Tang Shan Da Xiong (1971)

Sin duda uno de lo más influyentes (ó mejor dicho, El más influyente) actor y director de filmes de acción fue el artista marcial norteamericano de origen chino Bruce Lee. Nativo de la ciudad de San Francisco, el joven Lee comenzó a entrenar artes marciales cuando su familia regresó a Hong Kong. En esa ciudad, Lee apareció en varios filmes como niño actor (dada la fama de su padre en la ópera Cantonesa), pero abandono su carrera actoral en favor de su entrenamiento en Wing Chun bajo la tutela del legendario Ip Man. Sin embargo, cuando Lee regresó a los Estados Unidos, el cine tocó nuevamente su puerta cuando se le invitó a participar en la serie de TV "El Avispón Verde". Como el mayordomo Kato, Lee comenzó su carrera en América como actor de soporte y coreógrafo de peleas; sin embargo, Lee no estaba satisfecho con la falta de papeles protagónicos, por lo que nuevamente volvió a Hong Kong. Para su sorpresa, descubrió que en Asia su papel como Kato era muy popular, y el productor Raymond Chow le ofreció la oportunidad de protagonizar una película: "Tang Shan Da Xiong".

En sentido literal, "Tang Shan Da Xiong" significa "El Gran Hermano de la Montaña Tang", pero en español es mejor conocida como "El Gran Jefe" (y "Fists of Fury" en los Estados Unidos). La película cuenta la historia de un joven chino de nombre Cheng Chao-an (Bruce Lee) que viaja a Tailandia a conocer a sus primos lejanos, y a encontrar un trabajo. Tras una vida de constantes peleas callejeras, Cheng prometió a su madre no volver a involucrarse en pleitos de nuevo, por lo que desea iniciar una nueva vida en Tailandia. Cheng toma un trabajo en la fábrica de hielo donde sus primos laboran, y pronto encuentra en ellos una nueva familia, desarrollando una cercana amistad con Hsiu Chien (James Tien) y un gran cariño por la bella Chow Mei (Maria Yi). Sin embargo, las cosas se complican cuando un día, dos de los primos de Cheng descubren que la fábrica es sólo la pantalla para negocios de narcotráfico. Tras rehusarse a cooperar en el negocio, los jóvenes son asesinados. Cuando el primo Hsiu Chien desaparece al tratar de descubrir el paradero de sus hermanos, Cheng tendrá que romper su juramento para resolver el misterio.

Escrita y dirigida por Wei Lo (quien también descubriría a Jackie Chan), "El Gran Jefe" fue un respiro de aire fresco para los filmes de artes marciales, pues se alejó de los temas históricos y míticos para mostrar a un héroe joven en un ambiente moderno y urbano. La historia tiene una premisa muy interesante, y Wei Lo muestra un interés particular en el suspenso, pues la cuestión del juramento de Cheng es un elemento de gran importancia en la trama que genera una gran expectativa pues, en una arriesgada aunque afortunada decisión, el protagonista no participa en ninguna pelea durante la primera mitad de la cinta. A diferencia de la mayoría de las películas de artes marciales, hay relativamente pocas escenas de acción en "Tang Shan Da Xiong", pues el guión se enfoca más en intentar desarrollar su historia (a pesar de su simplicidad) y explorar el compromiso de Cheng con su familia. Esto último es tal vez lo más interesante, pues Cheng es un personaje que rompió la tradición del héroe clásico de las cintas de artes marciales al presentar un personaje con defectos, es decir, más humano.

En cierta forma, "Tang Shan Da Xiong" puede ser visto como un filme de transición, pues no sólo significó la introducción de Bruce Lee como estrella de las artes marciales, sino que realmente marcó el paso hacia una nueva manera de hacer filmes de acción en Hong Kong, siendo además una de las primeras películas de la compara de Raymond Chow, la Golden Harvest. Aún cuando el director Wei Lo ya era un cineasta veterano, "Tang Shan Da Xiong" muestra el cambio a una realización menos contenida, es decir, con mayor dinamismo en su estilo visual. La acción ya no se limitaría por el encuadre de la cámara, sino al contrario (sin duda esta fue una influencia de su energética estrella). Como se mencionó anteriormente, las escenas de acción son relativamente escasa, pero cuando ocurren el estilo es explosivo, rápido, y con una gran atención a los detalles de la pelea. "El Gran Jefe" tiene un estilo muy crudo, que aunque probablemente es resultado del bajo presupuesto con que el filme fue realizado, le agrega una cierta dosis de realismo a las imágenes capturadas por el fotógrafo Ching-Chu Chen.

Las actuaciones en la cinta son de una calidad regular, con algunas actuaciones muy efectivas pero otras que no son nada buenas. Sin embargo, una cosa es cierta: la persona de Bruce Lee exuda en pantalla un carisma natural y una vibrante energía que realmente llena pantalla con su presencia. Aunque esto es algo que ya se había notado en su trabajo en América (su Kato normalmente opaca al Avispón Verde), es en "El Gran Jefe" donde su magnética personalidad puede verse al máximo en un rol protagónico. En "Tang Shan Da Xiong", Lee se muestra bastante natural en su inicialmente pasivo personaje, que es solamente un muchacho común que solamente desea vivir pacíficamente. Este talento natural se muestra en muchas escenas donde Cheng disfruta la vida con su nueva familia a medida que lucha contra sus propios vicios. El resto del elenco es más regular, siendo James Tien uno de los mejores intérpretes como el primo mayor de Cheng, Hsiu. Tien era ya un veterano del cine oriental, y da a su papel una dignidad que contrasta muy bien con la energía rebelde el personaje de Lee.

Dentro de la desafortunadamente breve filmografía de Bruce Lee, "Tang Shan Da Xiong" ó "El Gran Jefe" tiende a ser considerada como la más pobre de todas, y no sin razón. Ciertamente, carece de la rápida acción de filmes posteriores, y su ritmo es más bien lento dada la forma en que la trama está construida. Como se mencionó anteriormente, es también una de las primeras cintas de Golden Harvest, por lo que el bajo presupuesto es notorio. Las actuaciones, salo Lee y Tien, no son muy buenas, y finalmente, la extraña inclusión de efectos cómicos ridículos por parte del director Wei Lo se sienten muy fuera de lugar en lo que para fines prácticos es un filme de acción bastante crudo y violento (es tal vez el más violento de la carrera de Lee). Sin embargo, "Tang Shan Da Xiong" (en España conocida como "Karate a Muerte en Bangkok"), debe ser apreciada como el primero de los revolucionarios filmes que Lee realizaría en su carrera. Su hechura es sin duda pobre, pero es la semilla del estilo de películas de acción que Bruce Lee (y posteriormente Golden Harvest) iría perfeccionado.

Para terminar, "Tang Shan Da Xiong" ó "El Gran Jefe" ó "Karate a Muerte en Bangkok"), es un emocionante filme por derecho propio, lleno de suspenso y acción a la par que muestra el primer vistazo del gran talento de Bruce Lee como estrella de cine. El director Wei Lo muestra una gran visión al construir al personaje de Cheng como un mito moderno. La tensión generada por su incapacidad de actuar y la posterior rabia desatada cuando el juramento se rompe (y la explosiva lucha que viene después) son grandes aciertos que hacen de esta cinta una joya. Junto con "Jing Wu Men" ("Puños de Furia" ó "Contacto en China"), segunda cinta de Lee con Glden Harvest, es un filme básico para entender el desarrollo de los filmes de artes marciales de los 70s. Tal vez no sea un clásico como filmes posteriores, pero "Tang Shan Da Xiong" era sólo el principio para el legendario Bruce Lee.

7/10

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Peeping Tom (1960)

Sin lugar a dudas, el año de 1960 fue uno de numerosos e importantes cambios en la historia del cine mundial, particularmente en el género del horror, pues al ir cambiando los tiempos se fue abandonando la censura latente en muchos países (en los Estados Unidos, por ejemplo, se abandonó el infame Código Hays), y nuevos temas e ideas comenzaron a ser explorados. Uno de estos fue la introducción de connotaciones sexuales más explícitas a lo que ahora es llamado "horror psicológico" con películas como la británica "Horrors of the Black Museum" de 1959 y por supuesto, "Psycho", obra maestra de Alfred Hitchcock estrenada en 1960, filmes que dieron un rostro terriblemente humano a la maldad. Otra de aquellas importantes películas que ayudaron a cambiar el género en los años 60s provino también del Reino Unido: "Peeping Tom". Dirigida por Michael Powell, "Peeping Tom" es un mórbido cuento de horror y suspenso con el tema del voyeurismo que se adentra en los terrenos del horror psicológico y, cómo "Psycho" (estrenada sólo tres meses después que "Peeping Tom"), eleva el género al nivel de obra de arte.

"Peeping Tom" (literalmente "El mirón", aunque conocida en español como "El fotógrafo del crimen") es la historia de Mark Lewis (Karlheinz Böhm), un joven asistente de cámara en un estudio de cine Británico que aspira a convertirse en cineasta. Un hombre tímido y solitario, Lewis no es muy sociable, y prefiere pasar su tiempo detrás de su cámara, trabajando como fotógrafo de imágenes pornográficas de mujeres. Sin embargo, este joven tiene además una vida secreta, ya que él es en realidad un asesino serial que filma y asesina jóvenes mujeres y a quien la policía lleva buscando varias semanas. Las cosas se complican cuando conoce a Helen Stephens (Anna Massey), una joven que llega a vivir con su madre (Maxine Audley) en el piso de abajo de su departamento, en un cuarto que le rentan a Mark. Pronto, su amistad comienza a significar mucho para Mark, en el sentido de que le ofrece un entendimiento honesto que él jamás había experimentado antes. Sin embargo, la sombra de los traumas y obsesiones de Mark está siempre presente, y tendrá que enfrentar sus demonios.

Escrito por el otrora criptógrafo militar Leo Marks (aunque Powell también tuvo mano en el guión), "Peeping Tom" es un profundo e inquietante viaje a los lados más oscuros de la mente pues está totalmente enfocada en su personaje principal, Mark. A diferencia de "Psycho" (película que usualmente se compara con "Peeping Tom"), el asesino serial no es visto desde la perspectiva de quienes le rodean, sino que la historia se vive totalmente desde su propia perspectiva, descubriendo al ser humano detrás de la personalidad psicópata así como las terribles razones que dieron origen a una mente tan perturbada. En cierta forma, la trama de "Peeping Tom" es una profunda humanización del personaje de asesino serial, adentrándose al terrible miedo que Mark tiene de sí mismo, dado que la cinta se centra en su intento por dejar sus atroces actividades y tener una vida normal. Sin embargo, la película evita decididamente cualquier intento de glorificar ó justificar al asesino serial (como luego lo harían filmes posteriores), pues aunque víctima, Mark no deja de ser un monstruo.

Empleando una impactante y bella fotografía en color (por el veterano cinematógrafo checo Otto Heller) y un notable uso de la cámara subjetiva, el director Michael Powell concibe "Peeping Tom" como una bizarra oda al voyeur que todos llevamos dentro y al extraño placer que da el observar a otros (en forma más cercana a "Rear Window" que a "Psycho"). No es gratuito que el personaje central sea un cineasta, pues Powell une el concepto de filmar a una persona con el de asesinarla, de una manera que ve a la cámara como una entidad agresiva y casi físicamente violenta que invade y roba la esencia vital de la persona filmada. La cámara de Heller se vuelve entonces los ojos de Mark y se adentra a su perturbada mente para dibujar sus crímenes a todo color. Sin embargo, no es sólo el inteligente (y atrevido) uso de la cámara lo único que brilla en "Peeping Tom", sino también el creativo empleo del suspenso en la construcción de las escenas. Esto juega un rol de gran importancia en la creación de la atmósfera de tensión que pernea toda la cinta, tensión que semeja la que vive la mente de Mark a cada paso.

Y esto nos lleva al elenco, que bajo la dirección de Michael Powell realiza en general un trabajo excelente. El actor alemán Karlheinz Böhm (famoso por su trabajo en la trilogía de "Sissi") es realmente la estrella de la cinta, pues su interpretación como Mark es tan fascinante como espeluznante. Haciendo real y creíble su complejo personaje, Böhm logra transmitir a la perfección cuan inseguro y vulnerable es realmente Mark en su interior, sin dejar de lado la rabia y violencia que explotan en su interior. Se puede decir que Karlheinz Böhm logra en "Peeping Tom" uno de los mejores trabajos de actuación en una película de horror. Como la joven Helen, Anna Massey es sencillamente maravillosa, logrando retratar con habilidad la ingenuidad del personaje, así como esa inocencia que termina por dejar una huella profunda en la psique de Mark. Como su madre, Maxine Audley hace un trabajo efectivo, e incluso tiene varias escenas donde logra brillar y mostrar su talento, pero finalmente la película pertenece totalmente a Böhm y a Massey, pues es su relación la que se vuelve el foco central de la historia.

"Peeping Tom" no es una cinta de horror muy típica, pues aunque terriblemente oscura y agresiva, es también inquietantemente humana. Definitivamente esta compleja historia no era tal vez lo que el público esperaba de Michael Powell, quien junto a Emeric Pressburger (The Archers) había realizado varias de las cintas más queridas del cine británico durante los años 40s y 50s. Lo escabroso del tema que manejaba en "Peeping Tom" probó ser demasiado para una audiencia aún no acostumbrada a ver una cinta tan controversial, por lo que la película fue un fracaso comercial que incluso fue prohibida en varios países (el daño a la carrera de Powell sería bastante fuerte). Sin embargo, a pesar de que la crítica de su tiempo no fue muy favorable, "Peeping Tom" es una más de las obras maestras del cineasta Michael Powell, y una de las cintas de horror más influyentes de la historia. Adentrándose a la mente de su perturbado protagonista empleando un recurso que filmes como "Halloween" (1978) y "Maniac" (1980) llevarían aún más lejos, no es descabellado el considerar a "Peeping Tom" como la primera película de horror de la era moderna.

Una cinta sin duda adelantada a su época, "Peeping Tom" es una de las películas más interesantes (e inquietantes) que tocan el tema del asesino serial. Las comparaciones con "Psycho" (que a diferencia de la cinta de Powell, fue un éxito de taquilla) son justas, pero esta cinta es un tipo diferente de criatura, pues es una exploración más dura y profunda del mismo tema, con menos psicología y mucho más corazón. Es probable que esta misma humanidad con la que "Peeping Tom" trata a su perturbado monstruo es lo que la hace tan terriblemente inquietante, pues no deja de recordarnos que el salvaje asesino serial es también un dañado ser humano. Todo un clásico del género que debería ser mejor conocido como la obra maestra que realmente es.

9/10

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Black Narcissus (1947)

Durante los años 40s y 50s, los directores Michael Powell y Emeric Pressburger realizaron una serie de películas en el Reino Unido bajo el nombre de su compañía productora, The Archers. Trabajando en equipo, Powell y Pressburger desarrollaron un inusual método de trabajo en el que ambos compartían los créditos de guionista, productor y director, obteniendo una libertad total en cuanto al estilo y la temática de las películas que realizaban. Comenzando en 1942 con "One of Our Aircraft is Missing", Powell y Pressburger establecieron un estilo único que se iría puliendo con cada cinta que realizaran. Para 1946, The Archers estrenaban su clásico filme de fantasía romántica "A Matter of Life and Death" y se embarcaban en un nuevo proyecto de corte bastante distinto: un drama psicológico basado en una novela de 1939, "Black Narcissus", escrita por la británica Rumer Godden. La historia, ubicada en un aislado valle en los Himalayas, sería el marco ideal para mostrar la maestría del cinematógrafo Jack Cardiff al emplear Technicolor. Sin embargo, "Black Narcissus" es mucho más que una bella fotografía.

Como se mencionó anteriormente, la historia de "Black Narcissus" ("Narciso Negro") se ubica en una remota región de los Himalayas, el palacio de Mopu (cerca de Darjeeling), lugar al que viajan un pequeño grupo de cinco monjas Anglicanas que han sido enviadas con la misión de establecer un convento que funcione como escuela y hospital para los habitantes del lugar. La hermana Clodagh (Deborah Kerr), una joven monja irlandesa de fuerte carácter, ha sido enviada como superiora de la misión, que incluye a la hermana Philippa (Flora Robson) como agricultora, la amable hermana Honey (Jenny Laird) como maestra, la hermana Briony (Judith Furse) como enfermera, y a la hermana Ruth (Kathleen Byron), quien se encuentra enferma. Al llegar al convento conocen al Sr. Dean (David Farrar), un británico asentado en la región que se vuelve su contacto con el gobierno local. El gobernador (Esmond Knight), ve con buenos ojos la apertura del convento, pero pronto las tensiones dentro del convento comienzan a surgir, tensiones que la joven hermana Clodagh tal vez no esté lista para enfrentar.

El guión, escrito por supuesto por Powell y Pressburger, es un verdadero estudio psicológico sobre sus personajes que, viviendo en aislamiento y frente a una cultura tan diametralmente opuesta, se vuelven presa de miedos y ansiedades que pensaban haber dejado atrás cuando entraron al convento. La hermana Clodagh, determinada a que la misión tenga éxito, se encuentra en el medio de todo, tratando de sortear con gallardía las diversas crisis por las que pasa el convento así como su propia crisis de fe, tentada por los coqueteos del Sr. Dean. La hermana Clodagh es un personaje sumamente complejo y brillantemente desarrollado, con una sensualidad tempestuosa que intenta contener con el armazón de su disciplina. Lo interesante es que este armazón no es una moral hipócrita, sino el deseo de triunfo de una mujer que ya no desea ser derrotada. Y aunque la hermana Clodagh podría considerarse como la protagonista de "Black Narcissus", los demás personajes no son solo un mero soporte, sino que realmente experimentan sus propias crisis de fe a lo largo de la historia.

La dirección de Powell y Pressburger es simplemente impecable, con una soberbia puesta en cámara que incrementa la tensión vivida en el seno del convento en el Himalaya. A pesar de que "Black Narcissus" fue filmada principalmente en sets, hay una sensación de majestuosidad en cuanto al choque cultural que viven las serias monjas Anglicanas frente a la cultura de la India. Sin duda este es un tema que no podía pasar desapercibido por The Archers (especialmente cuando la independencia de la India se encontraba a solo meses), y en "Black Narcissus" la imagen mostrada es la de una cultura exótica que maravilla en gran medida, pero no puede ser entendida ó domada por la sobria civilización británica. Algo notable en la cinta de Powell y Pressburger es el sutil erotismo que se maneja a lo largo de la cinta, pues aunque la sensualidad latente es uno de los temas más importantes en la película, ésta permanece siempre contenida, creciendo poco a poco a medida que lo salvaje del ambiente comienza a adentrarse en las vidas de las hermanas, y sólo explotando en el poderoso clímax del filme.

En una película como "Black Narcissus", basada totalmente en las relaciones entre los personajes, el éxito depende en gran medida de la calidad de las actuaciones del elenco, y afortunadamente, éste es uno de los aspectos más notables del filme. Al frente del reparto se encuentra Deborah Kerr en el papel de la hermana Clodagh, haciendo uno de los mejores trabajos en su carrera. Como se mencionó anteriormente, la hermana Clodagh es un complejo personaje que encierra no sólo una sensualidad reprimida, sino también un terrible miedo al fracaso y una fuerte determinación. Frente a un papel tan lleno de facetas como este, Kerr hace un trabajo sólido e inolvidable. Kathleen Byron, quien como la hermana Ruth toma un rol de contraparte de Clodagh, hace la mejor actuación en la cinta como una perturbada monja con serios conflictos emocionales. Es un personaje que fácilmente podría haber terminado como una caricatura, pero Byron logra darle una gran profundidad con una interpretación contenida y espeluznante. El duelo actoral entre Kerr y Byron es uno de los elementos que hacen de "Black Narcissus" una verdadera joya.

El resto del elenco mantiene en general el mismo nivel, sobresaliendo David Farrar como el carismático Sr. Dean y Flora Robson como la amable hermana Philippa. En la cinta aparecen también el actor indio Sabu y una joven Jean Simmons en una trama secundaria que funciona más por el ingenio del guión que por sus actuaciones, que son tal vez las peores en la cinta. Sin embargo, estos problemas no demeritan en absoluto la calidad de "Black Narcissus", cinta que pareciera adelantarse a su época no sólo en cuanto a temática sino al espectacular trabajo de fotografía en Technicolor hecho por Jack Cardiff, que realmente hacen que la cinta luzca como ninguna otra película de la década (exceptuando por supuesto, "The Red Shoes", también de Cardiff con The Archers). Lo brillante del Technicolor en "Black Narcissus" no radica solamente en lo bien que lucen los colores que Jack Cardiff imprime en la película, sino en el uso expresivo que Powell y Pressburger dan a éstos. El color se vuelve no sólo un efecto, sino una herramienta narrativa al contrastar a las monjas de blanco con el gran colorido del paisaje del Himalaya.

El director Michael Powell dijo en una ocasión que consideraba a "Black Narcissus" como su film más erótico y posiblemente haya estado en lo cierto. En el microcosmos que representa el convento en "Black Narcissus", lo que no se dice es más importante que lo expresado, y esto es algo que Powell y Pressburger entendieron muy bien, haciendo de la sutileza la pieza clave del filme. La maestría con la que la emplean en su narrativa es testamento del gran talento de estos directores que sin duda merecen su lugar dentro de la historia del cine británico. Filme de gran belleza estética y tremenda energía, "Black Narcissus" es una cinta donde todos los elementos del arte cinematográfico se conjugan para hacer una obra maestra. Normalmente se acusa al melodrama de ser un género populista y poco artístico, Powell y Pressburger en "Black Narcissus" demuestran que puede ser arte.

10/10

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Y el 2013 se va...

El año 2013 llega a su fin, y nuevamente hacemos un pequeño recuento de lo visto en el año. Cómo siempre, a México no llegan a los cines todas las películas que se estrenan en el año, por lo que usualmente lo que se puede ver en las salas son filmes del año anterior. De cualquier forma, ese año pude ver al menos dos verdaderas joyas del cine: "Wadjda" ("La bicicleta verde") de Haifaa Al-Mansour y el documental "The Act of Killing" ("El acto de matar"), de Joshua Oppenheimer, Christine Cynn y un grupo anónimo. Ambas cintas estrenadas originalmente en el 2012, llegaron a las pantallas mexicanas a través de festivales y muestras. El resto de las películas que pude ver incluyen una fascinante obra de Audiard, el final de la trilogía Cornetto de Edgar Wright, y el retorno de István Szabó. Así, un pequeño listado con lo poco que vi en cines durante el 2013 quedaría:

1) Wadjda (2012, Haifaa Al-Mansour)

2) The Act of Killing (2012, Joshua Oppenheimer, Christine Cynn et al)
3) 5 Broken Cameras (2011, Emad Burnat, Guy Davidi)

4) De rouille et d'os (2012, Jacques Audiard) 

5) Amour (2012, Michael Haneke)

6) About Time (2013, Richard Curtis)

7) The World's End (2013, Edgar Wright) 

8) Frozen (2013, Chris Buck, Jennifer Lee)

9) Side Effects (2013, Steven Soderbergh) 

10) The Door (2012, István Szabó)

Así las cosas, no es raro entonces que de los filmes vistos en el 2013 (ya incluyendo medios como dvd ó streaming) sean menos aún, por lo que una lista de los mejores filmes del 2013 no presentaría grandes sorpresas. De esta lista, sólo las primeras cuatro son realmente grandes:

1) Blue Jasmine (2013, Woody Allen)

2) About Time (2013, Richard Curtis)

3) The World's End (2013, Edgar Wright) 

4) Frozen (2013, Chris Buck, Jennifer Lee)

5) Side Effects (2013, Steven Soderbergh) 

6) The Hobbit: The Desolation of Smaug (2013, Peter Jackson) 

7) The Hunger Games: Catching Fire (2013, Francis Lawrence) 

8) Gravity (2013, Alfonso Cuaron) 

9) The Conjuring (2013, James Wan) 

10) The Heat (2013, Paul Feig) 

Lo que no termina es la búsqueda y descubrimiento de obras maestras, que durante el año 2013 fue muy fructífera. No tenía un conocimiento tan grande de la obra de The Archers (Michael Powell y Emeric Pressburger), pero tras presenciar "Black Narcissus" ("Narciso Negro"), queda claro que son cineastas fundamentales en la historia del cine británico. Otro descubrimiento importante fue la trilogía de la fe, del sueco Ingmar Bergman. Aunque el mismo Bergman daba poca importancia a considerarlos como una trilogía, hay una clara línea entre las tres que no se puede negar. De las tres, es la segunda, "Nattvardsgästerna" ("Los comulgantes" ó "Luz de Invierno") la que resultó más fascinante en su exploración de la fe. La lista de los mejores filmes que descubrí en el 2013 quedaría;

1) La passion de Jeanne d'Arc (1928, Carl Theodor Dreyer)

2) Black Narcissus (1947, Michael Powell & Emeric Pressburger)

3) Nattvardsgästerna (1963, Ingmar Bergman)

4) The Devils (1971, Ken Russell)

5) Sciuscià (Ragazzi) (1946, Vittorio De Sica)

6) Såsom i en spegel (1961, Ingmar Bergman)

7) Ordet (1955, Carl Theodor Dreyer)

8) Nanook of the North (1922, Robert J. Flaherty)

9) Ivan Groznyy: Skaz vtoroy - Boyarskiy zagovor (1958, Sergei M. Eisenstein)

10) Metropolis (1927, Fritz Lang)

Finalmente, también hay siempre una búsqueda por encontrar lo peor del cine mundial, y este año la búsqueda llegó a límites insospechados. Podría decir que en este 2013 vi las 5 peores películas que he visto en la vida, y éstas encabezan la lista de lo peor del cine que pude ver en este año que termina. Es muy fácil decir que cualquier película que no nos gusta es "la peor película", pero estas 5 superan todo. Puedo decir que para mi gusto, "Frozen Flesh" es la peor película jamás hecha. Además, la lista incluye la peor película que el maestro Jean Rollin filmara en su carrera, una de las peores de Juan Orol (que ya es decir algo), el momento más triste de la carrera de Bela Lugosi ("Old Mother Riley Meets the Vampire") y la decadencia de Gilberto Martínez Solares:

1) Frozen Flesh (2008, Justin French)

2) The Weekend It Lives (1992, Michael Mfume)

3) Feeding Billy (1997, Dwen Doggett)

4) Kracker Jack'd (2003, Chad Hendricks)

5) Ankle Biters (2002, Adam Minarovich)

6) Le lac des morts vivants (1981, Jean Rollin)

7) The Crow: Wicked Pryer (2005, Lance Mungia)

8) El tren de la muerte (1979, Juan Orol)

9) Old Mother Riley Meets the Vampire (1952, John Gilling)

10) Tres Mexicanos ardientes (1986, Gilberto Martinez Solares)

En este año que empieza, espero que pueda continuar escribiendo en este blog (y en W-Cinema), a pesar de que la escuela lo dificulte.

Captain Phillips (2013)

El 8 de abril del 2009, un grupo de cuatro piratas somalíes abordaron el barco MV Maersk Alabama cuando se encontraba a 240 millas náuticas de la costa de Somalia. Al frente del MV Maersk Alabama se encontraba el capitán Richard Phillips, que tenía como misión llevar el cargamento a Mombasa, Kenia. La situación se tornó complicada cuando al no poder llevarse el barco, los piratas tomaron de rehén al capitán Phillips y huyeron en un barco salvavidas. Todo terminaría en un arriesgado rescate por parte del equipo SEAL de la marina estadounidense. El secuestro y rescate del capitán Phillips pronto se convirtió en noticia internacional, por lo que pronto se comenzó a preparar una adaptación cinematográfica. Tomando como base la crónica del secuestro escrita por el mismo Phillips, "A Captain's Duty: Somali Pirates, Navy SEALS, and Dangerous Days at Sea", el director Paul Greengrass y el guionista Billy Ray desarrollaron una historia con la intención de retratar el intenso drama de la historia. Con el sencillo nombre de "Captain Phillips" y Tom Hanks al frente del elenco, el intento no es malo, pero tampoco sorprendente.

En "Captain Phillips" (literalmente, "Capitán Phillips"), Tom Hanks interpreta al epónimo protagonista, el capitán Richard Phillips, quien toma el mando del carguero MV Maersk Alabama en el puerto de Salalah, en Omán. Su destino, Mombasa, lo obliga a seguir la peligrosa costa de Somalia, donde frecuentemente se viven ataques de piratas. Al mando del Maersk Alabama, Phillips muestra una excesiva preocupación por la seguridad, lo que no lo hace muy popular con su tripulación. Al mismo tiempo, el joven pirata somalí Abduwali Muse (Barkhad Abdi) reúne a una tripulación de cuatro personas con el fin de capturar un barco. Muse desea demostrar su valía como pirata, dado que es constantemente menospreciado por sus compañeros. El 8 de abril, los destinos de Muse y Phillips se enfrentan cuando la tripulación de Muse toma por asalto el MV Maersk Alabama, haciendo realidad los peores miedos de Phillips. Determinado a proteger a su tripulación, Phillips requerirá de todo su ingenio y habilidad para enfrentar a Muse y mantener el control de la difícil situación.

Escrito por Billy Ray (co-guionista de "The Hunger Games"), el guión de "Captain Phillips" procura no ser solamente un recuento de la historia de Phillips, sino hacer un estudio de la relación entre dos personajes aparentemente muy diferentes: el capitán Phillips y el capitán Muse. Al inicio, vemos a ambos preparar el viaje definitorio, Phillips revisando su barco mientras que Muse escoge a su tripulación de entre los jóvenes somalíes de su tribu. Phillips se enfrenta al descontento de su tripulación, mientras Muse se ve humillado por sus compañeros. Finalmente, ambos capitanes se enfrentan en una lucha de resistencia, con Phillips intentando manipular a Muse mientras que el joven pirata trata de demostrar (a su tripulación y a sí mismo) que él es el jefe. Este enfoque es interesante en el sentido de que permite adentrarse en el personaje de Abduwali Muse de una forma más humana, explorando sus miedos y sentimientos, dándole dimensiones más complejas que las de un villano típico. Esta atención a la psicología de los personajes es sin duda una gran virtud del guión de Ray, pero insuficiente para sostener el peso de la cinta.

Al timón de "Captain Phillips" se encuentra el director inglés Paul Greengrass, quien no es del todo ajeno a realizar filmes basados en tensas historias de la vida real (como prueba "United 93" del 2006). En "Captain Phillips" Greengrass imprime nuevamente su familiar estilo de cámara en mano, que da un tono de realismo documental a la película. La cámara del cinematógrafo Barry Ackroyd (quien ya había trabajado con Greengrass en "Green Zone" y en la ya mencionada "United 93") se adentra en la escena casi como participante más que como mero testigo de la acción, logrando capturar el drama humano que se desarrolla entre los personajes. Y es que es la difícil relación entre Phillips y Muse la que funciona como motor de la cinta. Ackroyd y Greengrass logran retratar esa relación que se forma no sólo en diálogos, sino en miradas y silencios. Sin embargo, cabe mencionar que el ritmo de la cinta decae en cierta forma, pues aunque Greengrass construye la tensión de un enfrentamiento entre piratas y tripulación, al momento en que Phillips es secuestrado, el drama se va por otro camino, y Greengrass no logra seguirlo del todo.

Son las actuaciones las que sin duda forman el mayor atractivo de "Captain Phillips", pues es en duelo actoral entre el veterano Tom Hanks y el debutante Barkhad Abdi donde está la fuerza de la cinta de Greengrass. Hanks retoma el rol de hombre ordinario que le ha dado tanto éxito en su carrera. Como Phillips, Tom Hanks construye a un personaje diferente del héroe típico: es un hombre común, arrogante y orgulloso, lleno de defectos pero con una fuerte determinación. Tom Hanks logra realmente desaparecer en el personaje y hacerlo real de una manera descarnada y verdadera. El joven Barkhad Abdi debuta en el cine haciendo un trabajo de un nivel sorprendente en el papel del pirata somalí Abduwali Muse. Greengrass, adepto a emplear actores con poca ó nula experiencia, tiene el gran mérito de encontrar y saber guiar a un talento como el de Abdi, que logra realmente capturar no sólo la esencia de un personaje tan complejo como Muse, sino el espíritu mismo del pueblo somalí, que vive oprimido y encuentra en la piratería una manera de sobrevivir.

Como se mencionó anteriormente, es este el gran mérito de "Captain Phillips", el lograr construir personajes complejos en un mundo que no es blanco y negro. El reconocer la humanidad en sus personajes y partir de ahí para elaborar su discurso: Muse es a fin de cuentas, un joven pescador con sueños que parecen imposibles en su difícil realidad. Sin embargo, de aquí surge un problema en el drama que "Captain Phillips" desarrolla, pues llega un momento en que la historia se vuelve más interesante desde la perspectiva de los piratas. No sólo es el hecho de que se ha logrado que Abduwali Muse sea tan o más simpático que Phillips, sino que finalmente es una historia donde un grupo de cuatro jóvenes piratas se enfrentan al ejército más poderoso del mundo. La cuestión de la supervivencia de Phillips se achica frente a la tragedia de Muse, quien sólo busca una salida y que, como muchos de sus sueños, es imposible de lograr. Y sin embargo, a pesar de lo fascinantes que podrían resultar estos personajes, Greengrass retorna a la fórmula tradicional en el clímax para recordarnos que eran los malos de la película.

Finalmente, pareciera que "Captain Phillips" se debate entre ser dos tipos de película, por un lado se encuentra un drama que retrata una situación real y explora a los personajes como seres humanos complejos y reales; y por el otro una cinta de supervivencia donde se tiene claro quienes son los buenos y quienes los malos. En "Captain Phillips", Greengrass pareciera haber comenzado haciendo la primera película y terminando en la segunda. Al final de la cinta, pareciera que el tenso conflicto entre Phillips y Muse se diluye en el dispar enfrentamiento entre los piratas y la eficiente marina estadounidense. Aunque técnicamente impecable y con dos brillantes actuaciones por parte de Tom Hanks y Barkhad Abdi, "Captain Phillips" carece un poco de tacto al hablar del complejo tema de la piratería somalí y se pierde al intentar resolver el conflicto en el que se mete.

6/10

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The Body Snatcher (1945)

Entre los años 1927 y 1928, una serie de extraños asesinatos tuvieron lugar en Edimburgo, Escocia, aterrorizando a la población durante los casi once meses entre el primer crimen y la captura de los perpetradores. Al momento de su aprehensión, 17 personas habían sido asesinadas por William Burje y William Hare con el fin de vender los cadáveres al Edinburgh Medical College para su disección, con el prestigiado doctor Robert Knox como su cliente principal. La revelación de estos hechos sorprendió a la nación e hizo el caso (conocido como "Los asesinatos de West Port") parte de la cultura popular, siendo incluso material para canciones populares. Años después, el famoso escritor Robert Louis Stevenson quedaría fascinado por el caso, tomándolo como inspiración para una pequeña historia que publicaría en 1884 con el título de "The Body Snatcher". Esta misma historia corta sería luego la base para una película realizada en 1945 por el productor Val Lewton y el director Robert Wise, teniendo como protagonista al legendario ícono del horror, Boris Karloff.

Ubicada en Edimburgo en 1831, "The Body Snatcher" (literalmente, "El ladrón de cuerpos") es la historia de Donald Fettes (Russell Wade), un joven estudiante de medicina que se ve forzado a dejar la escuela debido a sus problemas económicos. Para su sorpresa, su instructor el famoso Dr. MacFarlane (Henry Daniell) decide ayudarlo dándole empleo como su asistente, pues considera a Fettes un prometedor estudiante que vale la pena apoyar. Sin embargo, no todo es miel sobre hojuelas para el joven Fettes, pues su nuevo puesto lo llevará a descubrir el lado oscuro de su honorable profesión cuando se da cuenta de que el Dr. MacFarlane debe pagarle al siniestro John Gray (Boris Karloff), un cochero, para que le consiga cadáveres exhumados de los cementerios para ser sujetos en sus clases. Esta terrible revelación será solo el principio, pues tras conocer al misterioso cochero Fettes encontrará que Gray no sólo es un sucio ladrón de cuerpos, sino que también es poseedor de un terrible secreto acerca del doctor MacFarlane que le da poder sobre el respetable médico.

Escrita por el productor Val Lewton (bajo su usual pseudónimo "Carlos Keith") y el popular escritor de novelas de misterio Philip MacDonald, "The Body Snatcher" es un poderoso drama psicológico en el sutil estilo que Lewton había desarrollado durante sus días como jefe de la unidad de horror en los estudios RKO. Tomando la historia de Stevenson como base, los guionistas crean una trama que espora el aspecto oscuro del alma humana en una forma que pareciera mezclar los orígenes góticos de la historia con el film noir tan en boga en los años 40s. La ambigüedad moral al estilo del cine negro se presenta al tocar el tema del progreso de la ciencia a costa de cometer crímenes cada vez más perversos. Es aquí donde la historia introduce uno de los más extraordinarios y complejos personajes del género en la figura de John Gray, quien mantiene la relación con el Dr MacFarlane más por el placer de verlo sufrir que por algún interés económico genuino. Cabe destacar la gran calidad de los diálogos en el filme, que brindan al elenco grandes oportunidades para desarrollar a los personajes.

"The Body Snatcher" fue la segunda cinta dirigida totalmente por Robert Wise tras hacer "Mademoiselle Fifi" para Lewton el año anterior ("The Curse of the Cat People", su debut, fue inicialmente dirigida por Gunther Von Fritsch). Cómo en sus trabajos anteriores, Wise nuevamente muestra sus habilidades para crear una cinta de época visualmente sorprendente tomando en cuenta los bajos presupuestos de RKO. En cierta forma, "The Body Snatcher" es un efectivo regreso a la atmósfera del cine de horror gótico que realizaba Universal Studios en los 30s, aunque con un toque de duro realismo y la sutil ambigüedad en su temática que la vuelven una especie de film noir gótico. En "The Body Snatcher" puede apreciarse un estilo basado más en la sugestión y la atmósfera que en el horror gráfico, estilo con el que Wise crea sobrecogedoras escenas de horror empleando inteligentemente los recursos más básicos del cine: montaje, sonido, iluminación. Años después Wise emplearía esta misma filosofía de "menos es más" en el clásico de horror "The Haunting".

Aunque probablemente siempre será recordado como la Creatura en la clásica cinta de 1931, "Frankenstein" (dirigido por James Whale), el actor británico Boris Karloff no era un actor limitado en rango, y esta película es el mejor testamento de ello. Como el cochero John Gray, el legendario Karloff realiza la que posiblemente sea la mejor actuación en toda su carrera, transformándose en este complejo personaje que puede ser tanto un amable cochero como un cruel y malcarado ladrón de cadáveres, disfrutando torturar la mente del Dr. MacFarlane. Sin embargo, Karloff no es el único en realizar un buen trabajo, pues Henry Daniell es otro de los puntos fuertes del filme en su rol del Dr. MacFarlane, quien a pesar de desear se un ejemplo de respetabilidad, carga con grandes culpas. Russell Wade, actor frecuente en la RKO, completa el elenco como el joven Fettes, haciendo un eficiente trabajo como el ingenuo estudiante de medicina. Bela Lugosi, el otro gran ícono del género aparece en un rol menor, aunque a pesar de ello logra robar cámara con gran talento.

Durante su breve tenura en los estudios RKO, Val Lewton mostró una gran habilidad al seleccionar el personal que trabajaría en sus películas, y en "The Body Snatcher" esto se refleja en la elección del fotógrafo Robert De Grasse, quien brinda su talento para la creación de la ominosa atmósfera que permea toda la película. Siendo Robert Wise un editor antes de convertirse en director, da una importancia especial a la narrativa mediante el montaje, lo que le permite desarrollar una historia ágil y dinámica. En "The Body Snatcher" aún puede sentirse la influencia de Orson Welles (con quien Wise colaboró como editor en "Citizen Kane") en la manera en que da uso a la cámara de De Grasse. Algo que resalta en la cinta es la recreación que hace Wise de la época en que se ubica el film, pues "The Body Snatcher" no luce como una cinta de serie B (Lewton empleó sets prestados de otras cintas para lograr esto). Sin embargo, la verdadera fuerza de "The Body Snatcher" radica en sus actores, y la labor de Wise y De Grasse se enfoca principalmente en darles pie para explotar sus talentos.

Por estas y otras razones, "The Body Snatcher" es sin duda la mejor de las películas producidas por Val Lewton en sus años en RKO, y bien puede considerarse como una de las mejores cintas de horror jamás realizadas. El director Robert Wise crea una cinta mítica, reuniendo por última vez a las dos más grandes figuras del cine de horror, Karloff y Lugosi, obteniendo de ambos sus mejores interpretaciones. "The Body Snatcher" eleva a un nivel artístico superior el estilo de cine que promovía Val Lewton, al crear un mundo corrupto y moralmente ambiguo con personajes psicológicamente complejos cuyo mayor deseo es el de escapar de ese mismo mundo. Este brutal híbrido de horror gótico y cine negro sería la prueba definitiva de que lo que Lewton y sus colaboradores creaban era mucho más que entretenimiento barato de serie B, era realmente arte.

10/10

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The Curse of the Cat People (1944)

Tras el exitoso estreno de la cinta "Cat People" en 1942 (dirigida por Jacques Tourneur), el productor Val Lewton, a cargo de la unidad de horror de RKO Studios, se encontró con la obligación de demostrar que el éxito no había sido sólo un golpe de suerte. No fue tarea fácil, pero filmes como "I Walked with a Zombie" también de Tourneur y "The Seventh Victim" de Mark Robson, consolidaron la reputación de Lewton como un eficiente productor y establecieron un estilo muy particular que se volvió el sello de Val Lewton. Aunque sus cintas de horror funcionaban muy bien, Lewton no deseaba encasillarse como un productor del género, y para fines de 1943 decidió intentar algo diferente. Nuevamente colaborando con el guionista DeWitt Bodeen, Lewton concibió una historia de fantasía oscuro acerca de los horrores de la infancia. Desafortunadamente, las cabezas de RKO deseaban mantener una continuidad a los exitosos filmes que Lewton producía, por lo que Bodeen se vio forzado a agregar elementos de su trabajo anterior, convirtiendo la historia en una secuela de su obra más famosa, "The Curse of the Cat People".

En "The Curse of the Cat People" (en español conocida como "La Maldición de la Mujer Pantera"), encontramos de vuelta a los personajes de la original "Cat People" algunos años después de los eventos del primer filme. Oliver Reed (Kent Smith) y Alice Moore (Jane Randolph) son ahora una pareja casada y viven en un agradable vecindario con su pequeña hija de seis años, Amy (Ann Carter). Amy es una niña muy inteligente e imaginativa, más adepta a soñar despierta que a hacer amigos de su edad. Esto preocupa mucho a Oliver, quien tras haber experimentado los catastróficos resultados de la imaginación obsesiva de su primera esposa Irena (Simone Simon), teme que Amy corra la misma suerte. La preocupación de Oliver crece cuando descubre que Amy tiene una amiga imaginaria: Irena. Pero Irena no es una amiga imaginaria, sino que es ahora un fantasma que desea la amistad de Amy. Aunque en realidad esta aparición parece ser benéfica para Amy e incluso la anima a formar verdaderas amistades, Oliver teme que su hija tenga un destino trágico, similar al de Irena.

Aunque para fines prácticos la cinta es una secuela a "Cat People", la historia que DeWitt Bodeen crea es bastante diferente a la original en términos de temática y tono. Aunque ambas cintas son thriller psicológicos, "The Curse of the Cat People" gira completamente en torno al tema de la infancia, su inocencia y los horrores a los que se enfrentan los niños. Enfocándose en la problemática relación de una niña altamente imaginativa y su temeroso y pragmático padre, Bodeen logra crear una bellísima historia que captura perfectamente la experiencia de la infancia al contar la historia desde el punto de vista de Amy. También toca en una manera sutil la idea de enfrentar a los demonios interiores y, aunque con sus diferencias, complementa a "Cat People" en su tratamiento de la inseguridad y la soledad. En este sentido es interesante que sea el fantasma de Irena, víctima de la inseguridad en el primer filme, quien anime a Amy a superar ese mismo miedo. Aunque ciertamente no es una película de horror en el sentido tradicional, "The Curse of the Cat People" es deliciosamente oscura en su estudio de la imaginación infantil.

Originalmente, "The Curse of the Cat People" comenzó siendo dirigida pro Gunther Von Fritsch, perl múltiples problemas en la producción forzaron a Lewton a remplazarlo con el hasta entonces editor, Robert Wise, marcando su debut en la realización. Aunque Wise siguió al pie de la letra el estilo marcado por Lewton, "The Curse of the Cat People" muestra mucha de la influencia que Wise recibió de Orson Welles (dado que Wise editó "Citizen Kane" y "The Magnificent Ambersons" entre otros filmes), incluyendo ese uso dinámico e inventivo de la cámara y el inteligente uso del montaje como medio narrativo. Como todos los filmes producidos por Lewton, la película favorece la atmósfera sobre todas las cosas, aunque en esta ocasión el tono es de mágico surrealismo, ó más bien, de oscuraa fantasía gótica, representando la rica imaginación de Amy. La maravillosa fotografía de Nicholas Musuraca nuevamente juega in papel fundamental en esto, pues en "The Curse of the Cat People" Musuraca crea varias de las imágenes más bellas que se pueden encontrar en las cintas de Val Lewton.

De la misma forma que el filme original, "The Curse of the Cat People" se beneficia del gran talento de su actriz principal, en este caso la joven Ann Carter, quien realiza un extraordinario papel como Amy Reed, especialmente considerando su edad (Carter tendría una fructífera carrera como actriz infantil, que lamentablemente no continuó al crecer). Simone Simon regresa como Irena, y nuevamente su presencia levanta el filme gracias a su belleza y talento. Y aún y que su papel es considerablemente menor en esta ocasión (la cinta pertenece completamente a Ann Carter), Simone Simon realiza una vez más un gran trabajo como el fallecida esposa de Oliver. Desafortunadamente, Kent Smith es de nuevo el punto débil del elenco, aunque sí hay una mejoría sobre su trabajo en "Cat People". Jane Randolph tiene un papel más interesante en esta ocasión, aunque no se le da mucha ocasión para brillar. Caso contrario el de Julia Dean y especialmente Elizabeth Russell, quienes brindan excelentes actuaciones en sus papeles de soporte como vecinos de los Reed.

Definitivamente los peores enemigos de la cinta son curiosamente su relación con la original "Cat People" y el rimbombante título sensacionalista que Lewton fue forzado a emplear, pues esto crea una falsa expectativa respecto al tono de la cinta, que en muchos niveles es totalmente opuesto al de la clásica cinta de 1942. Aunque ciertamente la película cuenta con elementos de horror, "The Curse of the Cat People" funciona más como un oscuro y elegante melodrama fantástico que como una fuerte película de terror en el estilo tradicional. De cualquier forma, "The Curse of the Cat People" se sostiene principalmente por su guión, que se adentra en los temores e inseguridades de la infancia con bastante valor, empleando la fantasía para abordar el tema de forma interesante. Quizás el defecto sea que Bodeen no se anima a soltar del todo la rígida estructura del melodrama familiar (el final es bastante apresurado) dejando la cinta a medio camino entre la fantasía y el melodrama, sin atreverse del todo a ir al lado oscuro. Sin embargo, esto no la hace menos disfrutable, y a pesar de las diferencias, "The Curse of the Cat People" es digna sucesora de la original.

A pesar de sus problemas, "The Curse of the Cat People" es definitivamente una de las cintas que mejor representan la oscuridad de una infancia solitaria y los sentimientos de inseguridad que la acompañan, así como la vívida imaginación que los niños poseen. Tal vez no sea una nueva "Cat People" en el sentido estricto de continuar el estilo de horror iniciado por Jacques Tourneur, pero esta cinta evoca el mismo tipo de atmósfera que hace a las películas producidas por Val Lewton tan cautivantes. "The Curse of the Cat People" sería además el comienzo de la fructífera carrera del director Robert Wise, quien posteriormente realizaría películas clásicas como "The Day the Earth Stood Still" (1951), "West Side Story" (1961) y "The Haunting" (1963). 

8/10

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Cat People (1942)

Fue en 1935, durante la filmación de una producción de David O. Selznick, adaptación de la novela de Charles Dickens "A Tale of Two Cities" (dirigida por Jack Conway y Robert Z. Leonard), en que dos jóvenes asistentes llamados Val Lewton y Jacques Tourneur se conocieron tras trabajar juntos en varias secuencias del filme. En aquellos años, Lewton trabajaba asistiendo a Selznick mientras que Toruneur, hijo del cineasta Maurice Toruneur, laboraba como director asistente mientras intentaba construir una carrera de cineasta haciendo cortometrajes para la MGM. Sin embargo, el destino tenía algo reservado para ambos, pues cuando en 1942 Lewton se volvió jefe de la recientemente creada unidad de horror en los estudios RKO, la primera persona a la que contrató fue a Jacques Tourneur. La consigna de RKO era la de realizar películas económicas de serie B, pero Lewton y Tourneur revolucionarían el género del horror con el estilo sutil y atmosférico de sus películas, basado más en la sugestión que en el shock directo. La primera de las tres cintas que Tourneur haría para Lewton fue también su debut en el cine: "Cat People" de 1942.

"Cat People", conocida en español como "La Mujer Pantera", es la historia de Irena Dubrovna (Simone Simon), una diseñadora de modas de origen serbio que se ha mudado a New York. Una mujer solitaria, Irena pasa las tardes observando los animales del zoológico, sintiendo una especial fascinación por los felinos. Es en el zoológico donde Irena conoce a Oliver Reed (Kent Smith), ingeniero naval quien queda prendado por la belleza de Irena. La atracción es mutua, y pronto la pareja comienza a tener planes de matrimonio. Sin embargo, hay un obstáculo para su felicidad: Irena cree fervientemente en una antigua maldición de su pueblo natal, que dicta que se transformará en una bestia asesina si se excita emocionalmente. Oliver intenta ayudarla, pensando que el problema tiene un origen psicológico, por lo que sigue adelante con el matrimonio, esperando encontrar una solución en el futuro. Sin embargo, la obsesión de Irena continúa, desesperando a Oliver quien pronto se enamora de su compañera de trabajo, Alice (Jane Randolph). Esto tendrá desastrosas consecuencias cuando Irena lo descubra.

Como en cada cinta que Lewton produciría para la RKO, "Cat People" estaría basada en una idea del propio Lewton desarrollada por alguno de sus guionistas. En este caso, sería DeWitt Bodeen (dramaturgo que había causado una gran impresión en Lewton) quien daría forma al concepto, creando una de las mejores historias del cine de horror. Dadas las limitantes condiciones de presupuesto, Lewton y Bodeen sabiamente decidieron enfocarse en el suspenso y el misterio, agregando un toque de horror psicológico y poniendo un mayor énfasis en el melodrama y en el desarrollo de los personajes. En la persona de Irena, crearon uno de los más complejos e interesantes personajes en la historia del cine de horror, y que inauguraría la exploración de temas psicosexuales en las películas. "Cat People" resulta ser más que una historia de horror y suspenso, es en el fondo una sutil metáfora sobre la represión sexual y, principalmente, un estudio sobre el miedo a perder el control sobre las pasiones carnales. Cómo en las clásicas leyendas de licantropía, la pantera se vuelve un símbolo del lado salvaje de la naturaleza humana.

Si el guión es digno de alabanza, la dirección del cineasta francés Jacques Tourneur es sencillamente sorprendente. Trabajando en la unidad de Lewton, Tourneur encontró severas limitaciones de presupuesto, pero también una gran libertad creativa que le permitió desarrollar en "Cat People" un estilo que después se haría la marca de Val Lewton y RKO (inspirando a cineastas como Robert Wise y Mark Robson). Este estilo recibiría gran influencia del cine negro norteamericano, haciendo al horror de RKO un híbrido de horror y film noir (el mismo Tourneur realizaría un clásico del film noir en1947, "Out of the Past"). Enfatizando la atmósfera y el tono, Tourneur juega con la sensualidad y la sutileza como pocas veces se había realizado en el horror (en cierta forma, la cinta se siente más erótica que el remake de 1982), empleando el poder de la sugestión para generar miedo en vez de un horror más gráfico. Tourneur maneja con gran maestría el misterio que rodea la obsesión de Irena, manteniendo constantemente el suspenso y la incertidumbre respecto a si la maldición es real o sólo una imaginación de Irena.

Ahora, como se mencionó anteriormente, Irena Dubrovna es probablemente uno de los mejores personajes jamás escritos en el género, sin embargo, probablemente no hubiera tenido el mismo impacto sin la gran actuación de la bellísima actriz francesa Simone Simon (famosa por "La bête humaine"). Como Irena, Simone realmente captura la mezcla de misterio e inocencia que hacen a su personaje no sólo atractivo y simpático, sino también altamente erótico sin perder la clase (haciendo de Irena efectivamente una Femme Fatale y una damisela en desgracia a la vez). Su descenso a la locura a medida de que su obsesión crece permite a Simone el mostrar su enorme talento como actriz en el gran retrato de paranoia que ella hace en "Cat People". Ciertamente, pocos en el elenco logran alcanzar el gran nivel de la actuación de Simone (Kent Smith es particularmente débil en su papel), sin embargo, Jane Randolph hace un buen papel como Alice, y Tom Conway realiza un trabajo sobresaliente como el Dr. Judd, psiquiatra al que asiste Irena, y que pronto se va interesando en la misteriosa mujer pantera.

Jacques Tourneur realizaría grandes películas en RKO ("I Walked with a Zombie" es probablemente la mejor), pero "Cat People" permanece como la más influyente obra de sus años con Lewton. No sólo es un filme bellamente realizado (gracias al brillante trabajo de fotografía de Nicholas Musuraca) que atinadamente daba un espíritu de film noir al horror, sino que su éxito cambió la manera en que los thrillers se realizaban al incluir un toque de psicología, y un grado más alto de tensión sexual y erotismo que, gracias al sutil toque de Tourneur, pudo pasar la estricta censura de esos años sin problema. En una época en que las películas de serie B eran sinónimo de mediocridad, "Cat People" logro probar que lo realmente necesario para hacer una buena película no eran presupuestos exhorbitantes o altos valores de producción, sino creatividad, talento y dedicación. Ciertamente la cinta tiene sus defectos (la actuación de Kent Smith es tal vez el más notorio), pero son pequeños y de poca importancia en una cinta que es por demás impecable.

Al final, la apuesta de Val Lewton resulto mucho mejor de lo esperado y "Cat People" se volvió el filme más exitoso de RKO en el año de su estreno, consolidando la carrera de Jacques Tourneur como realizador y estableciendo a Lewton como un hábil productor al frente de la unidad de horror de RKO e iniciando una era que vería cintas como "The Seventh Victim" (1943), "The Body Snatcher " (1945), y la ya mencionada "I Walked with a Zombie" (1943). Lewton produciría una secuela a esta cinta dos años después, "Curse of the Cat People", dando un giro fantástico a la historia de la mujer pantera e iniciando la carrera del director Robert Wise. Todo un clásico del género y de gran influencia posterior, "Cat People" es sin duda una gema del cine norteamericano que merece ser descubierta.

9/10

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Plan 9 from Outer Space (1959)

La historia del cine norteamericano está llena de grandes películas que obtuvieron gran reconocimiento por sus logros artísticos o innovaciones tecnológicas, y que a su vez dieron fama a sus realizadores. "Plan 9 from Outer Space" es una excepción a esto, ya que la fama que dio a su creador, Edward D. Wood Jr. fue la de "Peor Director de Todos los Tiempos". Estrenada en 1959, "Plan 9 from Outer Space" fue una película independiente que pasó sin pena ni gloria por las pantallas hasta que en 1980 fue descubierta por los críticos Michael y Harry Medved, quienes la consideraron "la peor película jamás hecha" dada la gran cantidad de errores y problemas técnicos que contiene. Sin embargo, a pesar de esto, "Plan 9 from Outer Space" tiene un extraño encanto que la hace diferente de muchas otras películas realmente malas: tiene corazón. El cine de Ed Wood es ingenuo e incompetente, pero poseedor de un extraordinario carisma. "Plan 9 from Outer Space" es el legado de un hombre cuyo amor por el cine era más grande que sus habilidades artísticas, y que estaba dispuesto a todo por terminar un film.

De acuerdo a su narrador, el Sorprendente Criswell (como él mismo), "Plan 9 from Outer Space" es el recuento de los hechos de aquel fatídico día en que un grupo de extraterrestres llegaron a Hollywood. Todo comienza en un funeral, donde un anciano (Bela Lugosi) llora la pérdida de su esposa (Vampira). Mientras tanto, lo que parecía un vuelo rutinario para los pilotos Jeff (Gregory Walcott) y Danny (David De Mering) se vuelve un encuentro cercano con un platillo volador. El platillo aterriza en el cementerio y al anochecer, los enterradores son atacados por el cadáver reanimado de la joven esposa. Al día siguiente, el anciano fallece en un accidente de tránsito y en su funeral, se descubren los cadáveres de los enterradores asesinados la noche anterior. El Inspector Clay (Tor Johnson) de la policía local comienza una investigación en el cementerio. En ese momento, el piloto Jeff le cuenta a su esposa su experiencia con el platillo y el hecho de que el gobierno le ha pedido que no haga ningún comentario al respecto. Pronto Clay se encuentra con los cadáveres del anciano y su esposa, que ahora forman parte del Plan 9 del Espacio Exterior.

Escrita, dirigida y producida por el mismo Ed Wood, "Plan 9 from Outer Space" es una mezcla bizarra entre el tipo de ciencia ficción que dominaba los años 50s y el cine de horror gótico con el que Wood había crecido. Así, "Plan 9 from Outer Space" es una trama típica de invasión extraterrestre aderezada con cadáveres reanimados y un Bela Lugosi inexplicablemente vestido como Drácula. La narración de Criswell, da un tono sensacionalista a la historia, que es presentada como los "testimonios secretos" de los sobrevivientes en un esfuerzo por imitar el tono de veracidad del popular programa "Dragnet". Sin embargo, este esfuerzo es minado por lo absolutamente bizarro de la trama, sin mencionar los diálogos extraños y absurdos que Wood ha dado a sus personajes. "Plan 9 from Outer Space" emula también la advertencia pacifista de "The Day the Earth Stood Still" (1951), ya que la razón para el ataque extraterrestre es también el detener a la destructiva raza humana, sin embargo, lo más interesante del guión de Wood es el claro mensaje antiestatista del filme: el gobierno oculta más de lo que sabe.

Como se ha mencionado anteriormente, la fama de "Plan 9 from Outer Space" viene principalmente de la incompetencia con que ha sido armada, ya que al director Ed Wood poco le importan cuestiones como la continuidad y la coherencia entre sus tomas. Así, por momentos el cielo puede cambiar de entre día y noche, las actuaciones varían su emoción dramática (si es que la hay), y los efectos especiales son de una calidad ínfima. Sin embargo, es claro que Wood sabe lo que el cine implica, pues es capaz de crear un accidente automovilístico solamente con sonido, o crear secuencias completas mezclando filmación en set, en locación y material de archivo. Wood sabe cómo se hace el cine, simplemente lo hace en extremo descuidadamente. El que este descuido haya sido provocado por bajo presupuesto o un exceso de confianza o una desafortunada combinación de ambas es algo que no podemos saber. Lo que sí se puede apreciar es el interés de Wood por crear una historia épica a pesar de sus limitados recursos, y su determinación a contar su historia a como dé lugar (al grado de sustituir al fallecido Lugosi).

La aparición de Bela Lugosi en "Plan 9 from Outer Space" es otro de los factores que ha contribuido para que la cinta tenga ahora el grado de film de culto. A comienzos de los años 50s, Lugosi se encontraba participando en cintas de serie "B" de bajo presupuesto para mantener su adicción a los analgésicos. Encontrarse con Ed Wood, quien se consideraba gran fan de Lugosi, significó un breve retorno a papeles principales. Bela Lugosi rodó con Wood algunas escenas para una historia que no se realizaría, pero que acabarían formando parte de "Plan 9 from Outer Space" (razón por la que no hay sonido en las escenas de Lugosi). Para completar el papel de Lugosi, Wood reclutó a Tom Mason, quien hace una pobre imitación de Lugosi cubriendo su cara con una capa. Las actuaciones, como todo lo demás en "Plan 9" son descuidadas y torpes, aunque algunos intérpretes, como Gregory Walcott, intentan hacer un esfuerzo por hacer un buen trabajo. Tor Johnson, Vampira, Dudley Manlove y el Sorprendente Criswell completan un elenco por demás extraño e inolvidable, aunque sea por las razones equivocadas.

Esa es tal vez la mejor forma de describir "Plan 9 from Outer Space", una cinta inolvidable por las razones equivocadas. Lo que Wood deseaba fuera emocionante, termina siendo ridículo, y lo que esperaba fuera aterrador, resulta absurdamente divertido. Involuntariamente, Wood ha creado una entretenida cinta de horror que se ha vuelto un divertido ícono del género. La razón de esto es precisamente la ingenuidad e incompetencia en la realización de la cinta, pues de estar mejor realizada, probablemente la película resultara en extremo aburrida. Y esto es algo bastante interesante, pues a pesar de la gran cantidad de problemas que plagan "Plan 9 from Outer Space" la película jamás es aburrida. Y esto es algo de lo que no pueden presumir muchas cintas realizadas con mejores recursos y mayor experiencia. Es difícil decir que "Plan 9 from Outer Space" es una buena película, y curiosamente es aún más difícil decir que es una mala película. Pues aunque probablemente la cinta está lejos de las intenciones de Ed Wood al realizarla, lo que logra es tan ó incluso más valioso.

"Plan 9 from Outer Space" es una cinta con un encanto difícil de explicar, pues sus imágenes generan una extraña fascinación. En la película se conjugan efectos baratos, actuaciones exageradas, un guión absurdo y una edición bizarra, y sin embargo todo funciona de una manera tal que la cinta permanece entretenida de principio a fin. La cinta de Tim Burton, "Ed Wood" (1994), es el ejemplo perfecto de la fascinación que produce "Plan 9 from Outer Space". Y es que en cierta forma, la realización de "Plan 9 from Outer Space" encierra el dolor y la gloria de hacer cine, el reunir los talentos y recursos de un grupo de personas (por muchos o pocos que sean) para dar vida a un sueño, a una visión. La visión de Ed Wood, un hombre cuya alma estaba en el cine aunque sus talentos no, es paradójica en el sentido de que cumple con aquella máxima de que la cinta es tan mala que es buena.

5/10

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Flor de Durazno (1917)

Considerado como la figura más prominente en la historia del tango, el cantante y compositor Carlos Gardel llevó la cultura del tango argentino a todo el mundo, volviéndose uno de los artistas latinoamericanos más conocidos internacionalmente al momento de su trágica muerte. De origen francés, Gardel pasó su infancia en el barrio de Abasto, en la ciudad de Buenos Aires, donde comenzó a desarrollar su estilo cantando en bares y en fiestas privadas. En 1917, Carlos Gardel comenzaría a realizar grabaciones, iniciando la brillante carrera que lo llevaría a recorrer el mundo. Gran parte del atractivo del joven cantante eran su presencia y porte, que no pasaron desapercibidos por la industria cinematográfica, y ese mismo año la naciente estrella del tango se vio debutando en la pantalla de plata. El título de la cinta sería "Flor de Durazno", adaptación de la popular novela del mismo nombre, escrita por Gustavo Adolfo Martínez Zuviría, mejor conocido como Hugo Wast. Y si bien la cinta fue un gran éxito en taquilla, no representa ni el mejor momento de Gardel ni del cine argentino de su época.

"Flor de Durazno" es la historia de Rina (Ilde Pirovano), una joven serrana que vive con su padre Germán (Diego Figueroa) en su pequeña granja. Enamorada de ella se encuentra su primo Fabián (Carlos Gardel), pero la joven ha crecido embelesada por el joven Miguel Benavides (Argentino Gómez), heredero de una rica plantación. Al tiempo los jóvenes crecen, y Fabián logra conquistar el corazón de Rina, quien finalmente acepta casarse con él. Desafortunadamente, la guerra obliga a Fabián a enlistarse al ejército y la pareja pospone la boda hasta que Fabián regrese. Miguel, que se vuelve el dueño de la plantación, aprovecha la situación para acercarse a Rina, tomando ventaja de que su posición económica le permite ganarse la confianza del padre de Rina, quien se ve envuelto en un pleito legal y ve en Miguel a un consejero de fiar. Con las cartas a su favor, Miguel seduce a Rina, quien termina embarazada de la relación. Cuando Miguel se niega a casarse con Rina, ésta decide huir a la capital, donde pasará penurias al encontrarse sola y en la miseria.

Escrita y dirigida por el director Francisco Defilippis Novoa, "Flor de Durazno" sigue con relativa fidelidad la trama de la novela de Hugo Wast, melodrama de corte naturalista en el que se retrataban las injusticias sociales. Este tipo de historias había encontrado ya gran éxito en el cine, como ejemplifica la cinta "Nobleza gaucha" de 1915, que como la película de Defilippis, tomaba como punto de partida un conflicto entre un malicioso ranchero rico y un gaucho noble pero humilde. "Flor de Durazno" sigue al pie de la letra la fórmula, con la humilde campesina Rina sufriendo estoicamente el abuso y la humillación a la que la somete la clase adinerada, siendo su único motor el amor que siente por su pequeña hija. A pesar de su temática de denuncia, la historia es bastante conservadora, pues Rina encuentra su sufrimiento como un a penitencia, su pecado: haberse olvidado del noble Fabián, quien la recuerda en cada uno de sus viajes con el ejército. La sencilla trama de "Flor de Durazno", aboga por la idea de que la modernidad de la gran ciudad es perversa, mientras que en el campo es donde se encuentra la verdadera nobleza.

"Flor de Durazno" se caracteriza por la sencillez con la que el director Francisco Defilippis Novoa aborda la historia, y por el ágil ritmo en que se desarrolla la trama. Sacando provecho de sus locaciones naturales (y del trabajo del fotógrafo Francisco Mayrhoffer), Defilippis Novoa hace un retrato bucólico de la campiña argentina, la cual se presenta como un apacible lugar donde la vida es más tranquila y sencilla. En contraste, la ciudad se presenta como un lugar sucio y caótico, donde la maldad se esconde en cada esquina. A pesar de la profunda simpleza de la puesta en cámara de Defilippis Novoa, hay momentos interesantes en los que la trama se vuelve a Fabián, quien canta para recordar su tierra y a su amada Rina. En estos momentos, que probablemente se acompañaban de alguna grabación en disco de Gardel, Defilippis aprovecha para mostrarse poético y adentrarnos en la subjetividad de las emociones del personaje. En la misma línea, Defilippis ocasionalmente emplea con originalidad recursos como la doble exposición para ilustrar los recuerdos de sus personajes.

Sin duda el principal atractivo de "Flor de Durazno" es apreciar el debut cinematográfico de Carlos Gardel pero, lamentablemente, esta primera aparición del Zorzal Criollo en el cine deja mucho que desear. De entrada, el cine mudo no es tal vez el mejor medio para que un cantante se luzca (se cuenta que el mismo Gardel abandonó el plató decepcionado de su trabajo), además de que su personaje es bastante secundario en relación a la trama, pues la verdadera estrella de la cinta es Ilde Pirovano. Como Rina, Pirovano carga totalmente con el peso de la cinta, y en general hace un trabajo bastante loable pues, la joven actriz se aleja de las convenciones del cine silente y brinda un trabajo más natural. Caso contrario el de Argentino Gómez, que como el perverso Miguel Benavides, se muestra terriblemente sobreactuado, haciendo una caricatura del arquetipo de villano adinerado. Lo mismo se podría decir del resto del elenco, que mantiene el tono acartonado de los orígenes del cine. Quizás la única excepción (además de Ilde Pirovano) es Diego Figueroa, que logra dar dignidad al personaje de Germán Castillo.

A pesar de que las actuaciones no son realmente lo mejor de la cinta, poco les ayuda el que el guión sea tan simple en su desarrollo, pues los personajes son en su mayoría una colección de arquetipos clásicos del género: la ingenua víctima, su estricto padre, el perverso adinerado, el sabio sacerdote y el noble gaucho. Poco se hace por desarrollar estas personalidades de forma dramática, y el director Francisco Defilippis meramente concentra sus esfuerzos en retratar fielmente la atmósfera de la historia y en contar la anécdota lo mejor posible. Esto deja a "Flor de Durazno" como una oportunidad perdida, que aunque pudo haber servido para explorar el tema de las injusticias sociales, se queda en un simple melodrama naturalista donde nuevamente el malvado rico abusa de la nobleza de los pobres. Por supuesto, mucho de esto se puede achacar a la novela de Hugo Wast, que ya de origen carga con estos y otros defectos; pero dado su enorme éxito comercial, probablemente Defilippis optó por no hacer demasiados cambios a una fórmula por demás probada.

Como la novela en la que está basada, "Flor de Durazno" fue un gran éxito de taquilla; sin embargo, como se menciono anteriormente Gardel no quedó muy conforme con el resultado. Carlos Gardel permanecería concentrado en su carrera musical, y no volvería a estar frente a la cámara de cine sino hasta 1930, cuando  el director Eduardo Morera lo invitara a participar en una serie de cortometrajes musicales con sonido óptico, con los que reactivaría su faceta como actor. Naturalmente, el cine silente no era el medio adecuado para aprovechar realmente los talentos de un cantante como Gardel. A pesar de contar con algunos elementos de interés, "Flor de Durazno" no logra elevarse a ser algo más que un sencillo melodrama rural. Una adaptación más libre se realizaría en México en 1945, con la actriz Esther Fernández en el papel de Rina.

5/10

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