historia "Jessie y Morgiana" del autor ruso Alexander Grin. El guión, de Vladimir Bor y el director Juraj Herz, narra una historia que es en esencia un cuento de hadas sonde la hermana "buena" se enfrenta a las maquinaciones de la hermana "mala". Sin embargo, es un cuento de hadas con un giro oscuro: está narrado desde la perspectiva de la hermana "mala", explorando el crecimiento del odio de Viktorie por su hermana, enraizado en su rivalidad de hermanas y su envidia por la belleza, popularidad y fortuna de Klára. Todo hecho con un tono exagerado de melodrama que ultimadamente hace de "Morgiana" una parodia gótica de los elementos clásicos de la literatura Romántica. Y esto es totalmente intencional pues hay un innegable toque de humor negro en la exagerada trama de "Morgiana". La exageración es la clave de la historia, y esto va del guión al cuidadosamente orquestado diseño visual del filme.

Tomando como base las convenciones del tradicional drama de época, el director Juraj Herz los exagera para darle a "Morgiana" una altamente estilizada atmósfera de grotesca decadencia. Instrumental para esto es el trabajo del cinefotógrafo Jaroslav Kucera (famoso por su trabajo en clásicos de la Nueva Ola Checoslovaca como "Perlicky na dne" y "Sedmikrásky"), quien usa su talento para dar vida a la delirantemente surrealista visión que tiene Herz del mundo gótico de las hermanas. La cámara de Kucera es bastante dinámica, vagando libremente por la mansión mientras sigue el drama (de gran interés son las tomas donde se toma el punto de vista de Morgiana el gato). Jugando con el color y la luz, Kucera crea una atmósfera de ensueño que aumenta el tono de cuento de hadas oscuro que tiene "Morgiana". Como había hecho previamente en "Spalovac mrtvol", el director Juraj Herz hace extenso uso de lentes angulares, no sólo para el ya mencionado punto de vista gatuno, sino para reflejar la distorsionada mente de sus personajes.

Como se mencionó anteriormente, "Morgiana" funciona como un melodrama exagerado, así que una cierta cantidad de sobreactuación es de esperarse, sin embargo, este tipo de sobreactuación requiere gran habilidad y sutileza para que funcione correctamente y evite lucir artificial, y afortunadamente, la actriz Iva Janzurová logra este reto. Interpretando a Klára y a Viktorie a la vez, Janzurová realiza dos muy diferentes aunque igualmente admirables actuaciones. Como Klára, luce dulce y frágil, y logra conjurar esa mezcla de ingenuidad juvenil y tediosa indiferencia de la personalidad de niña mimada. Lo opuesto es su interpretación de Viktoria, la cual es vibrante y llena de energía, haciendo un creíble retrato de una mujer movida por el odio. A través de capas de maquillaje, Janzurová disfraza su belleza para darle al personaje una identidad propia. Dos actuaciones brillantes en verdad. El resto del elenco es menos afortunado, y aunque su trabajo no llega al punto de ser realmente malo, si hay una diferencia notoria en calidad.

Inquietantemente atmosférica y deliciosamente grotesca, "Morgiana" de Juraj Herz es un filme de horror que es más desconcertante que impactante, pues está basado en una sutil distorsión de un ambiente familiar. Desafortunadamente, a pesar de sus múltiples elementos interesantes, "Morgiana" está lejos de ser perfecta, pues el último tercio de cinta es un problemático y apresurado clímax que se siente forzado y fuera de lugar. Como si los escritores no hubiera sido capaces de encontrarle un final. De hecho, hay una razón para este final insatisfactorio, pues originalmente "Morgiana" incluiría la revelación de que las dos hermanas son en realidad dos personalidades de la misma mujer (un giro primordial de la novela de Alexander Grin). Ciertamente suena como un final más apropiado pero tristemente la administración se entrometió y Herz fue forzado a desarrollar una segunda mitad diferente para el filme. Un residuo de esta idea original es el hecho de que Iva Janzurová interpretó a ambas hermanas.

Quizás este cambio en el guión hubiera resultado en un filme más coherente y completo, pero desafortunadamente, esto es de esas cosas que nunca se sabrán. Sin embargo, a pesar de sus problemas "Morgiana" permanece como un gran ejemplo de horror surrealista; y aunque está lejos de ser de los mejores trabajos de Juraj Herz, es una buena demostración del estilo y talento de este a menudo tan olvidado miembro de la Nueva Ola Checoslovaca. Peculiar y grotesca, "Morgiana" quizás no haya envejecido tan bien (incluso podría lucir kitsch a ojos modernos), pero es una muy interesante película de horror surrealista que combina el terror y el melodrama para crear algo único. En cierta forma, "Morgiana" es una tristemente imperfecta obra maestra.

7/10
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Spalovac mrtvol (1969)

Concebida en el seno de la Escuela de CIne y TV de la Academia de las Artes de Praga (FAMU) a principios de la década de los 1960s, la Nueva Ola Checoslovaca fue un importante movimiento artístico que trajo a la luz las sensibilidades artísticas de una nueva generación de cineastas del bloque comunista. Una generación que incluyó entre sus filas a Miloš Forman, Jirí Menzel y Jaromil Jireš, directores que se volverían las figuras principales de la industria Checoslovaca. Sin embargo, también hubo otros cineastas que, aunque menos famosos, dejaron una igualmente interesante contribución al movimiento, y uno de ellos fue Juraj Herz. La razón de su aparente exclusión dentro de la Nueva Ola Checoslovaca es simple: él no era estudiante de cine, sino de teatro, específicamente un titiritero. Sin embargo, este titiritero traería uno de los estilos más interesantes dentro del movimiento, uno basado en los horrible y lo grotesco, del cual "Spalovac mrtvol", "El Cremador", es quizás el mejor ejemplo.

Ubicada al inicio de la ocupación por parte de la Alemania Nazi, "Spalovac mrtvol" es la historia de Karl Kopfrkingl (Rudolf Hrusínský), el hombre a cargo de un crematorio en Praga. Aunque amigable y sociable, Karl tiene una fascinación mórbida con los muertos que alienta con sus lecturas del libro Tibetano de los Muertos. Para Karl, la cremación de un cuerpo es necesaria para la correcta liberación del alma. Sin embargo, a pesar de lo mórbido de sus obsesiones, Karl es un padre amoroso con sus hijos Zina (Jana Stehnová) y Mili (Milos Vognic); y aunque le atraen otras mujeres, mantiene una cordial aunque distante relación con su esposa Lakmé (Vlasta Chramostová). Karl siente que su vida está en correcto balance, sin embargo, cuando los Nazis llegan a la frontera Checa, es invitado a unirse al partido por tener ancestros Alemanes. Los agentes Nazis jugarán con sus obsesiones, despertando las manías que Karl ha ocultado en el lado más oscuro de su alma.

"Spalovac mrtvol" está basada en la novela del autor Checo Ladislav Fuks, cuya obra entera gira en torno de la opucación Alemana a Checoslovaquia. El guion fue adaptado por el mismo Fuks junto al director Juraj Herz, quienes usan la historia del perturbado cremador como una alegoría de la progresiva intromisión de las ideologías Nazi a la sociedad Checoslovaca. Aprovechando las ambiciones y delirios de grandeza de Karl, la influencia Nazi completa la transformación que hace que este mórbido aunque inofensivo hombre decida transformar sus más oscuras fantasías en una realidad. Así pues, movido por sus nuevas creencias, Kopfrkingl es ahora capaz de volverse contra sus amigos y familia, totalmente convencido que sus acciones son por "el bien común". Y lo que es quizás lo más interesante de "Spalovac mrtvol" es que este oscuro y perturbador cuento de horror psicológico es contado con una fuerte dosis de humor negro que, extrañamente, le da un apropiado tono de ironía.

Sin embargo, lo más llamativo de "Spalovac mrtvol" es su narrativa visual, la cual fue concebida por el director Juraj Herz como una altamente estilizada pesadilla Gótica donde la desorientación es la norma. Una desorientación diseñada para reflejar la torcida mente de su personaje principal, cuyo tren de pensamiento se mueve de lo mórbidamente macabro a lo completamente grotesco. Y para hacer esto, Herz da buen uso a la bellísima fotografía expresionista de Stanislav Milota y al frenético trabajo de edición de Jaromír Janácek. "Jump cuts", montajes, y una narrativa que va de lineal a no lineal y de regreso, son algunas de las herramientas que Herz emplea para desorientar, pero más que lucir como clichés, se sienten apropiadas para el tono de la trama. El cinefotógrafo Milota emplea la distorción del lente de ojo de pescado para evocar la distoriconada visión de la vida que tiene Karl, y jugando con luces y sombras, crea una perturbadora atmósfera Gótica muy acrode con el diseño visual de Herz.

Como el personaje principal, el actor Rudolf Hrusínský brilla en el papel de Karl Kopfrkingl, el cremador con deseos torcidos que lo llevaran a un descenso a la locura. Aunque en cierta forma Karl es una caricatura exagerada de un loco, la brilante interpretación de Rudolf Hrusínský descubre los muchos lados que tiene el personaje y muestra una figura muy compleja y de algún modo incluso trágica. Empleando sutiles pero notorios manerismos y su poderosa presencia escénica, Hrusínský se transforma completamente en este perturbado individuo, capaz de ser simpático y horrible al mismo tiempo. Ciertamente, "Spalovac mrtvol" es totalmente el show de Hrusínský, pero aunque los actores de soporte tienen considerablemtne menos espacio para desarrollar sus roles (después de todo, la cinta es narrada desde la perspectiva de Karl), hay quienes hacen trabajos más que efectivos, particularmente Vlasta Chramostová hace una buena interpretación como la tímida y dedicada esposa de Karl, Lakmé.

Quizás el horror más perturbador de entre lo muchos conjurados por la "Spalovac mrtvol" de Juraj Herz es el hecho de que aunque este es un cuento exagerado, muy probablemente algo así ocurrió en la vida real. Al inicio del filme, Karl conoce y respeta a muchos judíos, sin embargo, después que la ideología Nazi ha hechado raíces en su mente, el mórbido cremador es incapaz de conciliar sus pensamientos y comienza a ver a los judíos negativamente. Detrás de los horrores desatados por el maníaco Karl, el verdadero horror de como la ideología Nazi se infiltró lentamente y cambió la mente de una sociedad es quizás el elemento más perturbador de "Spalovac mrtvol". En la pesadilla Gótica de Herz, el mórbido cremador es ciertamente un monstruo, pero aun más monstruosos son quienes juegan con su mente. Karl está convencido de que sus acciones ayudan a una buena causa, de que está limpiando a las almas contaminadas del mundo, ayudándolos a encontrar la paz. Las acciones de Karl nos recuerdan que el camino al infierno esta hecho de buenas intenciones.

Aunque su pertenencia a la Nueva Ola Checoslovaca es a menudo ignorada, el trabajo del director Juraj Herz tiene muchas de las características del movimiento, aunque con una perspectiva a menuda más perversa y cínica, y "Spalovac mrtvol" es quizás el mejor ejemplo de ello. Desconcertante y grotesca, y al mismo tiempo absurda y oscuramente cómica, "Spalovac mrtvol" ó "El Cremador", es una gema única del cine Checoslovaco que emplea el género del horror para ilustrar los muy reales horrores de la ocupación Nazi. Aunque más que ser un filme acusatorio, "Spalovac mrtvol" es en realidad uno catártico, un filme en el que través de sus grotescas imágenes se pudiera entender la locura que volvió a un país contra sí mismo.

8/10
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The Best Exotic Marigold Hotel (2011) @ Habitación 101

Nuevamente he publicado un artículo en Habitación 101, una revista digital para la que ocasionalmente colaboro con reseñas de cine reciente. En esta ocasión, la película en cuestión es "The Best Exotic Marigold Hotel" (llamada en México como "El Exótico Hotel Marigold"), una cinta dirigida por John Madden quien tras haber realizado el thriller "The Debt" regresa a la comedia con una entretenida historia que trata sobre una situación que eventualmente todos enfrentamos: envejecer. Reuniendo a un elenco de gran calidad, Madden presenta la vida de un grupo de ancianos Británicos que se encuentran en un viaje al Hotel Marigold, una casa de reposo en la India en la que pretenden pasar sus últimos años. Las razones que los llevan ahí son diferentes, y es en esas diferencias entre los diversosn personajes donde se encuentra la magia de "The Best Exotic Hotel Marigold", pues más que tratarse de un viaje a la India es simplemente una comedia sobre las relaciones humanas. Con una gran habilidad, Madden logra hilar explorar este tema al ir hilando las vidas de este particular grupo de ancianos, aunque en sí lo interesante de la cinta es ver a Judi Dench, Bill Nighy, Tom Wilkinson y demás figuras clave del cine Británico, compartir la escena y divertirse. Mayores detalles, en la reseña, y no olviden revisar Habitación 101, siempre llena de contenido interesante respecto del cine y las artes. Y por cierto, vienen grandes cambios en el sitio de la revista, así que hay que estar atentos.
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Sky High (2003)

Tras pasar algunos años realizando proyectos independientes con mínimo presupuesto, el director japonés Ryûhei Kitamura se volvió conocido tras el éxito internacional de su mezcla épica de accion y horror llamada "Versus" allá por el año 2000. El reconocimiento obtenido por "Versus" le permitió a Kitamura el continuar mostrando su talento en filmes de acción como "Alive" y "Aragami", películas donde continuó demostrando su estilo fresco y dinámico, claramente influenciado por el comic japonés (los mangas). El estilo de Kitamura llegaría a su punto cumbre en "Azumi", una cinta de artes marciales basada en el manga del mismo nombre, la cual podría considerarse como la obra maestra de su estilo tan particular. Después de realizar "Azumi", Kitamura dirigiría varios capítulos de la popular serie de TV "Sukai hai", una historia de fantasía y horror también basada en un manga. A la vez, Kitamura dirigiría una película como precuela para "Sukai hai": una cinta de acción llamada "Sky High".

"Sky High" es la historia del detective Kohei Kanzaki (Shosuke Tanihara) y su novia Mina Saeki (Yumiko Shaku), y como sus vidas son destruidas cuando en el día de su boda, Mina es brutalmente asesinada por el misterioso asesino serial que Kanzaki había estado tratando de arrestar: un criminal que arranca el corazón de sus víctimas. Ahora, Mina ha llegado a la Puerta de la Furia, el lugar donde las almas de los asesinados llegan para tomar una importante decisión: ir al Cielo a esperar la próxima reencarnación, o regresar a la Tierra como un fantasma para maldecir a su asesino y seguirlo al Infierno. Mina tiene 12 días para decidir, y mientras tanto, decide ayudar a Kanzaki a recuperar la cordura, pues ahora Kanzaki está decidido a matar al asesino aún si eso significara ir al Infierno. Kanzaki continua su investigación, y no sólo descubre la identidad del asesino, sino también su propósito: debe juntar seis corazones de los Guardianes de la Puerta del Más Allá para poder abrir la Puerta de la Furia.

Como se mencionó anteriormente, "Sky High" fue concebida como una precuela para la serie de TV "Sukai hai" (transliteración de "SKy High"), por lo que el "Sky High" de Kitamura es básicamente una introducción a la extensa trama de "Sky High", el manga de Tsutomu Takahashi. El guión, del colaborador regular de Kitamura, Isao Kiriyama, comienza con el intento de Kanzaki de vengar la muerte de Mina, pero también se enfoca en la historia de Mina al llegar a las Puertas de la Furia donde contempla su futuro. De esta forma se definen los dos géneros que forman "Sky High", con el lado de Mina siendo más una historia de horror y fantasía, mientras que la de Kanzaki opera como un thriller de crimen. Para lograr esto, el guión de Kiriyama está bastante detallado y se toma su tiempo en desarrollar a sus personajes y establecer los conceptos que luego serán familiares en la serie de TV. Sin embargo, detrás de la violencia y el horror, "Sky High" es una historia de amor, y este importante aspecto emocional es finalmente lo que la distingue.

Como es de esperar, una vez más Kitamura despliega su maestría en el estilo visual del filme, lleno de su usual trabajo de cámara tan dinámico, y lleno de acción. Kitamura da vida al guión de Kiriyama de la misma manera como si estuvidera dibujando una historieta, dejando a su imaginación volar pero manteniéndose fiel a la escencia de la historia de "Sky High". Aunque "Sky High" es considerablemente menos violenta gráficamente que los filmes previos de Kitamura (como "Versus"), esta elección le va bien al estilizado concepto del filme, pues a pesar de todo el preciosismo visual, no deja de estar enfocado en la relación entre sus dos protagonistas, por lo que el exceso de gore podría haber estado fuera de lugar. De hecho, este enfoque en sus personajes es el elemento más fuerte del filme, pues permite dar mayor consistencia a las situaciones fantásticas que los personajes viven, dándo más sentido a sus acciones. En "Sky High", Kitamura logra balancear la acción y el romance en una forma natural y creíble.

El elenco va de regular a muy bueno, y esta divergencia en la calidad de las actuaciones es ciertamente una de las cosas que disminuye el impacto de "Sky High". Sin embargo, a pesar de esto en general se puede concluir que "SKy High" tiene un elenco efectivo. Al frente del elenco, Yumiko Shaku realiza un buen trabajo como Mina, provando ser una actriz dramática, más que solo una cara bonita.Sin embargo, sus escenas de acción lucen inferiores comparadas con las de otros actores en el filme. Shosuke Tanihara, quien interpreta al torturado detective Kanzaki realiza la mejor actuación de la película, llevando el peso del filme con una buena actitud y una representación creíble de su papel. No sería equivocado decir que el trabajo de Tanihara es el corazón de la cinta. Finalmente, el colaborador regular de Kitamura, Takao Osawa, está excelente como el misterioso Tatsuya Kudo. Como se mencionó anteriormente, el resto del elenco es bueno, aunque nada espectacular.

Aunque ciertamente "SKy High" tiene muchos elementos clásicos de Kitamura, desafortunadamente no es una de sus obras maestras, pues también contiene una buena cantidad de los defectos típicos del cine de Kitamura. Tan bella como es en terminos visuales, "Sky High" es también demasiado larga, debido principalmente al excesivo detalle que el escritor Kiriyama da a la historia. A diferencia de "Azumi" (guión también de Kiriyama), donde lo épico de la historia le iba bien al largo y detallado guión, "Sky High" es una historia relativamente más íntima y se siente inecesariamente larga y lenta. Quizás un mejor trabajo de edición o un guión más consciso pudieran haber mejorado la cinta un poco, pues parece que el filme se pierde en la creación de su propia mitología. Quizás es que "Sky High" se toma a si misma demasiado en serio en ocasiones, o quizás Kiriyama intento sintetizas demasiado el mundo de "Sukai hai" en la cinta. De cualquier forma, a pesar de los problemas, "Sky High" no es una mala película, quizás sólamente es una que pudo haber estado mejor.

Al final, el "Sky High" de Ryûhei Kitamura es una película muy recomendable, no sólo para los seguidores acérrimos de Kitamura, sino para quien esté interesado en una película de acción con inteligencia. Los toques de horror y fantasía dan a la historia una mayor profundidad y la hacen sobresalir de entre las muchas cintas de artes marciales que existen. Ciertamente ofrece una interesante visión de la otra vida, y contiene varias secuencias que demuestran el admirable talento para lo visual que tiene el director Ryûhei Kitamura. Aunque un poco larga, "Sky High" es realmente una buena, aunque defectuosa cinta que brinda buen entretenimiento. Realmente es una buena introducción a "Sukai hai", lo cual es probablemente la meta que sus creadores tenían en primer lugar.

7/10
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Muerte al Invasor (1961)

En 1961, un grupo de exiliados Cubanos entrenados por la CIA lanzó un intento de derrocar al recientemente instaurado gobierno de Fidel Castro. La operación, llamada Operación Zapara, estaba apoyada por el gobierno de los Estados Unidos e incluía un desembarco en las playas de Bahía de Cochinos, al este de la península Zapata en Cuba. La invasión fue un fracaso, pues las fuerzas armadas Cubanas derrotaron a los invasores en un lapso de tres días. La fallida invasión tuvo como consecuencia principal un mayor nacionalismo y un mayor apoyo al régimen cubano en Cuba. Este conflicto sería conocido en Cuba como la Batalla de Playa Girón, y en los Estados Unidos como la Invasión a Bahía de Cochinos. Dada la gran importancia que le dió el gobierno Cubano al cine, el Instituto Cubano del Arte y la Industria Cinematográficos (ICAIC) envió a un equipo de corresponsales de guerra a cubrir el evento. Entre ellos estaba Tomás Gutiérrez Aleam quien construyó un documental para el noticiero de Santiago Álvarez: "Muerte al Invasor".

"Muerte al Invasor" está compuesta de imágenes capturadas por Gutiérrez Alea y su equipó de camarógrados: Mario Ferrer, Pablo Martínez y Julio Simoneau. La narración, probablemente escrita por el director del ICAIC Alfredo Guevara, es interpretada por Batista y detalla los eventos de la invasión, describiendo los tres días de batalla a la par que glorifica los esfuerzos del pueblo Cubano y sus líderes. Dada la naturaleza como un documental destinado a formar parte del noticiero, la cinta tiene una meta propagandista más que evidente, con los invsaroes vencidos constantemente denominados como traidores u opresores partidarios del gobierno anterior. El apoyo Estadounidense a los invasores también es un punto discutido extensamente, haciendo hincapié en el esfuerzo Norteamericano por derrocar al gobierno Socialista de Cuba, y describiendo la naturaleza encubierta de la operación como ejemplo de traición imperialista. "Muerte al Invasor" tiene una agenda definida, y la sutileza no es para nada su fuerte.

Ha habido mucho debate sobre quien estuvo realmente detrás de la creación de "Muerte al Invasor", con arugmentos tanto para Tomás Gutiérrez Alea como para Santiago Álvarez dandoles el crédito. La película realmente muestra signos tempranos de los estilos de ambos directores: por un lado, elementos del inovador "montaje nervioso" de Álvarez pueden sentirse en el filme, mientras que por el otro, las imágenes que forman el documental tienen ya el estilo de Gutiérrez Alea. Y hablando de las imágenes, la serie de escenas capturadas en el filme no son sólo de gran valor histórico, sino que cuentan con una cierta belleza en bruto que realmente retratan el espíritu de una nación que se defiende. Dejando de lado la patriotista narración y sin tomar algún lado político, estas imágenes hablan mucho de una joven nación que aún creía en un ideal y luchó por él. La elocuencia de las imágenes de "Muerte al Invasor" da fuerza a quienes apoyan a Gutiérrez Alea como director único, aunque al final, hay suficientes elementos que establecen el filme como una contribución entre él, Álvarez e incluso Guevara.

Como se mencionó anteriormente, "Muerte al Invasor" fue claramente concebido como una pieza de propaganda, con su latente glorificación de la nación Cubana y su demonización sin piedad que hace de los invasores. Y este es quizás el lado más débil del filme, pues a pesar del poder de sus imágenes, la narrativa es lenta e incluso torpe. El narrador Julio Batista carece de emoción al declamar, permaneciendo siempre calmado y monótono en su discurso, más parecido al narrador de algún documental escolar que a un historiador. Como pieza de propaganda, el filme cumple su propósito, aunque carece de la vibrante energía del cine Soviético o del filme Cubanos posteriores. La fuerza del filme esta claramente en sus imagenes yedición, las cuales muestran los talentos de sus realizadores y ofrece un vistazo hacia donde irían sus carreras. El contraste de calidad entre las imágenes del filme y la narración escrita es tan grande que la cinta incluso funciona mejor sin narración. El ojo del joven cine Cubano es suficiente para contar la historia de su victoria, sin necesidad de agregar glorificación artificiosa.

"Muerte al Invasor" tal vez no sea el mejor ejemplo del cine de Tomás Gutiérrez Alea y Santiago Álvarez, aunque es ciertamente un filme bastante interesante para observar el desarrollo que sostuvieron ambos cineastas, quienes se volverían celebradas luminarias de la Época de Oro del Cine Cubano. En un filme como "Muerte al Invasor", el cual claramente tiene una meta definida y una agenda política específica, es siempre difícil separar la política del cine, pero en este caso, el que uno esté de acuerdo o no con sus argumentos es secundario, lo que está claro es que con sus imágenes y montaje, los cineastas Tomás Gutiérrez Alea y Santiago Álvarez han realmente capturado la cara y espíritu de una joven nación que se está buscando a sí misma.

6/10
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Intruders (2011) @ Habitación 101

En el año 1996, el director Español Juan Carlos Fresnadillo presentó un cortometraje que tituló "Esposados" y lo llevó a estar nominado a un premio de la Academia. Muchos años después (y tras haber realizado para Danny Boyle "28 Weeks Later" en el 2007), Fresnadillo continua su desarrollo en el género de horror con "Intruders". Titulada en México como "Intrusos", esta cinta de manufactura Española toma a un elenco Británico (encabezado por Clive Owen) para desarrollar una trama basada en uno los miedos más antiguos: el miedo a la oscuridad. Al respecto escribí una nueva colaboración para la revista digital Habitación 101, quienes ya me habían invitado conanterioridad a sumar textos respecto a cine (principalmente de horror). Aunque no del todo lograda, "Intruders" presenta a un Fresnadillo más maduro, y con ganas de explorar un horror más sutil. Su paso por el Reino Unido sin duda lo ha nutrido de influencias pero en cierta forma, "Intruders" está más en línea con esa escuela Española de hacer cine de horror que se ha venido gestando desde los 90s (yo personalmente la llamo afectuosamente "Nueva Ola de Horror Español") y que involucra a directores como De la Iglesia, Balagueró, Plaza, Serra y otros cineastas que han venido imprimiendo una estética muy particular de hacer cine. Más basada en la atmósfera y en el humor negro que en el susto barato. En fin, mayores detalles hay en esta reseña, y además los invito a ver que más hay en Habitación 101, sin duda habrá algo de su interés.
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Nueve reinas (2000)

El abrupto fin de una vida es siempre una tragedia, particularmente de alguien joven, pues deja siempre la pregunta de que harían si estuvieran vivos. En el caso de un artista, esto es especialmente significativo, aún más si el fallecido estaba apenas comenzando a obtener reconocimiento. Este es el desafortunado caso del cineasta Argentino Fabián Bielinsky, quien tras haber hecho dos filmes aclamados por la crítica, falleció de un ataque al corazón apenas con 47 años. Testamento de su talento es el hecho de que en tan sólo dos cintas, Bielinsky había logrado ya desarrollar un sello propio, diferente a lo que podía verse en el cine Argentino de su tiempo. El primero y más popular de estos filmes, "Nueve reinas", fue un thriller de crímen con un particular tono de comedia e ironía que resultó ganador de multiples premios nacionales e internacionales. Y no sin una razón, pues la cuidadosa hechura de "Nueve reinas" realmente demuestra cuan grande es la pérdida que dejó la muerte de Bielinsky.

"Nueve reinas" comienza en una pequeña tienda de conveniencia donde Juan (Gastón Pauls), un joven estafador, logra timar a la cajera, solo para ser atrapado al intentar el mismo truco dos veces. Marcos (Ricardo Darín) finge ser un oficial de policía y se lleva a Juan. En un callejón, Marcos explica a un sorprendido Juan que no es policía, sino otro estafador. Marcos le ofrece a Juan la oportunidad de ser su compañero durante ese día, y aunque Juan lo duda, acepta pues necesita reunir dinero para sacar a su padre de prisión. Tras varios embustes juntos, Marcos recibe la llamada de un viejo socio, Sandler (Óscar Nulez), quien pide a Marcos ayuda en una estafa: Sandler ha hecho copias perfectas de un raro juego de estampillas llamado "Las Nueve Reinas", e intentaba venderlo a un rico Español (Ignasi Abadal) quien será deportado al día siguiente (y por ende incapaz de revisar bien la autenticidad de las copias). Sandler no logra hacerlo solo por su mala salud, así que el duo de Juan y Marcos deciden tomar parte en la estafa.

Inteligente, ingeniosa, y con una buena dosis de humor, "Nueve reinas" es un sólido thriller en el que el director Fabián Bielinsky (autor también del guión) juega con el subgénero del heist para brindar una entretenida historia de dos estafadores. A medida que el filme se desarrolla, Bielinsky incrementa las apuestas, poniendo a sus personajes en situaciones cada vez más complicadas con cada giro de la trama. Sin embargo, aunque ciertamente la trama que Bielinsky desarrolla es emocionante, la estafa resulta ser meramente un MacGuffin al más puro estilo Hitchcock, pues la verdadera magia de "Nuebve reinas" viene de la forma en que se han desarrollado los dos personajes y su relación. Pues dado que como ambos son estafadores, la confianza entre ellos no será moneda de cambio, y la desconfianza estará a la orden del día. Sin embargo, la necesidad y la casualidad los obliga, al maestro experimentado y al joven talentoso, a arriesgarse para lograr esta estafa magnífica.

Aunque ciertamente el guión de Bielinsky es maravilloso, su talento como director bien vale reconocimiento también, pues realiza su filme con estilo simple pero muy pulido que le va muy bien al tono casual del filme. Con una cierta gracia y elegancia, Bielinsky deja a la trama develarse suavemente, y envolver a la audiencia con su cautivante hechizo, no muy diferente a los trucos que sus personajes realizan, funcionando como una precisa máquinaria con un sincronía perfecta, con tono perfecto. Aunque trabajando con un muy bajo presupuesto, Bielinsky logra dar a su filme un muy bien definido estilo visual, un poco tradicional pero muy atractuvo. El cinefotógrafo Marcelo Camorino captura el escenario urbano con una belleza elegante, su cámara adentrándose a las calles que forman el ambiente natural de los personajes. Sin embargo Bielinsky no usa un estilo visual flamboyante, sabiendo (cual David Mamet) que la fuerza de su cinta está en el lenguaje de sus personajes, en su habla.

Así que, dado que el guión es lo que importa, los actores recitando las líneas se vuelven de vital importancia para el éxito del filme. Y afortunadamente, la actuación es uno de los elementos más fuertes de "Nueve reinas". Al frente del elenco como el talentoso aunque inexperto Juan, Gastón Pauls muestra un carisma natural en su trabajo, interpretando al joven aprendiz con gran versoimilitud. Sin embargo, "Nueve reinas" le pertenece a la soberbia interpretación de Ricardo Darín, quien es Marcos. Como el estafador de palabra fácil, Marcos, Ricardo Darín comanda la pantalla con poder, mistrandose como un actor con recursos, habilidoso en la creación de personajes multidimensionales. Pues sin importar que tan bueno sea el guión, un mal actor podría haber realizado el rol de manera estereotipada. Uno talentoso, como Darín, se adentra en el personaje y saca a una persona real del mismo. El resto del elenco, aunque con menos tiempo en pantalla, hacen todos un trabajo eficiente, especialmente Leticia Bréndice, como Valeria, la hermana de Marcos.

La verdadera estrella de "Nueve reinas" es sin duda su director, Fabián Bielinsky, quien demuestra su talento como narrador al dar forma a esta historia con gran habilidad. Aunque la trama es relativamente simple (el ya mencionado Mamet ha producido historias de mayor complejidad), la forma en que Bielinsky la ha transformado en un rompecabezas es simplemente cautivante. "Nueve reinas" es un soberbio ejemplo de como dar forma a una historia: al agregar la cantidad necesaria de detalles para hacerla interesante y única, Bielinsky construye su cinta de crimen con el mismo cuidado que se orquestaría una estafa: con la perfecta sincronía y el tono apropiado, el ritmo adecuado y la cadencia exacta. Hay pocas cosas malas en "Nueve reinas", pues cada elemento juega su papel en el rompecabezas con buenos resultados. Quizás hay momentos en que lo absurdo de las estafas se vuelva demasiado, pero el seco e impasible humor que Bielinsky emplea mantiene todo en el humor adecuado.

Astuta, ingeniosa y dueña de un delicioso humor negro, "Nueve reinas" mostró el talento de un cineasta que, sin grandes pretenciones, logró crear un thriller entretenido con gran astucia e inteligencia. Porque es esta inteligencia lo que separa a "Nueve reinas" de otros thrilles similares aunque banales, pues permite al filme desenvolver su historia con un estilo y gracia que pocos tienen. Después de "Nueve reinas", Bielinsky obtuvo la oportunidad para desarrollar un remake Americano, oportunidad que rechazó para poder realizar "El Aura" (El remake se vino realizando con el título de "Criminal" y con Gregory Jacobs al timón). Tristemente, Bielinsky murió justo cuando su carrera iba en ascenso. Mirar el triunfo que es "Nueve reinas" hace a uno darse cuenta de la gran pérdida para el cine que fué la muerte temprana de Fabián Bielinsky.

9/10
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