The Artist (2011)

Desde la primer proyección pública en 1896, el cine ha visto innumerables desarrollos a través de su historia; sin embargo, ninguno ha sido tan definitivo como industria como fue la llegada del sonido al cine en 1927. Aunque los experimentos para agregar sonido a las películas son tan viejos como el cine mismo, sería el lanzamiento de "The Jazz Singer" de la Warner Bros. la que cambiaría el medio para siempre. Fascinados por el sonido sincronizado, el público hizo de la cinta un éxito y los estudios se dieron cuenta que el futuro estaba en las "talkies" (cine sonoro). Esto comenzaría un traumático proceso de adaptación en que muchas carreras legendarias se derrumbarían mientras que nuevas estrellas llegarían a la cima. Esta difícil era es el periodo en el que filme "The Artist" de Michel Hazanavicius se desarrolla, como un amoroso tributo al arte del cine mudo y sus estrellas. Pero el director Francés no sólo ubica su cinta en la era silente, sino que también realiza "The Artist" como si fuera un filme de los últimos años de la década de los 20s: silente.

"The Artist" comienza en 1927, en la premiere del más reciente filme de George Valentin (Jean Dujardin), "A Russian Affair". Valentin, una estrella de peso en la industria Americana, disfruta su éxito como parte de la realeza de Hollywood. Afuera del cine, cuando Valentin posa para los reporteros, un ajoven llamada Peppy Miller (Bérenice Bejo) accidentalmente cae junto a él. La cándida foto que les toman marca el comienzo de la carrera de la joven. Peppy comienza a audicionar para películas, y tras obtener un papel de bailarina, su camino se cruza con Valentin de nuevo. Fascinado por su encanto, Valentin exige que le den a Peppy un papel más grande, contra los deseos del jefe del estudio, Al Zimmer (John Goodman). Tras este papel, la carrera de Peppy comienza a avanzar lentamente hacia el estrellato. Dos años después, Zimmer anuncia que ya realizará cine mudo. Valentin se rehusa a trabajar en el cine sonoro, y decide realizar su propia película muda. Mientras la estrella de Valentin comienza a desvanecerse, Peppy se irá convirtiendo en la Reina de Hollywood en la era sonora.

Con un guión del mismo director Michel Hazanavicius, "The Artist" ó "El Artista", es un melodrama de la vieja escuela, combinando el romance y el drama con toques de comedia para relatar la caída de la estrella silente George Valentin y contrastarla con la llegada de Peppy Miller, a la par que desarrolla la relación que comienza a surgir entre ambos. Resultado de una gran investigación, el guión de Hazanavicius está lleno de referencias y homenajes a la historia del cine, comenzando con el personajde Valentin, quien es un pastiche de estrellas silentes como Douglas Fairbanks y John Gilbert. Sin embargo, aunque "The Artist" está ciertamente consciente de su naturaleza de homenaje, Hazanavicius no toma la ruta de la mera parodia, y en vez de eso permanece fiel al estilo clásico del melodrama tan compun de la era silente. "The Artist" es claramente el trabajo de un cinéfilo para los cinéfilos, una pieza de nostalgia, y aunque ciertamente no es un tema nuevo (el clásico "Singin' in the Rain" lo aborda también), la magia de "The Artist" no está en su trama, sino en su hechura.

Pues el encanto de "The Artist" está en su valiente regreso al estilo de cine de la era silente, con Hazanavicius regresando a una narrativa puramente visual (aunque un par de escenas el sonido es usado para efecto dramático), replicando el tono y look visual del Hollywood clásico de los años 1920s. Esta réplica involucra un soberbio trabajo de fotografía realizado por Guillaume Schiffman, quien utiliza un bello blanco y negro (y en aspecto Académico por supuesto) para dar vida a esta historia de antaño, como si fuera realizada con la tecnología de la época. Todo el diseño de producción (de Laurence Bennett) se esfuerza en evocar la era silente, sin embargo, más allás de los aspectos meramente técnicos del filme, donde realmente se captura el estilo de cine silente en "The Artist" es sencillamente en la fluida narrativa de Hazanavicius, la cual como se mencionó anteriormente, se basa totalmente en lo visual, con una gran economía de intetítulos y un extenso conocimiento del lenguaje cinematográfico. Es ciertamente un truco novedoso, pero un truco bien enraizado en la estructura del filme.

La actuación es, por supuesto, instrumental en la recreación del cine de la era muda, pues ciertamente las interpretaciones de los actores de aquella época era considerablemente diferente a la actual. Como la estrella George Valentin, el actor Francés Jean Dujardin es fascinante, y canalizando la persona de Douglas Fairbanks en su personaje, Dujardin hace una interpretación excelente como la famosa estrella incapaz de adaptarse. "The Artist" es totalmente de Dujardin, y él actor saca el máximo provecho a esto. Bérenice Bejo interpreta a su contraparte, Peppy Miller, la joven actriz que se vuelve la nueva estrella. Encantadora y vibrante, Bejo tiene un gran carisma muy acorde a su rol, el cual pareciera inspirado en una joven Joan Crawford. Aunque ocapada por Dujardin, Bejo da a su rol un cierto grado de clase y jovialidad que le va a su personaje como anillo al dedo. El resto del elenco es en general muy efectivo, aunque ciertamente su tiempo en pantalla es considerablemente inferior. Dujardin y Bejo son sin duda las estrellas de "The Artist".

Sin embargo, dentro del elenco de soporte, es preciso señalar el admrable trabajo de James Cromwell como Clifton, el leal mayordomo y chofer de Valentin. Cromwell le da a su papel una enorme cantidad de dignidad y expresividad, de manera que transmite perfectamente las emociones de su personaje con casi nada más que su mirada. El trabajo de Cromwell es verdaderamente uno de los pequeños detalles que levantan a "The Artist" de ser un melodrama común y lo vuelven significativo. Pues como se mencionó anteriormente, no hay nada realmente nuevo u original en la trama de "The Artist", la cual refiere no sólo a la ya mencionada "Singin' in the Rain", sino a clásicos de la talla de "A Star is Born" y "Sunset Blvd.". En este caso, son los pequeños detalles los que importan, pues es ahí donde se encuentra el corazón del filme. Detalles como el mínimo pero inteligente uso del sonido, la encantadora actuación del perro Uggie, y por supuesto, la cinefilia, esa cinefilia tan profundamente imbuida en cada plano. Sin duda, "The Artist" es una carta de amor a la era silente.

Como se mencionó anteriomente, "The Artist" es una cinta basada en un truco: lo que la distingue es básicamente la inusual elección de haber sido realizada como un filme mudo. Sin embargo, dado que la obra está hecha por un verdadero cinéfilo, la experiencia se vuelve muy disfrutable para audiencias con la misma cinefilia. Ciertamente, esto podría ser también un defecto, pues quizás audiencias menos interesadas en el cine silente no se sientan tan enganchadas por el estilo narrativo del filme (y es decididamente un filme de estilo sobre sustancia). De cualquier manera, tan truculenta como sea, "The Artist" logra hacer de su truco su principal elemento, funcionando realmente como una película muda y no sólo como una réplica. El talento de Hazanavicius ciertamente influye en esto, pero quizás realmente el secreto de esto se encuentra en el corazón puesto en la cinta.

8/10
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L'autre monde (2010)

Uno de los conceptos modernos más interesantes que resultaron de la creación de la Internet es el de los juegos de rol multijugador masivo en línea (MMORPG por sus siglas en inglés), esto es, juegos en que múltiples jugadores usan la Internet para entrar a un mundo simulado por computadora. A medida que la tecnología ha avanazado, los juegos se han vuelto más y más detallados en su descripción de mundos virtuales, al punto de que juegos como "Second Life" han desarrollado su propia economía virtual. Ciertamente, esto ha generado también preguntas sobre la seguridad y la privacidad de estos mundos virtuales, particularmente dado el uso malicioso que se le podría dar. La idea de un mundo nuevo por explorar, uno donde se puede crear una identidad totalmente nueva, inspiró al director Francés Gilles Marchard (de "Qui a tué Bambi?") para crear una historia de suspenseo con el concepto de mundos virtuales como base. El resultado es "L'autre monde", literalmente "El Otro Mundo", un sombrío filme neo-noir con ciertas reminisencias al "Blue Velvet" de David Lynch.

Conocida internacionalmente como "Black Heaven", "L'autre monde" es la historia de Gaspard (Grégoire Leprince-Ringuet), un adolescente que un día encuentra un teléfono celular en la playa. Junto a su novia Marion (Pauline Etienne), Gaspard lee los mensajes de texto del teléfono y descubre una extraña relación entre un hombre llamado Dragon (Swann Arlaud) y la dueña del teléfono, Audrey (Louise Bourgoin). Llenos de curiosidad, Gaspard y Marion encuentran a Dragon y Audrey, y los siguen a un bosque cercano, donde la pareja ha decidido suicidarse juntos. Gaspard y Marion intentan salvarlos, pero sólamente logran rescatar a Audrey, sin embargo, ellos decide no revelarle su identidad. Días después, Gaspard se obsesiona más y más con Audrey, especialmente cuando descubre que Dragon y Audrey se conocieron en el popular juego de rol en línea "Black Hole". Gaspard crea una cuenta en "Black Hole" y encuentra ahí a Audrey, pero esto literalmente lo llevará a un mundo desconocido para él, un mundo de engaños, mentiras y muerte.

Con un guión del mismo Marchand y de Dominik Moll (director del brillante thriller "Harry un ami qui vous veut du bien"), "L'autre monde" cuenta la historia de la obsesiva infatuación de Gaspard con Audrey, la provebial mujer fatal de la trama. Gaspard vive en lo que pudiera llamarse un mundo perfecto: radica en un paradisíaco pueblo costero, se acaba de mudar a su propio apartamento con sus amigos, y ha comenzado una relación con Marion. Sin embargo, Audrey representa un mundo diferente para el, un mundo peligroso y cautivante (el peligro es sexy después de todo). Y lo novedoso de este mundo se refleja en Black Hoe, el juego en línea que ella frecuenta. Marchard y Moll hacen de "L'autre monde" la historia de la pérdida de inocencia de Gaspard, pues descubre que el mundo es mucho más grande de lo que él, en toda su ingenuidad adolescente, pensó que era. El descenso de Gaspard a la oscuridad, y el uso que los autores dan al concepto de mundo (y vida) virtual como un torcido reflejo de la realidades particularmente interesante.

Esta dualidad entre mundos, la vida real de Gaspard y sus aventuras en línea, son representadas por el director Gilles Marchand mediante el uso del animación computarizada. El mundo virtual de Black Hole es una pesadilla "noir" animada, perpetuamente de noche con un estilo minimalista aunque decididamene Art Decó (tan contradictorio como suene). La animación es fluida y tiene una cierta belleza sombría, la cual contrasta con la belleza natural que Marchard captuira en el pueblo en que Gaspard vive. La fotógrafa Céline Bozon captura los vibrantes colores del verano, aprovechando las locaciones para crear un loook muy naturalista. De hecho, "L'autre monde" es un filme bastante atractivo visualmente, que refleja perfectamente los cambios en la vida de Gaspard al entrar a Black Hole y comenzar su doble vida ahí. La dualidad es un elemento clave en la trama de "L'autre monde", y Marchard maneja bien los aspectos de misterio de la película, provando ser un habilidoso director. Desafortunadamente, sus habilidades no logran salvar el filme de los defectos de su guión.

Las actuaciones son buenas en general, aunque algunos de los más jóvenes miembros del elenco muestran su falta de experiencia en sus interpretaciones. Al frente del eleneco está Grégoire Leprince-Ringuet, bastante bien en su papel de adolescente despertando a un mundo más grande que él. Hay mucho realismo en su trabajo, y se mira convincente tanto en su rol de curioso inocente como en el de patán malicioso. Con la película basada a su alrededor, Leprince-Ringuet se encuentra ciertamente bajo mucha presión, pero logra llevar el filme de manera efectiva. Como la misteriosa Audret, Louise Bourgoin es aceptable, aunque quizás menos convincente. Aunque definitivamente una mujer muy hermosa, hay una cierta rigidez en su trabajo que le resta naturalidad y afecta su rol de femme fatal, Melvil Poupaud, como el sobreprotector hermano de Audrey, Vincent, es muy más exitoso, logrando un buen retrato de un hombre violento e impredecible, no muy feliz de ver a Gaspard cerca de su hermana. Pauline Etienne como la novia Gaspard es buena, aunque su papel está muy pobremente desarrollado.

Y este es quizás el gran problema de lo que podría haber sido un sorprendente thriller neo-noir: su guión está muy probremente desarrollado. Marchard y Moll han creado una fascinante historia de mentiras y traiciones que realmente da un interesante uso al concepto de una segunda vida virtual. Sin embargo, hay cierta contención, una renuencia a realmente llevar la premisa más allá y al final todo queda en un simplista "cuento con moraleja" sobre los peligros de pasar mucho tiempo en el Internet. Lo cual no sería tan trágico si no fuera por el hecho de que el filme parecía apuntar a algo mejor. En "L'autre monde", Marchard conjuga todo los ingredientes necesarios para una espeluznante historia de cine noir (misterio, erotismo, traición y oscuridad), pero termina en una anticlimática nora que pareciera traicionar todo lo que el filme estaba logrando. Ciertamente, una gran decepción, pues la contención que Moll y Marchard muestran en la débil forma de concluir la historia le dan al filme el tono de una barata película para la televisión.

"L'autre monde" tiene muchos elementos positivos a su favor, comenzando con el enfoque que toma Marchard para representa el mundo virtual de Black Hole, y el atmósphera de film noir (cine negro) que tiene la película. Sin embargo, el débil epílogo es ciertamente una gran decepción, pues destruye todo lo que se había ido construyendo. Y quizás la decepción mayor es el hecho de que tanto Marchard como Moll han provado con anterioridad ser habilidosos maestros en el arte de construir thrillers (los previamente mencionados"Qui a tué Bambi?" y "Harry un ami qui vous veut du bien" son prueba fehaciente de ello). En general, "L'autre monde" o "Black Heaven" no es realmente un filme malo, solo que no llega al nivel que su interesante premisa pudo haber llegado.

6/10
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Der Student Von Prag (1935)

Durante los años 1920s, el cine Alemán experimento un desarrollo artístico que tenía sus raíces en el movimiento Expresionista que había explorado ya la arquitectura y la pintura. Películas como "Das Cabinet Des Dr. Caligari" (1920) y "Nosferatu, eine Symphonie des Grauens" (1922) mostraban los elementos clásicos del movimiento: estilizada y geómetrica dirección de arte, uso de iluminación en claroscuro y temas psicológicos en sus tramas. El Expresionismo se abocaba a la expresión de lo interior, en vez de una mera representación de la realidad. Aunque de corta vida, el movimiento tuvo una enorme influencia en el cine, particularment een el de horror, que encontró en el Expresionismo el estilo perfecto para sus mundos de pesadilla. El horror Americano de los años 1930s son quizás el mejor ejemplo de esto, pues detrás de muchos de ellos se encontraban miembros clave del movimiento que habían emigrado a América. Sin embargo, no fueron los únicos ejemplos. En la misma Alemania, el veterano Arthur Robison realizó una nueva versión de un clásico silente del Expresionismo: "Der Student Von Prag" ó "El Estudiante de Praga".

Ubicada en 1860, Balduin (anton Walbrook) es un joven y galante estudiante, un soñador cuyos más grandes placeres son el divertirse con sus amigos en la taverna de la posada y competir con su amigo Dahl (Fritz Genschow) por los afectos de Lydia (Edna Gryeff), la hija del posadero. Sin embargo, todo cambia un día en que el grupo celebraba el cumpleaños de Lydia, pues ese día son visitados por la cantante de ópera Julia Stella (Dorothea Wieck), quien casualmente les ofrece un breve recital. Embelesado por la cantante, el joven Balduin se enamora perdidamente de ella, pero para su mala fortuna, ella suele rodearse de la crema y nata de la sociedad, personas como el rico Barón Waldis (Erich Fiedler), por lo que el pobre estudiante se siente debajo de su nivel. Es en este momento en que el misterioso Dr. Carpis (Theodor Loos) entra en escena, prometiéndole a Balduin el estatus que desea. Sin embargo, al aceptar este trato Balduin sin saberlo se converitrá en una herramienta dentro de la venganza del Dr. Carpis en contra de Julia.

La versión original de "Der Student Von Prag" fue escrita por el autor Hanns Heinz Ewers como una versión en horror de la historia "William Wilson" de Edgar Allan Poe mezclada con la leyenda de Fausto. El remake del director Henrik Galeen era una versión más refinada, pero fiel, de la historia de Ewers. Esta versión, conocida en Español como "El Misterioso Dr. Carpis", fue escrita por Hans Kyser y Arthur Robison, y hace varios cambios importantes. El más obvio siendo el hecho de que la amada de Balduin no es ya miembro de la realeza, sino una famosa cantante, además de establecer un nexo entre el Dr. Carpis y Julia, algo inexistente en las versiones previas. La figura del Dr. Carpis recibe un desarrollo considerable, dejando de ser sólo una figura Mefistofélica, pues adquiere una motivación definida y se vuelve un villano verdadero. Sin embargo, el verdadero cambio importante es más sutil: es el hecho de que Balduin pierde algo más que su reflejo en el pacto; Balduin pierde su identidad, su personalidad y sus sueños. El "Der Student Von Prag" de Robison se encuentra más cercano al "Dorian Gray" de Wilde que al "William Wilson" de Poe.

Un veterano del Expresionismo Alemán (siendo "Schatten - Eine nächtliche Halluzination" su cinta más famosa), el director Arthur Robison le da a su versión de "Der Student Von Prag" una ominosa atmósfera de perdición gracias al gran trabajo del fotógrado Bruno Mondi (otro veterano del Expresionismo), quien captura la historia de Balduin con un estilo que, apropiadamente, se va volviendo progresivamente más oscuro a medida que la trama se desarrolla. Reflejando los cambios en el guión, la cinta de Robison es menos una pesadilla Expresionista y más una tragedia Gótica, con el énfasis ahora en el horror psicológico en vez del visceral. Para este efecto, Robison cuidadosamente desarrola la historia de la condena de Balduin, dándoles suficiente espacio a los personajes para crecer, todo esto con una elegante narrativa visual. Su "Der Student Von Prag" carece del atractivo visual de la de Galeen, pero en vez de eso Robison le da a su filme un apropiado tono sombrío de ambiguedad, con la naturaleza del poder que el Dr. Capris ejerce sobre Balduin permaneciendo en la oscuridad.

Las actuaciones son uno de los elementos más fuertes de "Der Student Von Prag", pues cuenta con grandes interpretaciones por parte del elenco. Como Balduin, Anton Walbrook (todavía como Adolf Wohlbrück) hace un admirable trabajo al representar el cambio en el alma de Balduin. Comenzando como un despreocupado joven, su obsesión con Julia crece y lo lleva a hacer el pacto con Carpis, el cual sella su destino. Sin ayuda de maquillaje o efectos especiales, Walbrook logra crear dos diferentes personalidades para su personaje, a menudo sin decir una sola palabra: su expresión facial dice todo lo que hay que saber sobre el conflicto interno por el alma de Balduin. La bellísima Dorothea Wieck interpreta al interés romántico de Balduin, Julia, y su trabajo en el papel es también de gran calidad. Wieck logra crear un personaje igual de complejo, pues su Julia es realmente tan culpable como Carpis de la ruina de Carpis. Mitad Mefistófeles y mitad Svengali, el Dr. Carpis de Theodor Loos tal vez no luzca imponente físicamente, pero la fuerza de su voz crea a un convincente villano Gótico.

Una interezante actualización de "Der Student Von Prag", el filme de Robison tiene a su favor un guión inteligente, una tecnica estilizada y una colección de buenas actuaciones. El giro que los escritores Kyser y Robison le dan a la historia es particularmente significativo, pues le da nuevas lecturas a la historia. Aunque en el pasado el resultado del pacto de Balduin era que su reflejo en el espejo tuviera vida propia (volviéndose un doppelgänger), en el filme de Robison la pérdida de su reflejo representa la pérdida de lo mejor en él. El soñador sentimental se vuelve un hombre cínico torcido por la codicia y la obsesión. Aunque permanece joven y galante por afuera, su personalidad se ha transformado por los poderes brindados por el Dr. Carpis, ansioso de alimentar la ambición de Balduin para lograr sus propósitos. Siendo un filme realizado endurante el régimen Nazi, esto hace un paralelo interesanto con los cambios que se estaban dando en la sociedad Alemana en los años previos a la Segunda Guerra Mundial.

Siendo uno de los últimos filmes producidos antes de que toda la producción Alemana se subordinara al Reichsfilmkammer, la versión de Robison de "Der Student Von Prag" es más que un remake con sonido, es una gran historia de horror por derecho propio. Llena de simbolísmo y de gran calidad técnica, la version de 1935 de "Der Student Von Prag" ha sido injustamente olvidada, opacada por sus predecesoras silentes; sin embargo, es posiblemente la mejor versión de la historia. "Der Student Von Prag" sería el último filme de Robison antes de morir (no llegaría a verlo en cine), y también ser ía de los últimos que Anton Walbrook haría antes de dejar Alemania. En cierta forma, "Der Student Von Prag" marca el final de una era del cine Alemán.

8/10
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Körkarlen (1921)

Durante la época de apogeo del cine silente, la industria cinematográfica Sueca alcanzó renombre internacional gracias al trabajo de dos maestros del cine mudo: Mauritz Stiller y Victor Sjöström, ambos cineastas enormemente influyentes siendo técnicamente los padres del cine de Suecia. De los dos, probablemente es Sjöström el más recordado, no sólo por la calidad de su cine, sino por haber sido tenido también una carrera como actor, carrera que culminó en 1957 con una increíblemente poderosa interpretación final a la edad de 78 años en la obra maestra del director Ingmar Bergman "Smultronstället" ("Fresas Salvajes"). Sin embargo, esta no sería la única relación entre los dos maestros del cine Sueco, pues de hecho, la gran influencia de Sjöström puede encontrarse en muchas de las cintas de Bergman, quien consideraba a Sjöström como su maestro, habiendo sido fascinado a la edad de 15 años al ver por primera vez "Körkarlen". Conocida como "La Carroza Fantasma" y considerada un clásico del cine Sueco, ""Körkarlen"" es un drama fantástico que muestra el enorme talento de Victor Sjöström.

"Körkarlen" es la historia de David Holm (Victor Sjöström), un hombre completamente irresponsable y alcohólico que ha volcado su vida enteramente a la bebida. En la víspera de año nuevo, Holm se encuentra como de costumbre, bebiendo con sus amigos (Simon Lindstrand y Nils Elffors), y en la juerga les comenta sobre una vieja leyenda que escuchó de parte de su viejo amigo Georges (Tore Svennberg), y que cuenta que la última persona en morir durante el año, si ha sido un gran pecador, se convertirá en el cochero de la Carroza Fantasma, el carruaje en el que la Muerte recoge las almas de los muertos. Gustafsson (Tor Weijden), otro amigo de David, lo encuentra y le pide que vaya a ver a Edit (Astrid Holm), una joven del Ejército de la Salvación que alguna vez conocieron y que se encuentra ahora muy enferma. David se rehúsa y comienza un pleito que culmina cuando David muere justo a la media noche. La Carroza Fantasma aparece, y David descubre que el conductor es el mismo Georges, quien había muerto el año pasado. Esto hará que David recuerde su vida, siempre llena de ira y de odio.

Basada en la novela del mismo nombre escrita por Selma Lagerlöf y publicada en 1912, el guión de "Körkarlen" fue escrito por el mismo Victor Sjöström", siento esta la cuarta de sus películas que tenía su origen en una historia de Lagerlöf. Lo más interesante del guión de Sjöström es la forma en que desarrolla la trama mediante una serie de flashbacks en una estilo narrativo poco común en su época, moviendose hacia atrás y adelante en el tiempo, del presente al pasado y viceversa, a medida que la compleja personalidad de David va hilvanando recuerdos y las razones de su perdición son reveladas. La innovadora estructura narrativa de Sjöström es compleja, más no difícil de seguir, pues fluye de manera muy natural y funciona perfectamente con la mezcla de fantasía oscura y duro realismo que tiene la trama. Esta mezcla es muy interesante, y es de los elementos más atractivos del filme, pues dentro de su contexto fantástico, Sjöström aborda el tema de los destructivos efectos del alcoholismo con una gran seriedad.

Probablemente las escenas más memorables a primera vista en "Körkarlen" sean aquellas de la Carroza Fantasma en escena, pues el director Victor Sjöström y el fotógrado Julius Jaenzon crearon una serie de inquietantes efectos especiales utilizando trucaje fotográfico con gran cuidado y estilo. La imagen de la Carroza "flotando" sobre el mar es aún poderosa. Sin embargo, hay más en "Körkarlen" que solamente espeluznantes efectos especiales, pues Sjöström da un excelente uso a la fotografía de Jaenzon para crear una atmósfera oscura y melancólica de desesperanza usando luces y sombras de una forma muy expresiva. Esto es mejor apreciado en la version entintada, aunque aún en simpe blanco y negro los resultados son sorprendentes. Dada el tono fantástico de la historia, hay mucho simbolismo en la cinta, pero lo mejor logrado es curiosamente, no lo fantástico de la historia sino lo realista de la misma: la degeneración que sufre la persona de David Holm a la que arrastra a sus amigos, familia y básicamente a todo el que se relaciona con él.

Ahora bien, habiendo comenzado su carrera como actor, el director Victor Sjöström realmente sabía como sacar lo mejor de su elenco, y "Körkarlen" no es la exceptción, pues las actuaciones son uno de los puntos fuertes de la película. Sjöstrom no sólamente funge como director y guionista, también da vida a David Holm y logra un excelente trabajo al hacerlo. Como el incorregible borracho camino a su perdición, Sjöström realiza un poderoso trabajo actoral de gran realismo en su interpretación de la locura etílica de su personaje. Se podría pensar que Sjöström opaca al resto del elenco, pero Astrid Holm, quien interpreta a la hermana Edit, está en el mismo nivel. Su personaje es esencialmente la contraparte de David Holm, la persona que intenta salvar su alma. Como la esposa de David, Hilda Borgström ofrece un trabajo con gran rango emocional, y es bastante efectiva en su actuación a pesar de estar menos tiempo en pantalla que Sjöström y Astrid Holm. Finalmente, la alta y delgada imagen de Tore Svennberg es bastante espeluznante como el actual conductor de la Carroza.

"Körkarlen" es una cinta llena de una gran belleza que es casi de origen sobrenatural. La forma en que este drama mezcla los horrores del mundo sobrenatural con los del mundo real (que son mucho más terroríficos) la hace una poderosa película que aún hoy permanece vigente a más de 80 años de su realización. Sjöström logra imprimir a su película una gran humanidad, una pasión que se siente reflejada en la pantalla en la mirada de David Holm, las lágrimas de su esposa, la enfermedad de la hermana Edit. Si acaso hay algún defecto en esta obra maestra que es "Körkarlen", sería solamente el hecho de que se vuelve un poco excesivamente sermoneadora al final. Sjöström tendía a darle a su cine un tono severamente moralista, y en "Körkarlen" esto es bastante obvio; aunque claro, no al grado de hacer de ella algun tipo de propaganda para el Ejército de la Salvación, solamente se podría decir que se excede un poco en el grado de sentimentalismo. Ciertamente, "Körkarlen" no es un filme sutil, pero su belleza trasciende en verdad esta falta de sutileza.

Es bastante interesante el ver "Körkarlen" y notar el gran peso que tuvo en la formación del joven Ingmar Bergan. El recuerdo de la imagen de Georges como el pálido conductor de la Carroza seguramente tuvo algo que ver en el diseño visual de "Det Sjunde Inseglet" ("El Séptimo Sello"), y su estructura narrativa en la ya mencionada "Smultronstället". Con lo poético de sus imagenes y la notablemente inventiva forma en que su narrativa es construida, "Körkarlen" es en definitiva uno de los filmes más bellos de la era silente. Como nota final, la íntima relación de Bergman con esta cinta aún se nota en uno de los últimos filmes del maestro Sueco, "Bildmakarna" ("Los creadores de la imágen"), que es una historia precisamente sobre la filmación de "Körkarlen". Una verdadera obra maestra.

9/10
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La Revolución de Juan Escopeta (2011)

Entre 1910 y 1920, México se vió inmerso en una serie de conflictos bélicos denominados colectivamente como la Revolución Mexicana, pues resultaron en grandes cambios sociales y en conjunto forman el más importante evento sociopolítico de la historia Mexicana del siglo 20. Todo comenzó con el levantamiento de Francisco I. Madero contra la dictadura de Porfirio Díaz, quien había estado en el poder por casi 35 años. La rebelión de Madero fue seguida por otros líderes en el país (como Pancho Villa y Emiliano Zapata), y terminó con el régimen de Díaz en 1911. Desafortunadamente, ese sería sólo el comienzo, pues los conflictos entre rebeldes continuarían con la traición y eventual golpe de estado del General Victoriano Huerta. Este difícil período de la historia marcaría a generaciones de Mexicanos, y naturalmente, el cine reflejaría su relevancia. "La Revolución de Juan Escopeta" de Jorge A. Estrada es una cinta que se desarrolla justo en el medio del conflicto, y lo que la hace aún más interesante es el hecho de que es animada, en una industria que raramente realiza cine de animacion.

"La Revolución de Juan Escopeta" se desarrolla en 1914, durante las batallas contra la armada de Victoriano Huerta. Es la historia de un joven muchacho llamado Gaspar (Ulises Nieto) o Gapo para sus amigos. Gapo vive con su madre (Dolores Heredia) en un pequeño pueblo minero llamado Mineral de la Luz, pues su padre murió y su hermano se ha ido, habiéndose unido a la armada de Pancho Villa. Un día, la armada de Huerta llega al pueblo mientras Gapo está jugando en las afueras, y cuando regresa a casa la encuentra saqueada y a su madre muerta. Gapo es apresado por la armada de Huerta, queriéndolo reclutar a la fuerza, pero es salvado por un misterioso pistolero llamado Juan Escopeta (Joaquín Cosío). Escopeta va rumbo al norte, y cuando Gapo se da cuenta de esto decide unirsele, pues su hermano está allá. Escopeta lo acepta de mala gana, y así los dos comienzan un viaje a través del altiplano Mexicano, el cual intentarán cruzar a pesar de las constantes batallas entre la armada de Huerta y las fuerzas rebeldes. Y para empeorar las cosas, hay otro pistolero tras la cabeza de Juan Escopeta.

Escrita por el director Jorge A. Estrada, "La Revolución de Juan Escopeta" sigue escencialmente el patrón clásico de una "road movie" en la que dos personajes muy diferentes entre sí, el idealista Gapo y el duro Juan Escopeta, aprenderán a trabajar juntos en el viaje y formaran una inusual amistad. Todo enmarcado dentro del género del Western. Quizás no es la trama más original, pero un elemento interesante es el hecho de que Estrada construye su historia alrededor de varios momentos históricos importantes de la Revolución Mexicana, pues los dos viajeros se ven envueltos en algunos de sus principales conflictos, como la Batalla de Zacatecas. Aunque no sin problemas, Estrada logra desarrollar convincentemente sus personajes, quienes a través de su épica aventura también enfrentan sus muy personales dramas. Gapo, ansioso de seguir los pasos de su hermano, enfrenta la realidad de la guerra que sigue cobrando vidas; mientras que Juan medita sobre su vida como mercenario y comienza a redescubrir su humanidad en su amistad con Gapo, quien comienza a verlo como figura paterna.

La narrativa visual del director Jorge A. Estrada es tradicional pero efectiva, desarrollando su historia con un ritmo muy adecuado, balanceando la mezcla de comedia, drama y aventura que forman el centro de la trama; y todo sin traicionar sus raíces de Western, las cuales se sienten constantemente no sólo en su dieño visual, sino en la forma en que aborda temás más adultos, después de todo, "La Revolución de Juan Escopeta" se desarrolla en medio de una sangrienta guerra civil. De hecho, aunque es un filme animado con miras a un público más joven, "La Revolución de Juan Escopeta" no se detiene al mostrar temas serios, con Gapo descubriendo que la realidad de la guerra es muy diferente a sus juegos con sus amigos. Desafortunadamente, aunque Estrada muestra habilidad como narrador, el trabajo de animación es en el mejor de los casos muy mediocre, y terriblemente malo en el peor. Es una cinta en clásica animación 2D con algunos elementos por computadora, pero aunque el diseño de personajes es bueno, la calidad de la animación es pobre en casi todos los aspectos.

Afortunadamente, la calidad del trabajo actoral es en general muy efectivo. Como el joven Gapo, Ulises Nieto es bueno en su papel de joven muchacho a punto de descubrir el mundo. Quizás algunas de sus expresiones sí suenan anacrónicas, aunque esto es más una falla del guión que de su actuación. Sin embargo, es Joaquín Cosío quien se roba el filme como el taciturno pistolero Juan Escopeta. En un personaje más basado en actitud que en otra cosa, Cosío logra darle una personalidad bien definidia al cansado pistolero. Bruno Bichir es Cuervo, el misterioso pistolero que anda tras Escopeta, y aunque su trabajo no es malo, en ocasiones suena un tanto sobreactuado. Julieta Egurrola tiene un pequeño pero importante papel como una monja solitaria protegiendo una iglesia abandonada, brindando un trabajo muy bueno. El resto del elenco es efectivo, aunque menos impresionante. Quizás el punto débil del elenco principal es Dolores Heredia, quien da un trabajo bastante pobre como la mamá de Gapo.

"La Revolución de Juan Escopeta" tiene muchos elementos admirables a su favor, comenzando con un verdaderamente inspirado guión que realmente desarrolla sus personajes y su historia sin limitarse a hacerlos lucir bien o a ser graciosos. Claro, tiene algunos momentos de tedio, y en ocasiones se siente un poco episódica, pero en general, "La Revolución de Juan Escopeta" es una muy enretenida historia de amistad y lealtad. De hecho, es tan buena la historia que es realmente una tragedia cuan terriblemente mala es la calidad de la animación. Desarrollada por Animex (Creadores de "La Leyenda de la Nahuala"), el trabajo de animación 2D es desastroso y nunca alcanza el nivel que el guión merecía. Y no es tanto un problema de dirección por parte de Estrada, pues en términos de narrativa el filme fluye muy bien, con los ángulos adecuados para contar su historia. El problema es la ejecución de la animación, que pareciera haber sido hecha de manera barata para ahorrar dinero. Al punto que hace que uno se pregunte cuan superior sería el filme si fuera una cinta con actores en vez de una animada.

Los largometrajes de animación son escasos en la industria Mexicana, son una técnica que nunca ha sido completamente explorada, ni siquiera en los años de la llamada "Edad de Oro". En tiempos recientes, esto ha cambiado y poco a poco más estudios Mexicanos intentan realizar filmes animados. Desafortunadamente, el verdadero clásico de animación Mexicano aún no ha sido producido. "La Revolución de Juan Escopeta" pudo haber sido este filme, pero aunque tiene un buen guión, carece de calidad en todo lo demás. Es triste pues muchas veces es precisamente el guión donde muchos filmes tienen su talón de Aquiles. Al final, si uno logra ignorar la mala calidad de su animación, encontrará que "La Revolución de Juan Escopeta" es verdaderamente un historia cautivanete y muy entretenida.

6/10

Oni (1972)

El Bunraku, una forma tradicional de teatro de títeres del Japón, cautivo desde temprana edad la mente de Kihachiro Kawamoto, quien decidió dedicarse al fino arte de la creación de títeres. Sin embargo, esa no sería la única cosa que llegaría a fascinar al joven artista Japonés. Años después, Kawamoto descubriría el trabajo del legendario cineasta Checo Jirí Trnka, cuyas animaciones en stop-motion (cuadro po rcuadro) impresionaron tanto a Kawamoto que el titiritero decidio aprender el oficio del cine. Kawamoto comenzó a trabajar con otra leyenda de la animación, Tadahito Mochinaga, y después logró viajar a Praga y conocer a su héroe, Jirí Trnka, con el fin de mejorar su arte. Trnka le sugeriría a Kawamoto que encontrara la inspiración en su cultura, y fue así que combinando lo aprendido del maestro Checo con su bagaje en el teatro Bunraku, Kawamoto produciría varios cortometrajes en los que mostraría la cultura Japonesa al mundo. "Oni", realizado en 1972, es el tercero de estas producciones independientes que le ganarían a Kawamoto un lugar en la historia de la animación.

"Oni", que puede ser traducido como "Diablo" o "Demonio" (nombre con el cual el filme es mejor conocido) es la historia de dos hermanos que viven en las montañas junto a su anciana madre. Los hermanos son cazadores, y su madre se encuentra ya muy vieja y frágil debido a su edad. Una noche los dos cazadores deciden ir al bosque a cazar ciervos. Los hermanos preparan trampas para su presa, la cual pretenden atrapara y luego dar muerte con sus flechas. Mientras el hermano menor está preparando una trampa junto a un árbol, una pálida mano de ultratumba viene de arriba y atrapa al cazador por los cabellos, levantándolo hacia la copa del árbol. En pánico, el cazador pide ayuda, y su hermano mayor llega listo con sus armas para disparar. El tiro es difícil pero el cazador logra salvar a su hermano, pues la flecha amputa el brazo que lo estaba sosteniendo. Los hermanos revisan el brazo cercenado y descubren que es el brazo de un demonio. Se lo llevan de vuelta a caza, y cuando llegan, los hermanos hacen un terrible descubrimiento, al encontrar a su madre herida, con su brazo amputado.

Como muchos de estos primeros cortometrajes, la historia de "Oni" fue escrita por el director Kihachiro Kawamoto, tomando inspiración del antiguo folclor Japonés. En "Oni" Kawamoto presenta una fábula que explora dos conceptos principales: el miedo y respeto a los espíritus de los bosques; y más importante, el miedo a la edad avanzada. En el "Oni" de Kawamoto, cuando la edad es demasiado para un anciano, éste se convierte en un demonio dispuesto a comerse a sus hijos. El demonio de "Oni", originalmente una frágil mujer debilitada por la ancianidad, se convierte en un monstruo para devorar a sus hijos. Sin embargo, aunque Kawamoto podría haber hecho de su historia un completo filme de horror, realmente "Oni" es una tragedia. Cuando el horror ocurre, lo que deja es una ominosa sensación de tristeza. La transformación de la mujer no es sólo horror, sino tragedia. No es algo que ella misma desee, sino algo que la posee y la deshumaniza. Esta deshumanización de los ancianos con la decrepitud es tal vez una alegoría de la degenración mental que la senilidad trae.

En "Oni", Kawamoto muestra su arte en su mejor punto, demostrando no sólo sus raíces en el teatro Bunraku, sino también la enorme influencia que el teatro Noh tradicional tuvo en su formación. "Oni" funciona como una obra Noh, aunque ciertamente el cine de Kawamoto es todo menos teatral. El trabajo de cámara es altamente dinámico, y al jugar creativamente con la luz y la sombra (trabajo de fotografía de Minoru Tamura y Ken Yoshioka), Kawamoto le da a su historia una atmósfera surreal que le cae como anillo al dedo al estilo narrativo de la historia, que trabaja como una fábula. En "Oni", Kawamoto crea uno de sus títeres más impresionantes en la figura del mismo Oni, que está basada en las representaciones tradicionales de los demonios. La estilizada cara demoníaca luce impresionante al se capturada por la cámara de Tamura y Yoshioka. El filme es mudo, con la historia siendo contada por intertítulos. Sin embargo, estos no son los intertítulos clásicos del cine silente, sino textos dinámicos que se mueven y aparecen siguiendo el diseño visual del filme, fluyendo con su ritmo.

Visualmente sobrecogedor, y lleno de una gran belleza, "Oni" de Kihachiro Kawamoto es una poderosa fábula que muestra perfectamente el arte del legendario titiritero Japonés. Con su fotografía surreal y su brillante música (composiciones en el estilo tradicional por Seiji Tsuruzawa), "Oni" es como observar las tradicionales formas artísticas Japonesas cobrar vida através de la magia del cine. Melancólica y etérea, "Oni" es más que un filme de horror sobrenatural, es un devastador drama que en sus apenas 8 minutos de duración presenta la tragedia de perderse uno mismo en la decrepitud de la edad avanzada. Después de "Oni", Kawamoto continuaría realizando cortometrajes en el mismo estilo, en el que abordaría temas clásicos del folclor Japonés, creando varias obras maestras de la animación cuadro por cuadro.

8/10
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Der Student Von Prag (1926)

Ciertamente uno de los movimientos artísticos más importantes del siglo veinte fue el Expresionismo Alemán, especialmente para el cine, pues en la nasciente industria fílmica Alemana dejo un impacto muy profundo. Con su estilizada dirección de arte y altamente atmosférica fotografía, el Expresionismo Alemán revolucionó el cine en múltiples maneras, gracias al trabajo de gente muy talentosa como Fritz Lang, F.W. Murnau, Karl Freund y Hermann Warmand. Justo en el centro del movimiento se encontraba el actor y director Henrik Galeen, quien tras haber co-dirigido (junto a Paul Wegener) uno de los primeros clásicos del movimiento ("Der Golem" en 1915), dedicó gran parte de su carrera a escribir guiones para muchas de las más grandes glorias del Expresionismo ("Nosferatu, Eine Symphonie Des Grauens" de Murnau por citar un ejemplo). En 1926, Galeen regresó a la silla del director, reclutando a muchos nombres famosos (Günther Krampf y el ya mencionado Warmand, entre otros) para hacer un remake de la primera cinta de Paul Wegener: "Der Student Von Prag" (1913).

En "Der Student Von Prag" ("El Estudiante de Praga"), Conrad Veidt interpreta a Balduin, un joven estudiante en constantes problemas económicos (que él piensa son un obstáculo para sus grandes ambiciones), pero que se ha hecho de la reputación de ser el mejor espadachín de todo Praga. Un día el se encuentra a un hombre extraño que se hace llamar Scapinelli (Werner Krauss), quien llega a descubrir las altas ambiciones de Balduin. Pero Scapinelli no es un hombre normal, así que mientras Balduin y otros estudiantes pasan el tiempo en el campo, Scapinelli usa sus poderes para hacer que la Condesa MArgit (Agnes Esterhazy) pierda el control de su caballo. Balduin nota el grave peligro y logra salvar a la Condesa, enamorándose de ella al verla. Desafortunadamente, ella se casará con su primo, el Baron Waldis-Schwarzenberg (Ferdinand Von Alten), por lo que Balduin no tiene realmente oportunidad. En este momento Scapinelli reaparece, prometiéndole a Balduin recursos infinitos y el corazón de la Condesa. Pero todo tiene un precio.

El filme original, escrito por Hanns Heinz Ewers, era una version en clave de horror del cuento de Edgar Allan Poe "William Wilson", con la adición de un cierto toque Faustiano. Adaptado por el mismo director Galeen, este remake sigue fielmente la trama original, pero agregando mucho más desarrollo a los personajes, algo que carecía la original (la tecnología y el presupuesto no estaban del lado de los creadores de la version original) y esto es realmente una mejora sobre la misma. Esta adición hace la historia mucho más envolvente, pues Galeen se da tiempo de explorar no sólo las horribles consecuencias del pacto entre Balduin y Scapinelli (que involucra la pérdida de su reflejo en el espejo), sino también su decadencia personal y la paradójica soledad del hombre rico, y como el cambio de su fortuna no brinda a Balduin la felicidad que tanto esperaba, y al contrario, comienza a transformar al ambicioso espadachín. Ciertamente, Galeen adopta un tono moralista un tanto cliché, pero a la vez con una elegancia similar a la del horror Gótico.

Uno de los más admirables elementos de esta versión de "Der Student Von Prag" es la fotografía de Günther Krampf (y de un Erich Nitzschmann sin crédito), la cual posee una inquietante belleza que le va perfectamente al tono melancólico y trágico que tiene la historia. El director Galeen da un gran uso al trabajo del fotógrafo, creando un filme dinámico que se mueve lejos de la usual teatralidad del cine silente gracias a su excelente trbajao de cámara y al ritmo fluido en que la trama se desenvuelve. Aunque menos estilizada (y bastante más naturalista) que los más representativos filmes del Expresionismo Alemán, la cinta de Galeen aún sigue muchas de las convenciones típicas del movimiento, y de hecho las emplea para representar los cambios en la vida de Balduin: las cálidas aunque melancólicas escenas del campo para la vida previa de Balduin, en contraste con los fríos y opresivos diseños de la mansión que construye cuando ya es rico. A pesar de ser menos impresionante visualmente que otros filmes Alemanes de su época, Galeen y Krampf le dan a su película un estilo muy propio.

Quizás el elemento más interesante de "Der Student Von Prag" es volver a ver juntos a las dos estrellas principales de "Das Cabinet Des Dr. Caligari" (1920): Conrad Veidt y Werner Krauss. Veidt es definitivamente lo mejor del filme, pues su interpretación como el taciturno Balduin es excelente y un ejemplo de un buen labor de casting. Verdaderamente Veidt transmite la melancolía y la amargura del joven espadachín cegado por la ambición, y en un par de escenas muestra una buena habilidad con la espada (aunque es cierto que es apoyado por la edición). Como el misterioso Scapinelli, Werner Krauss es bastante efectivo, aunque quizás un poco teatral. Sin embargo, esto no es un defecto, pues Krauss se apoya principalmente en su poderosa presencia escénica para representar al maléfico hechicero. La actriz Rumana Elizza La Porta es una agradable sorpresa (en su primer filme), pues su interpretación es bastante fresca y agrega un toque ligero al oscuro melodrama. Agnes Esterhazy no estan afortunada, aunque tampoco es mala, solamente algo mediocre.

Dado que la version original de "Der Student Von Prag" es de una gran importancia histórica al ser no sólo un prototipo del Expresionismo Alemán, sino además uno de los primeros filmes Alemanes de horror y el debut de Paul wegener como director; ha terminado por opacar a su mucho mejor realizado remake, lo cual es un tanto injusto pues es esta versión la mejor de las dos. Como se mencionó anteriormente, es la fotografía del filme lo que la diferencía del resto, pues en múltiples escenas se demuestra que Galeen y su equipo contaban con un gran entendimiento de las posibilidades narrativas del cine. Una de estas escenas es cuando Scapinelli utiliza sus poderes para volver locos a los caballos de la Condesa, pues conjuntando la fotografía de Krampf y el trabajo de edición para aumentar la presencia de la interpretación de Krayss, Galeen crea un momento poético y macabro al mismo tiempo, de gran suspenso y una belleza extraña, la cual fascina y horroriza a la vez.

Opacada por el valor histórico de su predecesora, y por el hecho de que la fantástica versión de Murnau de Fausto, "Faust - Eine Deutsche Volkssage" fue realziada el mismo año, la versión de Henrik Galeen de "Der Student Von Prag" es definitivamente una gema olvidada del cine silente Alemán que merece recibir más atención como otro de esos altamente influyentes filmes que hicieron camino para el horror moderno de la era del sonido. Probablemente no sea la película más representativa del Expresionismo Alemán, pero su elenco y su equipo la vuelven material esencial para cualquier interesado en este período de la historia del cine. Aunque quizás no sea la obra maestra que pudo haber sido, la belleza sobrenatural de "Der Student Von Prag" es imposible de olvidar.

8/10
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Der Student Von Prag (1913)

Sin duda uno de los movimientos artísticos más importantes en la historia del cine fue el Expresionismo Alemán, un estilo visual desarrollado en el Berlín de los años 20s basado en mundos irreales y absurdos de líneas torcidas y ángulos agudos para representar la lócura y lo sobrenatural. Cintas clásicas como "Das Cabinet Des Dr. Caligari." (1920) y "Nosferatu, Eine Symphonie Des Grauens" (1922) fueron los resultados más famosos de este movimiento, y aunque no tuvo una vida larga, el Expresionismo Alemán dejó una enorme influencia en el cine que puede sentirse incluso hoy, especialmente en el género de horror. Una de las figuras clave en este movimiento sería Paul Wegener, director de "Der Golem, Wie Er in die Welt Kam" (1920), pues en su debut como cineasta, siete años antes de realziar dicho clásico, ya estaba experimentando con el estilo expresionista en cine. Este primigenio prototipo del Expresionismo Alemán fué, incidentalmente, un filme de horror, "Der Student Von Prag". Desde el inicio, el horror estaría ligado al movimiento.

"Der Student Von Prag" (literalmente "El Estudiante de Praga"), es la historia del joven Balduin (el mismo Paul Wegener), un estudiante que ha ganado la reputación de ser el mejor espadachín de Praga, pero que vive en un constante apuro económico, pues carece de medios para subsistir. Un día, Balduin rescata a la bella condesa Margit (Grete Berger) de ahogarse en un lago cuando su caballo la deja caer por accidente. Balduin se enamora perdidamente de la condesa, e intenta verla de nuevo, sólo para descubrir que no es el único embelesado por la hermosa joven, pues el rico primo de Margit, Graf Von Schwarzenberg (Lothar Körner), también pretende casarse con ella. Sabiendo que él no puede ofrecerle mucho, Balduin desea ser rico, y es aquí donde entra en escena un hechicero de nombre Scapinelli (John Gottowt). El misterioso Scapinelli le ofrece a Balduin recursos ilimitados a cambio de un objeto de su habitación, el que Scapinneli elija. Balduin acepta, y descubre que lo que Scapinneli quiere es el reflejo de Balduin en el espejo.

Inspirado por el cuento corto "William Wilson" de Edgar Allan Poe aderezado con tintes de la leyenda clásica de "Fausto", la historia de "Der Student Von Prag" fue concevida por el autor Alemán Hanns Heinz Ewers, maestro de la literatura de horror que además fue uno de los primeros escritores en considerar al guión cinematográfico como una obra literaria. Escrita en una época en que el cine en Alemania se encontraba en los inicios de su desarrollo, "Der Student Von Prag" muestra ya una gran disposición a realmente usar el cine como un medio narrativo, más allá de meros trucos de cámara o una sencilla secuencia de eventos filmados. Como muchos de los guionistas de su época, el guión de Ewers muestra una gran influencia teatral, aunque ya "Der Student Von Prag" comienza a alejarse de esa influencia. Aunque un poco pobre en el desarrollo de sus personajes (sobretodo en los personajes secundarios, que son meros arquetipos), Ewers logra crear un protagonista complejo e interesante en la figura de Balduin.

Aunque "Der Student Von Prag" es apenas el debut como director de Paul Wegener y el segundo filme del co-director Stellan Rye, se puede ya apreciar que estos dos pioneros del cine realmente tenían una buena idea de los alcances que el cine tenía. Dandole un gran uso a la fotografía de Guido Seeber, estos dos jóvenes cineastas logran crear una poderosa atmósfera Gótica que ya da señas de lo que los cineastas Alemanes de la siguiente década realizarían. Wegener aprendería de Seeber y Rye muchas de las técnicas que luego emplearía en su trilogía del "Golem". A pesar de contar con recursos muy limitados, Rye y Wegener logran crear varios efectos visuales bastante sorprendentes (para su época) en las escenas que incluyen al reflejo de Balduin (interpretado también por Wegener). Ya un experimentado actor de teatro al momento de la realización de este filme, Wegener dirige a su elencon mostrando un gran talento y como se mencionó anteriormente, ya intentando alejarse del modelo teatral de cineastas anteriores.

Como Balduin, Paul Wegener se muestra muy efectivo y es probablemente lo mejor de la película. Ciertamente mucho ayuda el hecho de que su personaje sea el único realmente desarrollado en el guión, pero no se puede negar la calidad que Wegener muestra en su rol de estudiante pobre que pierde algo más que su reflejo en el especto en el maléfico contrato. John Gottowt es el siniestro Scapinelli, y le brinda a su personaje una aura de misterio que le queda como un guante. Poco se dice de Scapinelli en el filme, pero Gottow hace de esto un arma y se asegura de que, usando solamente su expresión corporal, quede claro que es una presencia temible. El resto del elenco preincipal es menos afortunado, con Grete Berger siendo bastante regular como la condesa Margit, y Lothar Körner haciendo un muy pobre Graf Von Schwarzenberg. Sin embargo debe reconocerse que Lyda Salmonova es bastante buena en su expresivo personaje y que Fritz Weidemann hace un excelente Baron Waldis-Schwarzenberg, mostrando la dignidad que el personaje de Körner debió haber tenido.

Considerando el rápido desarrollo que las películas estaban teniendo en esos años en otros países, además del hecho de que su remake (realizado 13 años después) es bastante superior, no es difícil entender el porque "Der Student Von Prag" no ha envejecido con la misma gracia que otras películas de la misma época. El problema principal de la cinta radica definitivamente en los limitados recursos con los que los cineastas contaban, mismos que los forzaron a realizar una película mucho más corta de lo que la historia de Ewers necesitaba para poder ser desarrollada completamente. Esto resulta en que la trama se sienta un poco vaga por momentos, incluso incompleta, como si algo se hubiera perdido en la narrativa (claro, con filmes de esta época, siempre hay la posibilidad de que la copia que sobrevive realmente esté incompleta). Sin embargo, "Der Student Von Prag" es un muy interesante primer intento de realizar un complejo cuento de horror y suspenso en el cine que, aunque inferior a lo que otros cineastas realizaban en aquellos años, dejó una gran influencia en la historia del cine.

Como ancestro director del movimiento de Expresionismo Alemán, es difícil negar la enorme importancia que "Der Student von Prag" tiene en la historia del cine Alemán, y muy probablemente, en la historia del cine en general. Ciertamente, es una película que se siente anticuada incluso para su propia época, pero que a pesar de eso y su bajo presupuesto, sigue siendo uno de los mejores filmes de su tiempo. Como se mencionó anteriormente, el director Alemán Henrik Galeen realizaría una nueva y mejor versión de la historia de Hanns Heinz Ewers en 1926, ya en la cúspide del Expresionismo Alemán, contando incluso con los íconos del movimiento, Conrad Veidt y Werner Krauss, en los papeles principales. Sin embargo, como la película que inició no sólo la carrera de Paul Wegener, sino el mismo Expresionismo Alemán, la versión original de "Der Student Von Prag" es ciertamente una película digna de disfrutarse.

7/10
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The Relic (1997)

Los novelistas Douglas Preston y Lincoln Child encontraron el nicho perfecto para su trabajo en conjunto escribiendo en el género del tecno-thriller, novelas donde una avsta cantidad de detalles técnicos son parte importante de la prosa. De entre sus libros, la serie de novelas con el Agente Pedergast han sido las más populares, con once novelas publicadas a la fecha. "Relic", la primera de la serie, se volvió un bestseller rápidamente, y naturalmente, las negociaciones para adaptarla al cine comenzaron, con el director Peter Hyams al mando. Hyams en ese momento había ido de realizar cintas de ciencia ficción ("Capricorn One", "Outland" y por supuesto "2010") a la realización de varios thrillers en los 80s y 90s, incluyendo dos cintas de acción con Jean-Claude Van Damme ("Timecop" y "Sudden Death"). "The Relic", como fue retitulado, fue lanzada en 1997 (dos años después del libro), y aunque se realizaron grandes cambios a la trama del libro (al punto que Pendergast es omitido completamente), la resultante cinta de horror no quedó tan mala.

"The Relic" (ó "La Reliquia") comienza cuando un extraño barco abandonado llega al río Illinoins. El detective de la policía de Chicago, Vincent D'Agosta (Tom Sizemore) es enviado a investigar al barco, el cual contiene cargamento para el Museo de Historia Natural de Chicago. Al buscar a la tripulación desaparecida, D'Agosta encuentra solamente sus cabezas mutiladas en un compartimento. En el Museo, la Dra. Margo Green (Penelope Ann Miller) examina el cargamento y sólo encuentra una estatua de la mítica bestia Kothoga. Cuando un guardia de seguridad es salvajemente asesinado en la misma forma que la tripulación, el detective D'Agosta sospecha que el crímen está relacionado al barco. El Museo planea una gala de apertura para su nueva exhibición, "Supersticiones", por lo que les urge que D'Agosta acabe su trabajo pronto. La policía encuentra y mata a un indigente que se escondía en el sótano y el caso se considera cerrado. Sin embargo, D'Agosta no esta convencido, y decide llevar a su equipo a una investigación final al sótano, donde son atacados por un enorme monstruo: Kothoga.

La novela fué adaptada a la pantalla por un equipo de guionistas formado por Amy Holden Jones, John Raffo, Rick Jaffa, y Amanda Silver. Alejándose de sus raícas tecno-thriller, la versión fílmica de "The Relic" tiene un enfoque más sencillo y decididamente de horror: es una historia de monstruos en el estilo más clásico, con la creatura rondando en la oscuridad, cazando víctimas atrapadas en una locación cerrada, en este caso, los salones del Museo de Historia Natural. "The Relic" es muy tradicional en como aborda esta fórmula, quizás un poco demasiado tradicional a decir verdad; sin embargom son los pequeños detalles que aderezan la trama los que le dan una imagen fresca e interesante, compensando ppor la falta de original de la fórmula. El Museo de noche es un gran escenario para una película de monstruos, y la mitología de la creatura y sus origenes son un buen detalle también. El desarrollo de personajes está en un nivel muy básico, aunque el detective D'Agosta tiene detalles interesantes siendo un supersticioso extremo perdido en la exhibición de "Supersticiones" del Museo.

Sin embargo, aunque la trama sea formuláica, el director Peter Hyams juega con esto a su favor y construlle en "The Relic" un filme atmosférico que aprovecha su escenari para hacer una simple pero entretenida cinta de monstruos. Como acostumbra, Hyams funge también de fotógrafo en el filme, y aunque su trabajo suele considerarse como pobremente iluminado, ese estilo oscuro funciona favorablemente para el tipo de horror que intenta en "The Relic". Su iluminación en claroscuro aumenta la ominosa atmósfera del Museo, e incrementa la tensión y el suspenso al tener al monstruo Kothoga acechando en la oscuridad durante la mayor parte del filme (referencias al "Alien" de Ridley Scott se pueden sentir). Un efectivo artesano, Hyams crea un par de interesantes secuencias en las que el terror de lo que acecha en las sombras es explotado inteligentemente y elevan al filme sobre el resto. "The Relic" es también un poco más violento que otros filmes de horror populares de la misma época, elemento que junto a la oscura fotografía le dan un apropiado aspecto.

Lidereando el elenco está Tom Sizemore como el detective Vincent D'Agosta, interpretando a un supersticioso pero trabajador detective, básicamente un extensión de la imagen de duro que Sizemore había creado en los 90s. En "The Relic", Sizemore realiza un buen trabajo, creíble y natural, aunque siendo francos, sin mostrar nada realmente sorprendente. Sin embargo, Sizemore logra llevar el peso de la cinta con firmeza. Como su contraparte, Penelope Ann Miller es menos exitorsa, pues aunque no hace un trabajo particularmente malo, sí es bastante mediocre, realizando su papel como si prefiriera estar en otra parte. Claro, esta aparente simplicidad pudiera deberse en parte a que estos roles son meramente los típicos personajes de una moderna cinta de monstruos, siendo pues el tipo rudo que debe enfrentarse a sus miedos secretos y la científica sexy que le planta cara al monstruo. el resto del elenco simplemente llenan la clásica variedad de roles de soporte que hacen buenas víctimas para monstruos, por lo que no hay nada nuevo en este departamento.

Ciertamente, la aparente falta de originalidad en los elementos básicos de "The Relic" la hacen sonar como una típica película de serie B con un elenco relativamente conocido y situaciones cliché. Sin embargo, como se menciona arriba, los pequeños detalles son los que hacen que "The Relic" sobresalga por ensima de la media y sea muy entretenida. Hyams crea su película con una sombría seriedad: no hay lugar para humor barato, bromas juveniles o referencias posmodernas; "The Relic" quizás no sea más que una simple película de monstruos, pero toma su tema en serio, y con tanto realismo como sus raíces fantásticas se lo permitan (el tono quizás es una herencia de su origin tecno-thriller). Este enfoque funciona muy bien con la violencia dura y la fotografía oscura de Hyams, dandole al filme una atmósfera similar a una pesdilla Lovecraftiana. Y es por esto que la fidelidad de Hyams a la fórmula funciona bien en "The Relic": la construcción de la atmósfera es tan efectiva que alejarse de la fórmula se sentiría como una traición al género.

El columnista Norteamericano William Safire recomendaba que uno debe evitar a los clichés como a la plaga, sin embargo, y especialmente al trabajar dentro de los confines de un género definido, a veces los clichés son lo que funciona mejor. El secreto se vuelve no lo que ocurre, sino el cómo ocurre. En "The Relic" el director Peter Hyams toma una historia cliché y brinda una bien estructurada historia de horror que, aunque ciertamente no cambiará el rostro del género, al menos brinda una buena dosis de entretenimiento. Y a veces eso es todo lo que se necesita. Aunque quizás muy poco parecida al tecno-thriller de Child y Preston, "The Relic" es una de las mejores cintas de monstruos que salieron en los 90s. Oscura, sombría y ominosa, "The Relic" es una gema poco apreciada, y uno de los puntos altos de la dispar carrera de Peter Hyams.

7/10
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Satanás (2007)

La tarde del 4 de Diciembre de 1986, un hombre conocido como Campo Elías Delgado entró en el lujoso restaurante Pozzetto en Bogotá, colombia, y después de comer, abrio fuego contra los comenzales en una matanza que llegaría a ser conocida como la Masacre del Pozzetto. La balacera terminó cuando Delgado fue abatido por la policía mientras recargaba su arma. Luego se descubriría que momentos antes del tiroteo del Pozzetto, Delgado había matado a tres personas más, incluyendo a su madre. El caso sorprendió a Colombia, particulamente al irse conociendo más detalles sobre la vida de Delgado. El escritor Mario Mendoza Zambrano, antiguo compañero de clases de Delgado, se interesó en el caso y en el año 2002 publicó una novela de ficción titulada "Satanás", basada en los últimos días de Delgado, donde Mendoza tomaba la Masacre del Pozzetto para explorar la naturaleza del mal. La novela recibió buenas críticas y pronto fue adaptada al cine, en una película dirigida por Andrés Baiz que fue lanzada en el 2007 bajo el mismo título, "Satanás".

La cinta comienza con una mujer llamada Alicia (Marcela Valencia) quien le confiesa al Padre Ernesto (Blas Jaramillo) si deseo de matar a sus hijos para salvarlos de la vida en la pobreza. El Padre Ernesto intenta confortarla pero Alicia lleva a cabo sus planes, afectando profundamente al Padre Ernesto, quien se encuentra en plena crisis de fé al estar enamorado de su asistente Irene (Isabel Gaona). En el mismo barrio vive Paola (Marcela Mar), una hermosa mujer que trabaja en el mercado, luchando por ganar algo de dinero. Dos amigos, Pablo y Alberto (Andrés Parra y Diego Vásquez respectivamente) le proponen unirseles en un plan para seducir y asaltar empresarios ricos. Finalmente está Eliseo (Damián Alcázar), un veterano de Vietnam y maestro de Inglés que disfruta la literatura pero que nunca ha podido mantener buenas relaciones sociales. Eliseo vive con su madre (Teresa Gutiérrez), quien le echa en cara continuamente su falta de éxito en la vida. El resentimiento de Eliseo contra la vida comienza a crecer, y su mente se vuelve una bomba a punto de explotar.

Adaptada por el director Andrés Baiz, "Satanás" se toma varias libertades con la novela de Mendoza (principalmente la omisión de una cuarta historia, la del personaje Andrés. También cambia el hecho de estar ubicada en la época actual y no en los 1980s), aunque permanece fiel a los temas centrales de la historia, esto es, a la exploración que hace sobre la naturaleza del mal. Las tres historias que se interconectan en "Satanás" comparten el tema común del mal inherente en la humanidad, con los tres personajes experimentando diferentes grados de madlad, no sólo en la sociedad en la que viven, sino especialmente en ellos mismos; no sólo el mal que sufren o del que son testigos, sino más importante, el mal que ellos causan a otros. En la historia, Eliseo está fascinado por "El Extraño Caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde" de Robert Louis Stevenson, y el tema de esta novela, del mal dentro de cada persona, tiene eco en el filme, no sólo en caso obvio de Eliseo, sino también en las vidas de Paola y el Padre Ernesto. Los diferentes grados en que sucumben a este mal inherente es el centro del guión de Baiz.

Como director, Baiz muestra una técnica pulida y bastante competente, apoyada mucho por el gran trabajo de fotografía hecho por Mauricio Vidal, quien captura una ciudad de Bogotá a punto de volverse una pesadilla urbana, reflejando los conflictos interiores de los personajes. La desigualdad social es un tema importante en el trabajo de Baiz, pues muchas veces él yuxtapone los barrios adinerados de Bogotá con los decadentes, nuevamente en tema de la dualidad. Las diferencias entre clases sociales juegan un rol importante en las tres historias, y Baiz maneja este tema sin caer en el melodrama barato, jamás traicionando el tono oscuro de la historia. El estilo visual de Baiz es depurado, aunque no sin cierto grado de duro realismo, el cual es apropiado dado el tema de la historia. Su narrativa, que maneja tres historias separadas que se interconectan es desaforunadamente un poco dispar, pues aunque una historia está bastante bien desarrollado, las otras dos se sienten forzadas, e incluso prescindibles.

Las actuaciones son el elemento más fuerte del filme, pues a pesar de los problemas del guión, el elenco hace un admirable trabajo en sus interpretaciones. Lidereando el elenco está el actor Mexicano Damián Alcázar, realizando uno de sus mejores trabajos como el perturbado Eliseo (el análogo del verdadero Campo Elías Delgado). No sólo Alcázar muestra un aceptable dominio del acento Colombiano, sino que crea un personaje complejo que se siente tan real en su desarrollo que es espeluznante. Ciertamente, Eliseo es el tipo de personaje que podría fácilmente haberse transformado en una caricatura, pero Alcázar matiene un tono contenido que lo vuelve más creíble. En el mismo tono está Blas Jaramillo como el Padre Ernesto, el torturado sacerdote en crisis de fé. Jaramillo hace un trabajo efectivo que brilla particularmente en sus escenas con la ya loca Alicia. La bella Marcela Mar interpreta a Paola, y aunque la historia de su personaje es fácilmente la peor desarrollada, ella logra darle a su mal escrito persona fuerza y dignidad, lo cual es sí mismo un logro.

Como se escribió anteriormente, "Satanás" esta construida como tres historias separadas que eventualmente se interconectan en un punto. La dificultad inherente a este recurso es que una o más de las historias estarán peor estructuradas que otras, y eso es precisamente lo que ocurre en "Sátanas". Aunque la historia de Eliseo es una poderosa deconstrucción de lo que podría haber pasado en la mente de un hombre perturbado, las historias del Padre Ernesto y Paola son considerablemente más débiles, particularmente la de Paola, que incluso podría haber sido removida del filme sin mayor repercusión. La historia del Padre Ernesto presenta una premisa interesate, particularmente cuando él se va obsesionando con las palabras de Alicia, la mujer que no pudo ayudar. Sin embargo, Baiz no explota el potencial de esta historia y, sin nungna sensación de riesgo, la historia termina como mera anécdota. La historia de Paola por otro lado, parece haber sido realizada por meras ganas de impresionar, pues aunque su caída de gracia es bastante gráfica, temáticamente es bastante superficial y su conexión con las demás historias es meramente concidental. Y no para bien.

En este su debut en largometraje, el director Andrés Baiz muestra una gran técnica y un bien definidio estilo visual. Desafortunadamente, su trabajo con el guión es bastante dispar, resultando en un filme que aunque admirable en muchos aspectos, podría sentirse poco satisfactorio al final. Sin embargo, "Satanás" es un debut que muestra el potencial de Baiz para mayores cosas. Con buenas interpretaciones por parte del elenco (especialmente Alcázar) y una premisa fascinante, "Satanás" es un thriller muy interesante que, tomando la Masacre del Pozzetto como bse, hace una buena  exploración de la mente enferma. Quizás las otras historia carecen de impacto, pero la historia de Eliseo es tan devastadora que por si misma hace que valga la pena revisar esta cinta.

7/10
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